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“Synergy” la muestra individual de Pum Pum en CourtX

Pum Pum inaugura nueva muestra individual en CourtX, Southsea, Inglaterra.

Buenos Aires, Julio 2022 – Fine Line Art & Galería UNION presentan “Synergy”, la nueva muestra individual de PumPum que inaugura el viernes 29 de julio en CourtX, Southsea, Reino Unido.

La nueva colección se compone de obras originales sobre tela y papel, una edición limitada de impresiones giclée y tres murales realizados en la sede de CourtX en Southsea, Portsmouth.

Si bien la naturaleza ha estado siempre presente en el desarrollo de sus obras, en “Synergy” PumPum celebra la cooperación, la belleza y la gratitud que se encuentran en pequeños gestos de comunión con el medio ambiente.

En esta nueva colección, la artista se sumerge en un universo de personajes que conviven en armonía, invitando al espectador a tomarse un momento para meditar y focalizar en el presente, destacando el cuidado como elemento principal para el bienestar colectivo.

Durante los últimos 20 años, la obra de PumPum se caracterizó por sus protagonistas creados con líneas puras y el uso predominante de color. Siendo su hábitat natural el dibujo, PumPum explora la ilustración, el diseño gráfico y el muralismo con la intención de generar microuniversos en medio de la vorágine hostil de la vida en la ciudad.

Con un perfil internacional ya establecido, Pum Pum realizó murales en ciudades como Djerba, Londres, Shanghai, París, Barcelona, Varese y Wroclaw entre otras y ha participado en muestras colectivas e individuales en Millerntor Gallery (Hamburgo), Hollywood in Cambodia, Galería UNION, Mar Dulce, CCEBA, Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires), entre otras.

Inauguración: Viernes 29 de julio

Fechas de Exposición: Sábado 30 de julio a lunes 29 de agosto

Entrada gratuita.

Intervención de Julián Manzelli / Chu en Planta Avellaneda, para Fundación Andreani

El sábado 27 de marzo de 2021 quedó inaugurada la última intervención del artista visual Julián Manzelli, alias “Chu”, en la Planta de Operaciones Logísticas Avellaneda de Andreani. Las intervenciones constan de un mural (de 34 metros de ancho por 18 metros de alto) sobre la fachada de Av. Pienovi 104 y una intervención sobre un tanque de agua que se eleva a 13 metros de altura.

Las obras forman parte de la iniciativa “Intervenciones” de Fundación Andreani, que busca impulsar la difusión del arte contemporáneo en diversos formatos y plataformas no convencionales. El mural se suma al Corredor de murales existentes de la calle Pienovi, en el barrio porteño de Avellaneda.

Mural de Julián Manzelli “Chu” sobre Avenida Pienovi 104, Avellaneda

Para la ejecución de sus intervenciones a gran escala “Chu” cuenta con un equipo de colaboradores que lo asisten hace ya muchos años. Para este mural en particular, contó con la asistencia de dos jóvenes artistas Joaquín Longinotti y Nicolás Germani.

Para la composición de ambas intervenciones, Manzelli dispuso un mapa de elementos interrelacionados que construyen una gran articulación abstracta “pero que juega con lo figurativo y funciona muy bien con el contexto”, afirmó Chu. “Desde hace años vengo incorporando a mis piezas un sistema gráfico de puntos interconectados que se articulan y generan, no solo composiciones mecánicas ó procesos, sino interrelaciones, constelaciones, conflictos, vínculos. La utilización de este sistema me pareció perfecta para este mural, sugiriendo una composición a modo de gran meta-mapa con todos sus elementos”.

Proceso intervención sobre tanque de agua

Julián Manzelli Chu arte urbano — Intervención en Tanque de Agua por Julián Manzelli “Chu”

El Documental de Juan Ignacio Zevallos

El proceso de las intervenciones y los testimonios de los protagonistas fueron registrados por Juan Ignacio Zevallos en un bellísimo documental de 18 minutos de duración. El documental no solo muestra el detrás de escena de la realización sino también captura al artista en su estudio, recopila los testimonios de los asistentes así como el de Francisco, el artista encargado del mantenimiento de los jardines de la planta de Andreani hace 25 años.

El documental se encuentra disponible en el canal de YouTube de Fundación Andreani.

Fotos cortesía de Grow Up Art Films.

Intervención — El último trabajo de “Chu” para Fundación Andreani

HIC Crüe

HIC Crüe es el colectivo de artistas de stencil a cargo de Hollywood in Cambodia, la legendaria galería especializada en arte urbano ubicada en Buenos Aires. El grupo está conformado por BsAsStencil, Malatesta, Run Don’t Walk, Stencil Land y, hasta recientemente por Tester Mariano.

El colectivo de artistas se fundó en el año 2006, cuando sus miembros fueron convocados para pintar Post Bar, un nuevo espacio ubicado en el corazón de Palermo Soho. A los artistas se les dió total libertad artística para diseñar y pintar murales en cada pared del bar, de techo a piso. A cambio de su trabajo, se les ofreció una parte del bar para su proyecto personal. Así nació Hollywood in Cambodia, convirtiéndose en la primera galería de street art en Buenos Aires, manejada por sus propios artistas: HIC Crüe.

Lo que finalmente tomó forma tras esta colaboración indoor se comenzó a gestar años atrás, en las calles de Buenos Aires. Fue allí donde cada uno de los artistas se toparon con stencils ajenos y, en vez de taparlos, pintaban los propios a su lado. Entablaron así un diálogo entre ellos, generando murales colaborativos y dinámicos. En las calles, ningún artista firmaba su trabajo; todos compartían la creencia fundamental de la importancia del trabajo colectivo y entendían su aporte individual al servicio del diseño.

Estas fueron las raíces de HIC Crüe y, hasta hoy, cuando alguien les pregunta de quién es una obra su respuesta es ‘Fuimos Todos’.

Para más de HIC Crüe:
Obras disponibles en Galería UNION

Bajo Flores, un mural por Pastel

El presente artículo fue publicado en SOBRE BUE del mes de Julio, una publicación gratuita.

En uno de los barrios más antiguos de Buenos Aires nos encontramos con “Bajo Flores” el mural realizado por el artista Francisco Díaz, también conocido como PASTEL.

El trabajo de Pastel está profundamente relacionado con el lugar donde está ubicada la obra, tanto desde el punto de vista temático como estilístico. La trama y la composición se interconectan desarrollando una temática basada en la experiencia personal del artista, los eventos históricos y sociales del lugar, y sus elementos naturales como la flora. Esta última obtiene entonces un rol esencial como elemento descriptivo y herramienta conceptual. Representa un lugar y simboliza los eventos que allí acontecieron, abriendo un diálogo entre la reflexión personal del artista, el espacio y su gente.

Aunque a simple vista la elección de la temática del mural pareciera tener solo un fin representativo, ésta es la forma en que la obra de Pastel se enfoca en la identidad local. No se impone sobre el espacio, sino que intenta comprender su entorno y luego representarlo. Según Pastel, al trabajar con la flora como simbolismo social, las obras comienzan un diálogo sobre la naturaleza del hombre y su entorno. Lo existencial, lo real, lo puro y lo trágico, casi olvidados en la sociedad moderna.

El mural se despliega entre los diferentes estilos arquitectónicos del barrio de Flores, donde art decó, art nouveau y edificios modernos coexisten como representación del eclecticismo porteño. Pastel ha realizado otros imponentes murales en numerosas ciudades alrededor del mundo, que en lo que va del 2017 incluyen Paris, Oslo, Oostend y Albuquerque.

// Mimi Carbia

Esta obra se encuentra en Av. Alberdi y Carabobo, en el barrio de Flores.
IG: Pastelfd
Web del artista

Hermandad, mural por Nicolás Romero

El presente artículo fue publicado en SOBRE BUE del mes de Agosto, una publicación gratuita.

En el barrio de La Boca, nos encontramos con la obra “Hermandad” realizada por el artista argentino Nicolás Romero, también conocido como Ever.

La carrera de Nicolás tuvo sus inicios en el ámbito urbano en los 90s, como graffitero de letras. Muy pronto comienza a desarrollar su estilo al retratar a sus ex-novias y a su hermano, lo que le permite encontrar, a través del retrato, una herramienta fundamental que luego será una de las características más importantes de su obra. Ever utiliza la calle como lienzo, un punto de conexión con la gente, y plasma sus mensajes a través murales de gran escala por todo el mundo. Aunque a simple vista su estilo se acerque más a la pintura tradicional, con una paleta de colores vibrantes, domina tanto el aerosol como la pintura látex, y utiliza su conocimiento del cuerpo humano como vehículo para trasmitir temáticas como la política, la religión, y sobre todo la crítica social.

La obra “Hermandad” retrata a Brian y Araceli, dos niños que viven en el barrio de La Boca y asisten al comedor comunitario “Pancita Llena, Corazón Contento”. Al Comedor asisten más de 20 niños, que son alimentados y cuidados por madres y abuelas que estimulan el sentimiento de hermandad entre ellos. Es por esto mismo que el mural los presenta cuidando el uno del otro, aunque no sean familiares. El artista quiso resaltar este concepto como fundamental para el progreso de cualquier sociedad, frente a la fuerte gentrificación del barrio de La Boca, el barrio porteño con mayor porcentaje de inquilinos. El artista afirma que la condición social del barrio, que se alza en los márgenes del Riachuelo, es uno de los factores por los cuales existen tantos comedores comunitarios.

// Mimi Carbia

Esta obra se encuentra en Av. Pedro de Mendoza y Martín Rodriguez, en el barrio de La Boca.
IG: Eversiempre
*Fotografía por Carlos Sarraf

[ENTREVISTA] Defi Gagliardo y la Inesperada Virtud de la Ignorancia

Hablamos con Defi Gagliardo antes de su última exhibición individual, RAW, en Galería UNION, sobre sus nuevos trabajos, la influencia de este último año, y algunos de sus proyectos novedosos.

Siempre es un buen momento para una expo. Pero no siempre uno obtiene los resultados esperados, a nivel personal digo. En esta expo en particular doy comienzo a una etapa nueva que vengo desarrollando hace unos años.

RAW tiene que ver con la descripción estética de la obra, colores y composición, y el subtítulo “la inesperada virtud de la ignorancia” es más conceptual, abarca más que esta expo y tiene que ver con mi carrera de artista.

Nunca me interesó mucho el mundo del arte. Creo que parte de mi ignorancia está ahí, me lo crucé por accidente. Empecé a trabajar en galerías a los pocos meses de empezar a pintar.

Creo que la relación entre mi comienzo y mi ahora es el constante movimiento. Si ves una secuencia de obras desde la primera a la última, notarás un cambio lento pero muy marcado. Hay un cambio conceptual, un largo proceso que va del caos al caos ordenado. Los colores se acotan y también las formas. Imaginate el típico dibujo de la creación de los continentes donde de la masa misma se separan partes, bueno, lo mío fue el camino inverso.

DEFI 60 — Sin título / Técnica mixta y luz 3v / 26 x 26 x 9cm

Generalmente la música me hace pensar mucho. De ahí surgen ideas para mis pinturas o alguna otra obra. Me pasa lo mismo cuando pinto. Siempre tengo mi taller cerca de mi estudio de música, lo que me permite tener un ida y vuelta.

Como diseñador grafico te diría que el dadaismo y futurismo me marcaron fuerte. Las vanguardias, el suprematismo de Malevich. Hoy en día algunos de mis artistas favoritos son Lolo y Zozacu, Momo, Mark Henkins, y el holandés Koen Delaere, entre otros.

La abstracción llegó junto con mis años de trabajo y búsqueda, fue un proceso, un estilo de vida que me llevó a ver los colores, formas y composición de otra forma. Los trabajos abstractos me parecen más fáciles de digerir y convivir diariamente. Cuando comencé a pintar en el año 2000 aprox. mis cuadros vibraban de otra forma. Tenían otro mood. Eran cuadros que los podías colgar en salas de reuniones o museos, es decir, se bancaban que los mires un rato nomás, tenían mucha presencia, generaban tensión. No eran cuadros para casas, obviamente me di cuenta de eso cuando comencé con la abstracción. Sentí que esa tensión se acomodaba, empecé a relacionarme más con el equilibrio.

Los gatos fueron mi comienzo, los empecé a pintar en la calle cerca del año 2000 también y luego, los pinté en cuadros. Los gatos nunca se fueron, se tomaron un descanso de la calle, se asustaron un poco de la moda y se escaparon a la hoguera.

DEFI 88_white background — Sin título / Técnica mixta sobre madera / 27 x 32cm

Empecé a diseñar mis cuadros y no a vomitarlos. Empecé a pensar a partir del blanco y no a partir de la mancha. Aprendí a manejar la austeridad. Esto me hace encarar las expos desde otro lado, ahora pretendo que la expo no haga ruido visual y sí que trabaje en tu cabeza. Antes buscaba el impacto a primera vista, me llevaba por delante a el espectador y ahora en cambio busco incorporarlo a la obra.

Comence el año con una recidencia en Oqubo en Alicante, durante un mes, en el medio del campo. Fue ahí donde empecé a definir esta nueva etapa de trabajo. Totalmente experimental y sin pretensiones descansé de mis viejas ideas durante 15 días. Sin pintar solo pensando y conectando con el hermoso lugar. Los otros 15 días pinté una serie de telas que verdaderamente daban comienzo a mi nueva etapa. Una vez llegado a Buenos Aires empecé a preparar una expo para la galería Chien Noir. Es ahí donde puse en marcha mi nuevo trabajo.

Estoy muy contento que me fui de la capital. Eso es lo más importante de mi proyecto nuevo. Ahora vivo en una quinta donde tengo mi taller, mi estudio de música, y próximamente un pequeño restaurante. Todo relacionado. Estudié cocina al mismo tiempo que diseño gráfico. Y cuando comencé a pintar también comencé a producir musica. Todo se relaciona. Ahora te cocino en mi casa. Vas a poder comer una rica comidita dentro de mi taller.

fiftyfifty-site-800x400 — 50-50 / Acrílico sobre lienzo / 140 x 280cm

Catálogo de obras de HIC Crüe

HIC Crüe es un colectivo legendario Argentino, compuesto por BsAsStencil, Rundontwalk, Malatesta, Tester Mariano, y Stencil Land. Juntos fundaron Hollywood in Cambodia, la única galería de arte urbano en el país manejada por sus propios artistas. “Fuimos todos” aterriza en el marco de los festejos por el décimo aniversario de la galería y es una oda a la década de trabajo colectivo dentro y fuera de las calles.

“Fuimos Todos” es una celebración del colectivo como concepto creativo, un elemento fundamental en la naturaleza propia del arte urbano. Como preparación para lo que es su tercera muestra, los artistas convirtieron su galería en estudio y encararon la producción de las obras como un trabajo cooperativo entre sus seis integrantes.

Las obras se componen de imágenes rescatadas del material de archivo compilado por los miembros del grupo, que incluyen libros de historietas, publicaciones de cocina, revistas viejas y publicidades. Las piezas resultantes se superponen en capas de imágenes nostálgicas, adulteración socarrona de propagandas y referencias históricas.

Como parte de la muestra, los artistas han creado un mural in situ, representando un hombre solemne, ubicado de espaldas a una pared pintada y de frente a un grupo de hombres uniformados, alineados en un pelotón de fusilamiento. Esta obra fue inspirada en la ilustración de Carlos Vogt, titulada “Un hombre llamado humanidad”, del cómic publicado en la revista Skorpio en 1975.

La muestra cuenta con 34 piezas creadas con técnica mixta sobre madera, en pequeños y medianos formatos. Para acceder al catálogo completo de obras aquí.
Hacemos envíos internacionales. Para consultas escribinos a info@galeriaunion.com

También pueden leer una entrevista que hicimos con HIC Crüe en nuestro blog aquí.

Fotos por Catalina Romero

Tour en Castellano

Nuestros tours revelan las increíbles historias de la escena de arte urbano de Buenos Aires, descubriendo el tinte político de sus orígenes hasta el contexto actual en el que Buenos Aires se convirtió en una de las ciudades más emocionantes del mundo del arte urbano. Recorriendo galerías de arte al aire libre, visitas a murales, obras realizadas en stencil, pegatinas (o paste-up) analizando las motivaciones y las ténicas de cada uno de les artistas.

El recorrido de este tour puede incluir visitas a los ateliers de los principales artistas así como la visita a galerías especializadas en arte urbano, dependiendo de la disponibilidad de los espacios. A lo largo de un paseo que se realiza íntegramente a pie, se descubre el tinte político del origen del movimiento hasta el momento actual, en el que Buenos Aires se convirtió en una de las ciudades más emocionantes del mundo del arte urbano.

Se organiza mensualmente, y los recorridos son: Colegiales – Palermo Hollywood o Palermo Soho – Villa Crespo.

Enviános un mail para conocer las próximas salidas: info@graffitimundo.com
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Este tour es guiado en castellano y sujeto a cancelación o reprogramación en caso de lluvia.

PROXIMA FECHA
Domingo 12 de noviembre, de 4.30 a 6.30pm.
Recorrido: Villa Crespo – Palermo Soho

– Idioma: castellano
– Duración: 2 horas
– Contribución: $ 3000 pesos por adulto / menores de 7 a 12 años abonan $ 1500 pesos, y de 0-6 años sin cargo.

Podemos organizar este recorrido para grupos privados: escribinos a info@graffitimundo.com para conocer las tarifas.

La magia sigue intacta: 10 años de Hollywood in Cambodia Crüe

Nos reunimos con HIC Crüe para charlar sobre su muestra “Fuimos Todos”, que inaugura en Galería UNION el 2 Diciembre.

HIC Crüe se compone por los artistas BsAsStencil, Malatesta, RunDon’tWalk, Stencil Land y Tester Mariano y es la crew de artistas a cargo de la legendaria galería Hollywood in Cambodia. Su muestra aterriza en el marco de los festejos por el décimo aniversario del colectivo y es una oda a una década de trabajo colaborativo.

“Fuimos Todos” es una celebración del colectivo como concepto creativo; un elemento fundamental en la naturaleza propia del arte urbano y el ethos al corazón de este grupo inimitable.

Malatesta: Pintar con los chicos es como tener una banda. Uno puede salir a pintar solo, ningún problema: yo puedo tener una guitarra en mi casa y pasar todo el día tocando como me gusta, pero es muy diferente cuando te juntas con tu amigo Tester que toca el bajo, tu amigo Gonza que toca la batería.

GG: Es peor, porque todos tocamos la guitarra. Congeniamos porque todos hacemos la misma.

Malatesta: El individuo actúa como banda: Es un núcleo colectivo de verdad. La misma idea, las mismas herramientas, cada cual con su rol pero por un plan mayor. Como un transformer.

NN: Voltron.

GG: Pintar así te lleva a que dejes de ser vos en lo que hacés, ya sea en la pared o en un cuadro.

NN: Es como la disolución de un ego en un todo mayor.

Tester: Es el hecho de compartir y no pasa por decir: “Esto lo pinté yo, esto es mío”.

Malatesta: Es lo mismo que pasa cuando pintás en la calle porque una vez que está ahí afuera, deja de pertenecerte.

Run-Dont-Walk-in-Beunos-Aires3 — Mural por RunDon’tWalk y Tester Mariano / Buenos Aires

Hablando a través de las paredes

Tester: Nosotros nos conocimos por pintar en lapsus distintos de tiempo, una noche uno, otra otro, etc.

Malatesta: Eran paredes espontáneas y conocí sus pintadas antes que sus caras.

Tester: Es un método colaborativo de veras.

NN: Si, eso era el diálogo. Hay algunas paredes a las que le tengo mucho cariño por eso. Porque fueron creciendo muchísimo y conozco mucha gente que luego me enteré que pintó ahí. Estaba bueno cómo, al verlas, realmente sentías el conjunto de quienes las habían creado.

Pintadas en espacios abiertos y en espacios cerrados

NN: A la hora de pintar en la calle casi siempre se dividen los espacios y, si bien uno interviene al otro, están más bien definidos. Lo que estaba bueno, a diferencia de las muestras, es que antes de conocernos nosotros ya hacíamos obras en conjunto sin quererlo porque pintábamos uno al lado del otro y venía un tercero e intervenía la pared. Eso rescato de cuando se puede hacer algo sin la filosofía del tapar, que es tan clásico en el graffiti. Hay una palabra griega que es “palimpsesto” que refiere a reutilizar el mismo soporte una y otra vez creando así capas y capas de escritura. Para mí está buenísimo renovar pero me da cosa cuando se tapan esos “collages del tiempo” a los que les tengo mucho cariño.

GG: Nosotros empezamos a pintar así en la calle y después cuando empezamos a pintar en soportes teníamos una relación distinta a una persona que del primer día pinta una obra y es sagrada, intocable. Nosotros estamos acostumbrados a la calle, entonces pintar en la calle y que venga otro que es un amigo tuyo y pinte otra cosa es común.

Pintar en anonimato
GG: Hoy en día la gente pinta para que la conozcan. Y hoy en día yo quizás firmaría por una cuestión de que que la gente sepa que lo hice yo. Pero al principio era un juego de salir a pintar, para qué querías que sepan quién eras, si no existía nada para “lo que”. Por qué hacerse conocido, quiénes te iban a reconocer? Los otros cuatro que pintaban con vos? Hoy en día el reconocimiento se entiende porque pasás a hacer muestras, a vender obras, te llevan a pintar. Cuando empezamos a pintar nosotros no existía nada de eso, entonces cuál era el fin de que conozcan tu nombre si no existía un mercado?

Malatesta: Es más, teníamos más miedo que otra cosa de poner el nombre.

rdw stncl — Mural por RunDon’tWalk y Stencil Land / Buenos Aires

BS AS — Mural por BsAsStencil / Buenos Aires

10 Años

GG: Brindar por diez más? Que se vayan a la puta que los parió. Yo haría un casting de 5 artistas que quieran manejar la galería a partir de ahora, a ver si se la aguantan.

Tester: Nadie pensó en tener este espacio diez años. Yo pensé que no íbamos a durar tres meses, así que de por si es positivo.

GG: La mayoría de los pibes que han pasado y expuesto en HIC te hacen sentir que se sienten parte de alguna manera, más allá de nosotros 6. Y eso está bueno porque eso sí era un fin que teníamos: Que la galería sea un lugar al que todos sientan que pertenecen. Es un lugar donde pasa el movimiento, más que la muestra individual de cada uno. Y eso creo que se ha logrado con creces. Que nos quieran y que quieran al lugar. Y si no nos diviertiéramos no lo haríamos ni un segundo.

NN: Sabés que lo primero que le pusimos era “Galería de Imágenes” cuando abrimos. Porque ni siquiera nos queríamos comprometer con el “Arte Urbano” e incluso de la primera muestra que inauguramos, la mitad de los convocados no pintaba en la calle. No era necesario pintar en la calle para poder exponer en la galería.

Tester: El lugar siempre estuvo abierto y nunca fue demasiado ortodoxo. Somos seis y nos tenemos que poner más o menos de acuerdo. A su vez el espacio, en realidad, es de todos.

“Fuimos Todos”

GG: Al mismo tiempo que cumpliámos 10 años caímos en la cuenta que habíamos cerrado con UNION para hacer la muestra y que era todo muy cerca. Hacía mucho que no pintábamos (N. del E: desde la muestra Toco Madera en galería Kosovo, año 2012), pero cuando empezamos a pintar te das cuenta que es como andar en bici.

Malatesta: La magia sigue intacta.

GG: Si bien el proceso creativo es el mismo, quizás lo que suceda es que cada uno encontró su propio estilo. De todos modos, ya sabemos en quién confiar para una cosa específica, en términos de composición o de colores y terminás confiando ciegamente. También existe un backround: Hicimos muchas cosas y siempre, a nuestro parecer, quedaron bien. Yo me cabreo y me pongo a patalear, pero confío plenamente.

Tester: Lo importante es que somos 6 tipos que piensan distinto pero… confluye en algo que está bueno y es divertido para nosotros.

GG: Lo que nos pasa como grupo es que no funcionamos en perspectiva. Creo que por eso duramos tanto, siempre fue el día a día, muestra a muestra y casi sin darnos cuenta llegamos. No lo planeamos.

NN: Cualquier excusa está buena para juntarnos.

Malatesta: La mejor manera de celebrar es pintando juntos.

GG: Nos mantenemos atados al mástil. Por ahí una de las cosas que más me copa es que en diez años hicimos y seguimos haciendo como el primer día.

NN: No aprendimos nada.

Catálogo de obras de Pedro Perelman

“Origen” es la nueva exhibición de Pedro Perelman en Galería UNION. Esta nueva colección está compuesta por obras originales de pequeño y mediano formato sobre lienzo y escultura en madera. En Origen Perelman trasciende las diversidades étnicas de sus protagonistas para indagar en sus orígenes como artista. La muestra representa un paso más en la carrera multifacética del artista que ha tomado forma a lo largo de los últimos 15 años.

Origen_sala_web_01 — Exhibición en Galería UNION

Origen_obra_alta_20 — “Ramón, Robot Proletario” / Escultura en madera / 80 x 60 x 35cm

Pedro Perelman es miembro del colectivo artístico FASE, formado en Buenos Aires en el año 2000, que junto a otros artistas dieran inicio a la escena local del street art.

Tanto en sus murales de gran escala como también en sus pinturas de caballete y obras sobre otros soportes, sus trabajos poseen una clara impronta experimental y gráfica, y demuestran un equilibrio marcado entre lo orgánico y lo geométrico, lo pregnante y lo climático.

Origen_sala_alta_09 — Iguales pero Distintos (Díptico) / Acrílico sobre lienzo / 100 x 70cm cada una

Se puede visitar la exhibición en Galería UNION hasta el 21 noviembre. No se olviden de chequear la entrevista que hicimos con el artista, donde habla de sus inspiraciones para estas obras, su camino como artista y pasión por la docencia.

Ver y descargar el catálogo completo de obras de Origen aquí.

Hacemos envíos internacionales. Para consultas escribirnos a: info@galeriaunion.com

Origen_obra_alta_03 — El Carregador / Acrílico sobre lienzo / 100 x 70cm

Origen_sala_alta_14 — Exhibición en Galería UNION

Fotos: Catalina Romero

Entrevista con Pedro Perelman

Hablamos con Pedro Perelman en la previa a su exposición individual “Origen”, que inaugura el viernes 30 septiembre en Galería UNION. La muestra está compuesta por más de 15 trabajos originales que incluyen lienzos y escultura en madera. A través de una reinterpretación gráfica y personal, Pedro Perelman trasciende las diversidades étnicas de los personajes que componen su obra para indagar en su origen como artista.

Origen es el nombre de la muestra porque más allá de los rasgos, etnias y diversidades de los personajes y situaciones que conforman mi universo, se trata de la propia búsqueda del origen como artista. Se funden el origen y el deseo por pintar. El origen y el rumbo de una corriente artística visual que va encontrando formas y cambios que carecen de sostén académico y se escriben como historia a base de trabajo y esfuerzo.

Nunca estudié dibujo ni artes plásticas y creo que carecer del bagaje del cual te provee el entorno académico me ayuda a aliviar el proceso de producir. El Diseño suministró muchas herramientas que luego utilizaría en la pintura, pero mi incursión al arte fue gracias a mi padre, que viene de un entorno artístico y naturalmente me rodeó de estímulos visuales, ateliers de amigos artistas, museos, hojas en blanco y lápices.

Mala Mía — “Mala Mía” / Acrylic on canvas / 50 x 40cm / 2016

Las primeras intervenciones en el espacio público se dieron en un momento muy complejo para el país que viví con mucha angustia. Sin bien eso no está reflejado en mi obra, se manifestó en la actitud a la hora de salir a pintar, como si el contexto fuera un disparador, o una suerte de acción-reacción, pero desde un lugar casi optimista. Busqué el impacto del color y las formas como el remedio a la crudeza, gris.

El arte es y será siempre un bien dispensable, y en un país en continua crisis e inestabilidad, se ve afectado inmediatamente. También considero que falta actualización, nuevas visiones para nuevos tiempos, de manejo de obra, de proyectos, de apoyo institucional. La escena precisa una legitimación más abarcativa. Sin embargo hay muchos artistas locales que están a nivel global muy bien posicionados, por propio mérito.

Pedro, Pol, MrL_2016_Barracas — Mural in Barracas, Buenos Aires / Pedro, Pol, MrL / 2016

Con el paso del tiempo fui encontrando varios estilos artísticos, pero soy inquieto y me encuentro en la constante búsqueda de otro, o creyendo que carezco de él. Maduré la forma de ver y pensar el arte y a medida que pasó el tiempo vi que del inicio gráfico clásico, y casi despojado de lo pictórico, me fui amigando con la luz, la sombra y los detalles, como también con la combinación de técnicas. Desde los elementos más sintéticos a la figuración y la combinación de recursos provenientes del diseño.

El contexto cambia mucho la forma y los tiempos de producción de una obra. En el estudio los plazos son distintos, no hay horarios, ni clima ni cosas externas. A la hora de pintar en la calle hay como una adrenalina dada por la escala, la gente, las reacciones, los comentarios, el trabajo físico. Hay una mayor optimización del tiempo. Desde lo técnico y lo concreto del trabajo, los procesos en ambos espacios son similares.

La Piel de la Historia_ph- Martin Tibabuzo — “Piel de la Historia” / Barracas, Buenos Aires / Ph: Martin Tibabuzo

El año 2016 viene siendo uno muy productivo e intenso y estoy fundamentalmente enfocado en el proyecto Ruta de Murales. Junto a Poeta y Lion pintamos en muchas provincias de Argentina, dictando talleres, y intercambiando conocimientos con muchísima gente. Ha sido una experiencia genial junto a Montana y Sinteplast, y desde Octubre tendrá también su segunda parte en el sur del país.

santiago-del-estero_solo_web — Mural in Santiago del Estero / Ruta de Murales / 2016

Konex — Pedro, Poeta, Lion / Ruta de Murales / Buenos Aires / 2016

Me gusta mucho la docencia, y los años en la UBA me ayudaron mucho. Por ejemplo mi experiencia previa como docente seguramente influye en el desarrollo de los talleres con Ruta de Murales. Me gratifica transmitir entusiasmo y esfuerzo, y tanto en la UBA como ahora en los talleres de Ruta de Murales, el que aprende es uno. Más allá de los roles, los grupos numerosos te aseguran muchas ideas, mucha energía.

En mi vida la música y la pintura se alimentan todo el tiempo: Pienso sonidos y escucho colores, considero que los criterios compositivos de ambos mundos son bien parecidos y los procesos creativos también. Junto a dos amigos músicos y artistas formamos Kermesse, y este año viajamos a México presentando nuestro show live de música electrónica (house). Al mismo tiempo pienso que son universos sociales bien diferentes pero que me generan un sano equilibrio: la música y la pintura son como el día, la noche.

WALKING TOUR (SÓLO EN INGLÉS)

Nuestro Tour a Pie te lleva a través del barrio emergente de Colegiales hasta los escondidos enclaves de Palermo Hollywood. Este tour provee de un fresco abordaje al movimiento moderno del street art de Buenos Aires, con una breve introducción a la fascinante historia y cultura de la expresión en las calles del país.
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Este tour es guiado en inglés y sujeto a cancelación en caso de lluvia.

– comienza a las 15hs en Colegiales y finaliza a las 17hs en Palermo Hollywood
– idioma: Inglés
– fee: USD 25 por persona

Catálogo de obras por Christian Riffel (Poeta)

“A ver sólo se aprende Mirando” es la nueva exhibición por Christian Riffel alias Poeta in UNION Gallery. Interviniendo el espacio con dibujos, pinturas, videos e instalaciones, el artista nos invita a repensar nuestra manera de ver.

Galería_Union_Poeta_alta_34 — Exhibición en Galería UNION

En esta muestra descubrimos los procesos internos y la trayectoria artística de Riffel. Piezas delicadas en acuarela y tinta nos revelan el génesis de una idea o mural. A través de lienzos finos de colores pasteles nos enfrentamos con una versión más sutil del muralismo abstracto geométrico del artista. Las instalaciones y escultura nos proporcionan pistas de sus meditaciones actuales así como también direcciones futuras.

Galería_Union_Poeta_alta_19 — Lejos del Ruido II / Acrílico sobre lienzo / 72 x 62cm / 2016

La exhibición se compone de más de 25 obras originales, y fue curada por Pablo Frezza, graduado en gestión y curaduría de arte quien se especializa en arte geométrico y concreto Rioplatense.

Pueden ver y descargar el catálogo completo de obras aquí.

Hacemos envíos internacionales. Para consultas: info@galeriaunion.com

Pueden leer una entrevista que hicimos con Christian Riffel aquí.

Galería_Union_Poeta_alta_12 — Transparencia III / Tinta sobre papel / 29 x 22 cm / 2016

Galería_Union_Poeta_alta_37 — Diálogo entre dos intolerantes / Acrílico sobre lienzo / 200 x 200cm / 2016

Fotografías de Catalina Romero

Jorge Pomar (Amor) llega a las calles de Polonia

Jorge pomar, también conocido como Amor, realizó recientemente una nueva y épica obra en el Festival de Arte Monumental en Gdansk, Polonia.

Titulada “Schody do słońca”, que significa “Escalera al Sol”, representa otro paso en el análisis del artista acerca de la crisis internacional y las guerras a través de la mirada de la vexilogía (el estudio de las banderas), la geometría y el estudio del color.

El diseño de las piezas está compuesta por 20 diferentes banderas que contienen como parte de su diseño el elemento del sol, que están apiladas en representación de los países unidos que recorren el sendero para llegar al símbolo del sol.

El mural fue pintado al costado de un edificio que alguna vez fue el hogar de Lech Walesa, líder del movimiento “Solidaridad”, y ganador del premio Nobel de la Paz en 1983 y el primer presidente de Polonia tras el régimen comunista (1990 – 1995).

Los países que aparecen son: Tibet, Nepal, Argentina, Moldova, Malasia, Filipinas, Kiribati, Mongolia, la bandera aborigen de Australia, Japón, Bangladesh, Uruguay, Kazakhhstan, Taiwan, Nigeria, Antigua y Barbuda, Malawi, Macedonia, Rwanda y finalmente Polonia.

No te pierdas la entrevista que Graffitimundo realizó a Amor aquí.

Imágenes cortesía del artista.

Catálogo de obras: “Alquimia” por Georgina Ciotti

“Alquimia” es la nueva exposición de Georgina Ciotti en Galería UNION. En su primer muestra individual, la artista contempla la dicotomía de la naturaleza humana y el instinto animal, en una colección de obras originales centradas en el concepto de alquimia como metáfora de una transformación del ser y la metamorfosis que sufren los materiales para la creación de una obra.

En las obras presentadas, las figuras humanas se trenzan y funden con los saí y los ocelotes, animales autóctonos de la provincia de Misiones, contrastando la naturaleza pictórica en una paleta de cobaltos y una suerte de simbolismo en láminas de pan de oro que flotan sobre el carbón de un espacio negro.

Georgina Ciotti es una artista multi disciplinaria cuyo trabajo abarca el muralismo, la escultura, el diseño, la ilustración y los efectos especiales. Actualmente abocada al muralismo, la carrera de Georgina Ciotti incluye arte y efectos especiales para cine, publicidad y teatro para directores como Peter Greenaway, Pedro Almodóvar y Spike Lee, entre otros. Ciotti participó como diseñadora conceptual en cine para DOOM de Andzei Bartkowiak, Hellboy I, Hellboy II y fue miembro del equipo ganador de un premio Oscar en Mejor Maquillaje para efectos especiales por El Laberinto del Fauno de Guillermo del Toro.

Se puede ver y descargar el catálogo de obras aquí.
Para consultas escribínos a info@galeriaunion.com

Imágenes de Catalina Romero

graffitimundo Entrevista a Poeta sobre su nueva muestra

Hablamos con Christian Riffel, alias Poeta, en la previa a su exposición “A Ver Sólo se Aprende Mirando” que inaugura en Galería UNION el viernes 29 julio. La muestra está compuesta por más de 15 trabajos que incluyen lienzos, dibujos, esculturas & instalación sonora. Con la curaduría a cargo de Pablo Frezza, licenciado en gestión y curaduría de arte quien se especializa en arte geométrico y concreto rioplatense.

El arte sobrevino solo, cuando me di cuenta que era el alquimista para superar y transitar situaciones que me tocaron vivir en mi adolescencia. El graffiti fue lo que desveló mi pasión por pintar. Empecé a pintar en la calle con amigos en el año 1999 en Villa Ballester, provincia de Buenos Aires. En esa época sobraban paredes y había muy pocas personas pintando. Enseguida conocí a varios artistas ( Roma & Debo ), con los que pinté varios años.

Creo que la personalidad de un artista se consolida por las dificultades que se vayan planteando en el proceso creativo. Este proceso fue y es como todos; adquiriendo disciplina hacia el trabajo, desarrollando confianza en uno mismo, y pasando el mayor tiempo posible con la herramienta.

Quise comenzar a componer una obra que exprese mi sentimiento, sin la utilización de una figura u objeto, y fue así que decidí dirigirme hacia la forma, el color y la geometría. Llevaba diez años pintando figuras humanas y objetos pre establecidos, cuando mi trabajo comenzó a mutar a obras amorfas. Sentí que era un lenguaje plástico acertado para comenzar a desarrollar y que a su vez me exigía una práctica intelectual. Desde ese momento mi obra evoluciona desde lo plástico hacia lo teórico.

14526723441_9b533b2abd_o — “Magnánimo”, Acrílico sobre tela, 120 x 140cm, 2014

Cada día que pasa voy puliendo más mis ideas, van cambiando de materialidad, de opacidad o aparece la luz y su hermosa sombra. Hace seis años que pinto obras geométricas y desde entonces es muy gratificante la evolución que sentí en el proceso. En la actualidad, me inspira llevar mis ideas a un proyecto completo, que utilice lo múltiple para la construcción de la obra.

Al abordar la escultura, me ayudó a profundizar mi lenguaje. Mi obra al margen de ser plana utiliza profundidades, perspectivas que simulan lo espacial, y lo constructivista. La escultura me otorgó nuevas maneras de examinar mi obra. Me inspira mantenerme inquieto, acrecentar mis conocimientos, herramientas, adentrarme a lo que no conozco para reinventarme.

Tirar de la Cuerdad, Victoria Tolomei — Escultura de la exhibición “Tirar de la Cuerda”, Fundación ICBC, Foto: Victoria Tolomei

Ser un artista que pinta en en la calle y el estudio también hace que una situación retroalimente la otra. A veces me inspiro por situaciones que suceden en la calle, que me sirven para mi trabajo de estudio o descubro algo que me sirva para un mural. Se diferencian en el soporte ya que en el estudio podés desarrollar obras más delicadas o utilizar otros lenguajes por ejemplo.

Veo un buen futuro a la escena de arte urbano de Buenos Aires, por la vocación y calidad de artistas que tiene Argentina. Ojalá el circuito de arte contemporáneo deje de prescindir de artistas urbanos, tanto en instituciones como en galerías. Este es el cambio que le estaría faltando a la escena.

En la muestra “A Ver Sólo se Aprende Mirando” aplico lenguajes nuevos que aprendí en los últimos años. Para la realización de esta colección de obras se utilizaron técnicas diversas. Me inspiré en una observación; que en la vida cotidiana pareciera que las personas ven sin mirar. Considero que vemos y conocemos como si fuese a través de una pantalla: se nos induce a mirar, se nos guía qué tenemos que ver. Entonces me interesa que el público observe estas obras desde una manera espaciosa y participe. Me gustaría que pueda sensibilizarse con la muestra y considerar su misma forma de mirar en general.

Imágenes cortesía del artista

Lanzamiento de Libro: “Habitat” por Elian Chali

Dentro del marco de la exhibición “Pioneros de un viaje a ningún lado” en el Museo Provincial de Bellas Artes Francisco Caraffa, uno de sus artistas Elian Chali lanza su primer libro “Habitat”.

13442290_1374525505896079_4882088229134548359_n — “Habitat” por Elian Chali, editado bajo TRImarchi Ediciones, con el apoyo de CYNAR Argentina

Después de años recopilando imágenes, teorías y realizando increíbles obras en ciudades del mundo entero, Elian reune en este libro contenido generado durante el período 2013 – 2015 en Argentina, Australia, Bélgica, Canadá, Estados Unidos, Francia, Inglaterra, Italia, México, Polonia, Perú, República Dominicana, Rusia y Uruguay.

El libro encara arquitectura, urbanismo, fotografía y reflexiones, con un fundacional prólogo de Martha Cooper, antropóloga y fotógrafa renombrada norteamericana, quien fue testigo del nacimiento de la cultura underground en Nueva York.

Según Chali, Hábitat surge en el intento de comprender el entorno en el que vivimos. Motivo por el cual inició la impostergable tarea de analizar la ciudad como fenómeno: su configuración, su genética, su futuro.

La presentación y lanzamiento de “Habitat” por Elian Chali es el sábado 25 junio a las 15hs, en el Foyer del Museo Provincial de Bellas Artes Francisco Caraffa.

Venimos siguiendo a este gran artista desde hace años, y estamos muy entusiasmados por esta nueva obra suya. Para leer más sobre algunos de sus proyectos se pueden ver estos artículos:
PUENTE: Un Proyecto De Arte Publico En Córdoba, Grafiti físico – La conexión entre arte y arquitectura en Argentina, y no se pierdan este hermoso video de un proyecto reciente que hizo en Milan, Italia:

Reseña de Muestra: “Pioneros de un Viaje a Ningún Lado”

“Estos artistas son una muestra de un movimiento, de un colectivo mayor, que han nutrido al arte de nuevas experiencias tanto para quienes lo producen como para quienes lo disfrutan.

El eje que toma la muestra, es el contexto, la calle, el espacio público y la descripción de distintas situaciones que cada uno rescata y expone. Cómo se sienten afectados por este espacio, cómo reflexionan desde ese lugar y qué hechos históricos aún se recrean en sus recuerdos.

Devolverle a la calle los que ella nos da, traer adentro un poco de lo de afuera, para nuevamente revalorizar nuestro espacio común de encuentro, el espacio público.”

– Del texto curatorial del Museo Provincial de Bellas Artes Francisco Caraffa

El 19 de Mayo inauguró no una sino seis muestras en el Museo Provincial de Bellas Artes Francisco Caraffa. Sin embargo, nos interesa una en particular. Curada por Kosovo Gallery, la muestra “Pioneros de un viaje a ningún lado” reúne a un grupo de artistas que se convierten en los primeros representantes del movimiento del arte urbano en pisar un museo de Bellas Artes cordobés.

La noche de la inauguración la sala estuvo repleta y la marea de gente recorrió animadamente las distintas obras que abarcaron la sala 5 del Museo. Aún así y a pesar del calor humano, hacía frío. Es que Nicolás Romero Escalada también conocido como Ever, congeló su obra. Literalmente. En la parte trasera de su retrato a gran escala al que llamó “Metáfora del Idealismo aplicado a la realidad” hay un sistema de refrigeración que mantiene la temperatura de los trozos de hielo que se ven sobre el rostro del protagonista: El 29,4% de la obra está congelada y representa al porcentaje de niños de esta provincia que vive bajo la línea de pobreza (según una encuesta de la Universidad Católica). El dato hiela la sangre. La obra también. Dicha instalación está acompañada por una proyección en loop de una suerte de cristo moderno (el actor Carlos Rogers) que camina por la ciudad bajo el peso del símbolo comunista. Vemos una y otra vez cómo este sufrido hombre arrastra su moderna cruz a los ojos de la sociedad.

K2-47 — Nico Romero alias Ever “Metáfora del Idealismo aplicado a la realidad”

K2-34 — Detalle de “Metáfora del Idealismo aplicado a la realidad”

Julián Manzelli es también conocido como Chu y desde sus comienzos en Doma (mítico colectivo en el ambiente) el abordaje de su visión artística fue lúdica. Detrás de sus creaciones de carácter afable se halla un análisis de nuestra identidad cultural. Esta vez, el artista presenta “Anomalías urbanas y el desarrollo de un círculo”. Representaciones de aquellos paisajes urbanos donde la planificación concreta se ve superada por la improvisación que se genera espontáneamente. Los “absurdos urbanos”, como los llama el artista, son piezas que se despliegan sobre la mesa rompiendo los esquemas de la monotonía, desafiando la perspectiva, apelando al error y a la genialidad al mismo tiempo.

Chu 1 — Julián Manzelli alias Chu “Anomalías urbanas y el desarrollo de un círculo”

K2-5 — Detalle de “Anomalías urbanas y el desarrollo de un círculo”

K2-28 — Detalle de “Anomalías urbanas y el desarrollo de un círculo”

Tec es un artista local que reparte su tiempo entre Brasil y Argentina. Sabe muy bien lo que pasa en la calle, nunca dejó de pintar sus paredes. Conoce su historia y son sus raíces y las de miles de cordobeses el motivo de reflexión que inspira “Cuidar la Cabeza”. Se trata de una instalación que abarca el total del muro en la que se intercalan textos y cascos de obreros. Tec propone considerar un momento clave para la historia de su Córdoba natal: El Cordobazo y la unión del movimiento obrero con los estudiantes. El dato: miembros de su familia fueron parte de esa resistencia obrera y estudiantil. Ese es el ADN que lleva Tec y que lo continúa conduciendo a las calles.

Una tercera pared aborda la historia de esta provincia y está a cargo de Franco Fasoli, también conocido como Jaz. Uno de los ejes sobre los cuales Jaz ha centrado su trabajo es la identidad y la violencia en distintas culturas. Como punto de partida para esta ocasión, Franco Fasoli toma desde la pintura el lugar donde confluyen el pasado y el presente para repensar la construcción de la identidad. El contraste de las imágenes evoca la determinación y la capacidad de enfrentar gigantes. Así es que el Barrio Alberdi da origen a “Primer territorio libre de América”, realizada con la asistencia de los lugareños.

Ya a solas con la pieza, Franco Fasoli dio los toques finales y, una vez concluída la muestra, la obra inspirada en la calle volverá a ser emplazada en su lugar de origen.

K2-44 — Franco Fasoli alias Jaz “Primer territorio libre de América”

K2-27 — Detalle de “Primer territorio libre de América”

La última instalación que forma parte de Pioneros, también le pertenece a un artista local: Elián Chali. Las obras de este artista son composiciones holísticas del y en el espacio público, el ambiente que lo rodea. “Higiene Urbana” propone la reflexión a través de los mecanismos que determinan el comportamiento colectivo y la reinterpretación que éste realiza. Invita al ciudadano a cuestionar los elementos que, en su lugar de orígen conforman los parámetros del concepto de habitar, lo que permite la reconfiguración de su rol como transeúnte, de su moral pública, reconociendo su dominio.

Ahí están, los Pioneros de un viaje a Ningún Lado. Han llegado hasta aquí y no podemos esperar a conocer cuál será su próximo destino. Aún hay tiempo para visitar esta muestra imperdible hasta el 28 julio.

Artículo por Ana Laura Montenegro

Imagenes de Daniel Luján, cortesía del Museo Provincial de Bellas Artes Francisco Caraffa.

Entrevista: Georgina Ciotti Habla sobre ‘Alquimia’, su Próxima Muestra

Hablamos con Georgina Ciotti antes de ‘Alquimia’, su muestra que se inaugura en Galería UNION viernes 10 junio. En esta exhibición, la artista contempla la dicotomía de la naturaleza humana y el instinto animal, en una colección de obras originales centradas en el concepto de alquimia como metáfora de una transformación del ser y la metamorfosis que sufren los materiales para la creación de una obra.

‘Alquimia’ es mi primera muestra individual. Nunca quise hacer una porque realmente no me interesaba la idea de exhibir mi trabajo. Ahora siento que es una buena oportunidad y UNION parece un buen lugar, ya que para mi depende mucho la energía y el vínculo con la gente con la que estoy haciendo el proyecto. Cuando elijo hacer un mural, tengo que tener buena energía con el cliente también. Es lo mismo al momento de elegir la galería y ahora sentí que éste era el momento de hacer esa transición.

Georgina_Ciotti_web_03 — La artista en su taller PH: Catalina Romero

Muchas de mis experiencias de mis momentos en Misiones, Argentina se han convertido en parte del concepto para este show. Me fui de viaje a Misiones por un mes tiempo después que mi madre falleció. Quería estar en medio de la selva, y me invitó un amigo de mi infancia que vive allí sin agua potable ni electricidad, en unas cabañas que construyó. Fue muy intenso para mi, estaba muy movilizada.

En Misiones hay dos animales particulares, el Saí y el Ocelote. El Ocelote es un felino pequeño y el Saí es un ave azul. Mi amigo con quien me quedé me pidió que creara una pieza mientras yo estuviese ahí, así que empecé a trabajar con estos animales, que son autóctonos en la región.

Obra_web_05 — Boceto para ‘Alquimia’ PH: Catalina Romero

Para mi, la alquimia engloba todo desde lo terrenal hasta lo espiritual. Como trabaja mucho con la polaridad también puede representar la dualidad de masculinidad y la femeneidad, así como lo volátil y lo corpóreo. En Alquimia hay una búsqueda, no hay respuestas. La experiencia en Misiones me transformó, pero creo que estas transformaciones suceden todo el tiempo. La Alquimia es como un fractal, está en todos lados pero no estamos conscientes de ello. El proceso creativo es alquimia, ves la materia prima del artista y luego cómo se transforman en obras de arte, es una gran metamorfosis.

Con estas obras el espectador reconstruye el significado, participando en la obra que fluctúa entre lo abstracto y lo figurativo. Investigué mucho sobre neurociencia y el comportamiento humano. Estas piezas son referencias al famoso test de Rorschach. Algunas imágenes están espejadas, provocando un desafío en la perspectiva del espectador entre lo figurativo y lo más simbólico y cultural. En una obra se puede ver la cara de un tigre, o una máscara africana, mientras que internamente son otras cosas.

Para mi, el trabajo de taller es un laboratorio para el de la calle. Lo que sucede en el estudio, en las exposiciones y en momentos de introspección como estas, es la materia prima que luego es llevado a las calles. Pero también es cierto que no todo lo que se hace adentro se puede hacer afuera. Por ejemplo, la serie erótica podría ser controversial, sin embargo a mi me encantaría hacerla.

De la serie INSTINTO para TRIFULCA I — De la serie ‘INSTINTO’ para la exposición ‘TRIFULCA I’ en Hollywood in Cambodia, 2015

Comencé a pintar en las calles porque no tenía espacio para pintar adentro. Vivía en Barcelona, en un piso compartido, así que allí comencé. Antes era más libre allí. Con el correr del tiempo mi trabajo cambió. La calle siempre te cambia.

Yo veo el mural como un oasis en el desierto. Tuve momentos donde sólo quería crear algo lindo en las calles, dejando atrás algo que la gente pueda parar y mirar, para generar un lugar donde se hallara paz por un momento.

Barracas 2015 Ph Georgina Ciotti — Mural en el barrio de Barracas, 2015 / PH: Georgina Ciotti

La escena del arte urbano en Buenos Aires está muy de moda. Cuando regresé en el 2010, luego de una década en Barcelona, el ambiente era muy abierto y ahora está absorbido por el sistema. Sería bueno si pudiésemos evitar que lo fuera. Para mi el arte callejero está muerto en ese sentido, pero por otro lado hay cosas buenas sucediendo porque hay mucha gente pintando y se puede pintar en la calle, cosa que no pasa en muchos países. Pero los espacios se están regulando cada vez más.

La gente tiene una filosofía sobre su trabajo, pero al mismo tiempo estás forzado a negociar con la realidad y eso puede ser una contradicción. Por ejemplo, con respecto a los festivales de street art, en ellos hay mucho espacio para pintar, pero está controlado. Los festivales son una promoción genial, te convierten en estrella, pero es un compromiso que tenés que hacer. Lo hice antes, es genial estar rodeado de amigos y colegas, y aprendés mucho de todos los demás, pero nunca me pondría en una situación donde mi trabajo está censurado. Siempre hice lo que quise.

MUROPOLIS MENDOZA, Centro Cultural Le Parc, 2014 / PH: Georgina Ciotti

Las calles son un buen lugar para ejercitar los derechos políticos. Esto me hace pensar en lo que ves en Estados Unidos, donde le dan a la gente un lugar específico para que protesten, así que en definitiva necesitás su permiso para expresarte. Yo pienso que un lugar en donde ves las paredes pintadas es un lugar donde la gente está involucrada socialmente.

Arte es una representación del paradigma de los tiempos, y creo que en este momento el arte se está convirtiendo en algo más holístico que refleja lo que está sucediendo en el mundo.

Barracas Ph Fede Yantorno — Mural en el barrio de Barracas, 2015 / PH: Fede Yantorno

Catálogo de Obras: ‘ASIMETRICOS’ por Nasa y Cabaio

Nasa y Cabaio colaboraron recientemente en un mural en Colegiales, como parte de su exposición ‘ASIMETRICOS’ en Galería UNION.

Aunque cada artista tiene su propio estilo, lograron encontrar puntos en común en sus respectivas obras y utilizar esto como un punto de partida del cual se generó el resto de la exposición.

El mural es la última pieza del rompecabezas, ya que los artistas aplican en las calles, lo aprendido en el proceso y en el desafío de trabajar juntos en el taller.

12994499_10209007321564273_2021843960063077585_n — Mural en Virrey Áviles y Conde, en Colegiales

En ‘ASIMETRICOS’, los dos artistas urbanos se juntan para celebrar el espíritu de los encuentros dinámicos que tanto caracterizan la escena de arte urbano. En la galería la fusión de sus obras individuales y colaborativas resulta en una exposición única y inimitable, que cultiva por su proceso un diálogo interdisciplinario.

Se puede ver y descargar el catálogo completo de obras aquí.
Para coordinar una visita a la muestra escribínos a info@galeriaunion.com.

Obra_15 — Obra por Cabaio, Técnica mixta sobre lienzo, 50 x 50cm

Obra_08 — Obra por Nasa, Acrílico sobre lienzo, 71cm diámetro

Union_sala_01 — ‘ASIMETRICOS’ exposición en Galería UNION

Entrevista con Jorge Pomar “Amor”

El graffiti me introdujo al mundo del arte. Un día compramos tres aerosoles con un amigo y nos fuimos a pintar unas bombas. Azul, cromo y negro. Recuerdo ese día con mucha alegría, pura magia. Algo cambió dentro mío.

Pintar en la calle se convirtió en una acción de mucho placer y libertad. Cuando era chico andaba mucho en skate y siempre me encontraba en la calle con amigos. Empecé a vivir la ciudad con mucha curiosidad, tomándola como un lugar de experimentación y exploración.

"Crucigram", Black Circle Festival, Bushtyne, Ukraine, 2015 — “Crucigram”, Black Circle Festival / Ukraine, 2015

Pintar era lo único que me generaba algo intenso. Cuando terminé el colegio no tenía idea de lo que quería hacer. Trabajé en distintos lugares y estudié cuatro carreras en la universidad, sin finalizar alguna. Gracias al graffiti tuve la posibilidad de abrir muchas puertas. Poco a poco fui tejiendo amistades, conociendo ciudades y países nuevos.

Encuentro en la calle una riqueza infinita para inspirarme, especialmente en Buenos Aires. Presto atención a diferentes cosas: las medianeras grises de los edificios, sus grietas, las obras en construcción, los mensajes escritos en los baños, los tags en las persianas, los nombres tallados en un árbol, el diseño de las rejas de hierro, las cosas que se enganchan a los árboles, los toldos de colores, las banderas que cuelgan de los balcones, los stickers de los autos, los colores de los fletes, las líneas de trenes y colectivos, las paredes de las vías, la parte de atrás de los puestos de diarios, la basura desparramada, el sonido de la hora pico, un espacio oculto, subir a un techo, bajar a un túnel, entrar en una casa abandonada, tomar café en un bar del microcentro, etc. Tomo a la ciudad como un espacio para jugar, tomar referencias y experimentar situaciones.

“Círculo vicioso” / Association Le M.U.R / Paris, 2014.

Actualmente trabajo sobre conceptos globales, como por ejemplo el negocio de la guerra. La manera que encontré para hablar sobre esta temática tan oscura es a través de la banalización, utilizando el color como herramienta principal. Mi interés surgió durante la primer semana del Mundial de Brasil. El conflicto en la franja de Gaza se reactivó fuertemente y me pareció totalmente absurdo ver cómo el planeta se encontraba hipnotizado por una pelota.

El año pasado puse mi foco en la vexilología (estudio de las banderas), la identidad y el estudio del color, manteniendo la temática del conflicto. Así nació “$1.800.000.000.000” (un billón ochocientos mil millones de dólares). Esta exposición toma como idea principal la inversión económica que se realiza anualmente en la industria armamentista. Por otro lado, en los últimos cuatro años viajé a distintos países, algunos de ellos metidos en un serio conflicto. En estos lugares fui filmando situaciones de la vida urbana, la cultura local y procesos de murales. Así nació una película-documental llamada “Trece cifras”.

“Los colores son para las personas, no para las banderas”, Respublica Festival / Ucrania, 2015

En Buenos Aires tuve la oportunidad de participar en “Pintó La Isla”, un hermoso proyecto en Isla Maciel, zona sur de Buenos Aires. Uno de los murales se titula “Historia e identidad de Dock Sud”. Esta es un área muy cercana al puerto de Buenos Aires donde llegaba gran parte de la inmigración a América del Sur a fines del siglo XIX. Lo más interesante de participar en este proyecto es que mucha gente se acercó a ayudar. De esta manera la acción y la obra no se condicionan a tener un marco puramente individual y pasa a pertenecer a varias personas, cultivando un contexto en el que se la cuide más y se generen más proyectos de este tipo.

“Historia e Identidad del Dock Sud”, Buenos Aires, Argentina, 2015

Pienso que pintar en la calle es un imán de situaciones. Uno se planta en un lugar por una determinada cantidad de tiempo y alrededor confluyen millones de personas, elementos e influencias. El intercambio es una consecuencia asegurada en este proceso. En los últimos años tomé conciencia de que lo más rico es vivir la experiencia, aprender y compartir, sea cual sea el contexto, el lugar, el momento, y hasta incluso el resultado visual de la obra.

Collage on Fabriano paper 200 g 35 x 50 cm 2016 — Colage sobre papel, 35 x 50 cm, 2016

Programación de Talleres en UNIÓN

graffitimundo y UNION dan la bienvenida al otoño con una programación de talleres dictados por celebrados artistas urbanos de la escena local.

Los talleres están dirigidos tanto a principiantes como a entendidos y ofrecen la oportunidad de experimentar con técnicas nuevas, bajo la dirección de artistas de renombre.

Para inscribirse en cualquiera de los siguientes talleres, les pedimos que nos escriban a info@graffitimundo.com. Talleres de cupos limitados!

TALLER DE STENCIL por CABAIO

Descripción del Taller

El taller comienza con una presentación teórica donde se revisará la historia del stencil, viendo diferentes ejemplos de la técnica y su uso a lo largo de la historia. El artista guía a los participantes desde la selección de imágenes hasta su adaptación a la plantilla usando tanto medios caseros como programas, por ejemplo Photoshop. Después de elegir las imágenes, cada alumno aprende también el proceso de recortar el stencil, y de esta forma experimenta los diferentes desafíos que representa diseñar y realizar una trama.

Sobre el Artista
Cabaio comenzó a pintar en las calles como parte del colectivo artístico Vomito Attack, un grupo incentivado por la militancia política. A partir del 2005 comienza un proyecto sólo, desarrollando un estilo elaborado que refleja una manera de expresar más personal e intuitiva: composiciones coloridas, repetición de figuras geométricas, utilización de elementos figurativos y la inclusión de caligrafía.

Requisitos
No es necesario tener formación previa

Fecha: Sábado 23 Abril
Horario: 14 – 18hs
Costo: 450ARS por persona, incluye materiales

GEOME+RICA: TALLER DE GEOMETRIA EXPERIMENTAL por NASA

Descripción del Taller
El taller propone abordar una mirada descontracturada sobre la geometría, la construcción de módulos, patrones, sus usos y aplicaciones en el arte contemporáneo.
El encuentro incluye una charla teórica donde se repasan conceptos generales, analizando imágenes y viendo diferentes ejemplos de la geometría a través de diferentes épocas y en diversas culturas. Luego llega el momento donde cada alumno realiza diferentes módulos y patrones en papel aplicando técnicas de dibujo, pintura y stencil. El taller culmina en la experimentación y debate con el material creado.

Sobre el Artista
La obra de Hernan Lombardo alias NASA tiene raíces en el diseño gráfico, la arquitectura y el arte moderno y está atravesada por la filosofía del “hazlo tu mismo”.
Nasa pertenece a la generación de artistas que comenzaron a intervenir la ciudad en el año 2000, cambiando la percepción del espacio urbano.

Para ver más: Video (Código: peliculas)

Requisitos
No es necesario tener formación previa

Fecha: Sábado 7 Mayo
Horario: 14 – 18hs
Costo: 500ARS por persona, incluye materiales

TALLER DE COMPOSICIÓN CON COLLAGE por DEFI

Descripción del Taller
La clase comienza con una introducción sobre el collage y sus usos como herramienta creativa en la elaboración de una obra. Los participantes experimentan libremente con el collage sobre papel indagando en diferentes texturas, formas y colores. Se proponen ejercicios prácticos que ayudan a desarrollar distintas formas de ver las cosas, y se explora el concepto del equilibrio de composición en la abstracción. El taller finaliza con una instancia práctica de llevar los collages de cada uno a un soporte – usando la técnica de sublimación para transferir el diseño único de cada uno a una taza.

Sobre el Artista
Defi Gagliardo fue miembro fundador de FASE, colectivo multidisciplinario de arte, diseño y música. Junto con otros colectivos fueron las fuerzas creativas que instauraron una forma de arte urbano basada en el diseño gráfico, caracterizada por colores brillantes, personajes caricaturescos y mucha positividad. Las composiciones de Defi varían entre lo abstracto y lo figurativo y se caracterizan por grandes explosiones de gestualidad, color y textura.

Requisitos
No es necesario tener formación previa.

Fecha: Sábado 14 Mayo
Horario: 14 – 18hs
Costo: 500ARS por persona por persona, no incluye materiales

Gracias a Montana Colors por acompañarnos!

Entrevista con Nasa & Cabaio sobre “ASIMETRICOS”

Hablamos con los artistas NASA y Cabaio antes de la inauguración de su nueva exposición, sobre la calle y el estudio y impresiones sobre el desafío de encarar una muestra colaborativa a puertas adentro en Galería UNION.

COMIENZOS

NASA: Comencé a intervenir espacios públicos con la idea de revitalizar sectores de la ciudad que estaban en desuso.

La idea de aportar a la ciudad de forma anónima me pareció muy interesante. En el espacio público encontré un nuevo soporte en donde poder expresar ideas con una escala mayor, lo cual fue revelador en muchos aspectos. Descubrí la interacción directa con el lugar y con los habitantes de la ciudad.

Cabaio: Mis inicios interviniendo el espacio publico fueron con Vomito Attack. Tengo muy lindos recuerdos de esa época – siempre de noche, un aerosol, algunas plantillas y a pintar. Yo estaba en la facultad y no tenía ningún proyecto artístico en mente. Mi interés “artístico” surgió luego de pintar un tiempo en la calle.

INFLUENCIAS

Cabaio: Muchos artistas me han inspirado.

Sin duda Blec y Banksy fueron fundamentales, fueron los que sacaron a la luz para mi la herramienta del stencil. También Greco, Twombly, Vasarely, Basquiat, Yepiz, y arquitectos como Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa (SANAA), Le Corbusier, MVRDV, y Koolhaas entre otros.

NASA: Soy un gran admirador del arte moderno y las vanguardias.

Si pudiese situarme en algún momento de la historia lo haría como alumno en la Bauhaus, todo lo que de ahí salió me parece increíble. El artista argentino que me despertó un gran interés fue Perez Celis. Siento que me pudo haber introducido en la abstracción, que por alguna razón que desconozco es el tipo de arte que mas disfruto.

Artistas que me inspiran de ayer y hoy, de acá y de allá sin ningún tipo de orden podrían ser Miró, Kandinsky, Mondrean, Sol Lewitt, Le Park, Ferrari, Siquier, Stella, Celis, Pollok, Testa, Tapies, Minujin, Picasso, Warhol, Basquiat, Haring, etc

LA CALLE Y EL ESTUDIO

NASA: Hoy mi trabajo se centra en estudio.

Es ahí donde encuentro el eje, es por donde pasa mi investigación y producción. Pienso llevar mi trabajo al espacio público nuevamente aplicando todo el trabajo realizado en estudio estos últimos años en mi producción de estudio.

Cabaio: Para mí hay una relación inevitable entre la calle y el trabajo en estudio.

Por lo general el trabajo empieza en el estudio y sigue en la calle, después no sabés dónde puede terminar.

Creo que este proceso que se da puertas adentro va enriqueciendo la escena de arte urbano local. Veo mucho enriquecimiento en el uso de diferentes técnicas y maneras de intervención del territorio publico.

NASA: Creo que todas las escenas se renuevan, todo el tiempo surgen nuevos exponentes que van nutriendo y expandiendo los movimientos.

Creo en la mutación y la evolución! Pienso que el futuro de la escena de arte urbano depende de los actores y sus inquietudes, mientras estemos en movimiento la llama no se apagara!

ASIMETRICOS

Cabaio: Para esta muestra partimos de la base de reconocernos y aceptarnos a nosotros como asimétricos.

Tenemos puntos en común, pero trabajados y vistos desde diferentes perspectivas. Lo interesante es tratar de reconocer cuáles son esas asimetrías y a partir de eso trabajarlas en conjunto.

Este concepto además abrió un espacio para también experimentar una asimetría en mi propio trabajo. Dio lugar a diferentes procesos que venía trabajando de manera personal.

NASA: Es muy enriquecedor intercambiar ideas, procesos, divagar en conjunto es muy bueno para el espíritu.

Si bien en el arte urbano es común trabajar en equipo, este caso es diferente por que estamos encarando una expo en una galería, así que el contexto es diferente. Es un desafío importante el que tenemos por delante, pero me entusiasma la idea de crear piezas únicas e irrepetibles, cruzando el trabajo de ambos. Va a ser algo único!

Con Cabaio encontré puntos de conexión que están muy por debajo de la obra.

Tienen que ver con la estructura, la repetición, el uso de tramas, los llenos y los vacíos. Aspectos que no son fáciles de encontrar en la obra a simple vista.

Taller de Stencil

La semana pasada realizamos un taller de stencil con el artista Malatesta en Galería UNION.

Malatesta comenzó con una presentación teórica donde habló de la historia del stencil y mostró diferentes ejemplos de la técnica y su uso a lo largo de la historia. El artista después continuó con la parte práctica, guiando a los alumnos desde la selección de imágenes hasta su adaptación al stencil usando tanto medios caseros como programas como Photoshop. Luego de elegir las imágenes, cada alumno aprendió también el proceso de recortar el stencil, y de esta forma experimentaron los diferentes desafíos que representa diseñar y realizar un stencil.

Se terminó la jornada con una pintada libre donde el grupo utilizó sus propios stencils recién cortados, probando los diferentes efectos que se pueden generar variando en los colores de aerosol, superposiciones y repeticiones de imágenes.

El stencil continúa siendo una de las técnicas más efectivas para lograr una imagen impactante. Sus efectos y resultados dependerán del talento y experiencia del artista, pero es una técnica y herramienta muy interesante también para aquel que recién está comenzando.

Galería UNION realiza muestras bimensuales de arte urbano y también tiene una programación regular de talleres guiados por artistas locales de la escena de arte urbano. Para recibir información de próximos talleres de stencil escribir a info@graffitimundo.com. No se necesita experiencia previa para realizar este taller.

Agradecemos a Montana Colors por acompañarnos!

Entrevista con Nasa & Cabaio sobre “ASIMETRICOS”

COMIENZOS

NASA: Comencé a intervenir espacios públicos con la idea de revitalizar sectores de la ciudad que estaban en desuso.

INFLUENCIAS

Cabaio: Muchos artistas me han inspirado.

NASA: Soy un gran admirador del arte moderno y las vanguardias.

LA CALLE Y EL ESTUDIO

NASA: Hoy mi trabajo se centra en estudio.

Cabaio: Para mí hay una relación inevitable entre la calle y el trabajo en estudio.

Por lo general el trabajo empieza en el estudio y sigue en la calle, después no sabés dónde puede terminar.

NASA: Creo que todas las escenas se renuevan, todo el tiempo surgen nuevos exponentes que van nutriendo y expandiendo los movimientos.

Creo en la mutación y la evolución! Pienso que el futuro de la escena de arte urbano depende de los actores y sus inquietudes, mientras estemos en movimiento la llama no se apagara!

ASIMETRICOS

Cabaio: Para esta muestra partimos de la base de reconocernos y aceptarnos a nosotros como asimétricos.

Tenemos puntos en común, pero trabajados y vistos desde diferentes perspectivas. Lo interesante es tratar de reconocer cuáles son esas asimetrías y a partir de eso trabajarlas en conjunto.

Este concepto además abrió un espacio para también experimentar una asimetría en mi propio trabajo. Dio lugar a diferentes procesos que venía trabajando de manera personal.

NASA: Es muy enriquecedor intercambiar ideas, procesos, divagar en conjunto es muy bueno para el espíritu.

Con Cabaio encontré puntos de conexión que están muy por debajo de la obra.

Tienen que ver con la estructura, la repetición, el uso de tramas, los llenos y los vacíos. Aspectos que no son fáciles de encontrar en la obra a simple vista.

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Cabaio[/caption]

Amor

Jorge Pomar, también conocido como “Amor”, es un artista que cita la diversidad, el caos y la vitalidad del espacio público como su influencia más importante. Desde chico consideró las calles como lugar de juego, experimentación y exploración, tanto como skater y como graffitero. Aunque en este momento su obra se ha alejado de alguna forma del graffiti de letras, el “tag” sigue estando presente en su obra como un elemento fundamental y acción primaria.

Esteticamente Amor evade definirse a sí mismo, y mantiene su enfoque en diferentes áreas y estilos, direccionándolo a un amplio rango de evoluciones creativas. Por otro lado, su obra se caracteriza por el uso de colores primarios intensos evocando una inocencia y actuando de contrapunto en relación al fuerte contenido de sus obras, como la guerra y el capitalismo.

A través de la obra de Amor, uno puede tener un destello de su mundo personal, donde los símbolos representan una visión única y a su vez una universalidad, que coexisten así en su arte. Además de la elaboración de murales en la vía pública, Amor también ha incursionado en la cerámica, y en el año 2015 filmó un documental de sus viajes por Europa y América Latina. Sus murales se pueden encontrar en lugares tan diversos como Argentina, Ucrania, Francia y Colombia.

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Elian

Elian Chali nació y se crió en Córdoba, donde actualmente reside. Su relación con la calle empezó de adolescente con “tagging” y mientras su formación fue en diseño gráfico, como artista es autodidacta. La obra de Elian se enfoca en crear un diálogo con la estructura urbana, dejando que las características de cada pared participen en el mural. Se identifica con urbanismo y arquitectura más que con muralismo y graffiti.

Estilísticamente hablando, su obra es notable por adherir a una forma disciplinada de minimalismo y abstracción, influenciado por artistas Norteamericanos como Sol LeWitt. Utilizando un juego paramétrico de colores primarios, el artista emplea capas, superposiciones y opacidades para crear composiciones geométricas que a veces reflejan, involucran, o interrumpen los planos del ambiente construido que actúa de su lienzo. Elian recurre más que nada a pintura látex, y mientras favorece la calle por sobre el trabajo en estudio, su obra se traduce sin esfuerzo de la pared al lienzo.

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Ice

Ice se formó en bellas artes y diseño gráfico, sin embargo, sus murales se inspiraron inicialmente más por el graffiti estilo hip hop. En los años 1990 cuando las calles de Buenos Aires vieron la llegada del graffiti de letras, Ice desarrolló una afinación por pintura aerosol pero se mantuvo siempre al margen de los grupos y “crews” que se formaron como parte de la escena.

Inspirado por la gran variedad de posibilidades que ofrece el muralismo, la obra de Ice abarca un rango de sujetos más bien figurativos. Con una técnica sin par, emplea pintura latex junto con el aerosol para crear retratos de personas así como también de paisajes, bichos y animales, además de sus hongos tan conocidos que han sido como un ícono del artista.

Ice ha pintado murales y guiado talleres de graffiti en Argentina así como también Chile, Paraguay, Uruguay, Brasil y Peru. También ha participado en eventos como Ciudad Emergente, Arte Patricios, Meeting of Styles Festival y Latido Americano.

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Nazza Stencil

Nazza Stencil (alias Nazza Plantilla) comenzó a pintar en las calles en 1994. Su introducción al esténcil fue a partir de la escuela técnica, en donde se le presento como una técnica eficiente y económica que facilita la reproducción de tipografía e imágenes.

Nazza se encuentra en una encrucijada entre la práctica artística y el activismo político y esto conduce a una realización estética de sus ideales políticos. Sus composiciones tienen el foco en cuestiones tales como los Desaparecidos durante la última dictadura militar argentina, Abuelas y Madres de Plaza de Mayo (fundación formada por las madres y abuelas de los desaparecidos) y la silenciosa destrucción de la cultura y población de los pueblos originarios de Argentina. Cada una de sus intervenciones trata un tema específico, tema que es desarrollado a nivel artístico para luego ser insertado dentro de la esfera de lo público.

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Obras disponibles en Galería UNION

Prensa La Libertad

Prensa La Libertad fue creada por Federico Cimatti en el año 2008. Tras estudiar diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires, la carrera de Federico tomó un giro inesperado al toparse con el método tradicional de impresión con tipos móviles. De sus experimentaciones en la composición gráfica con esta técnica, nació Prensa La Libertad. Un artista por demás talentoso en un medio casi extinto, Prensa se sirve de antiguas máquinas de impresión para crear obras que celebran y reinventan la estética tan propia de este tipo de impresión.

Los comienzos de Federico Cimatti como artista urbano se remontan a salidas por su barrio, donde pegaba afiches que hacía a mano. La rápida evolución de su estilo se resume en ingeniosas combinaciones de texto e imágenes icónicas. Un artista fascinado por los quehaceres cotidianos en medio del bullicio de las grandes ciudades, el arte de Prensa La Libertad se inspira por la belleza simple de los acontecimientos del día a día.

Un artista dotado del ojo de un diseñador y la mano de un artesano, Prensa La Libertad crea obras visualmente impactantes con mensajes memorables.

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Obras disponibles en Galería UNION

Mart Lanza “Into The Air”, Nuevo Libro de Colorear Para Adultos

Mart, uno de los artistas porteños más queridos, lanzó recientemente “Into The Air Colouring Book”, un libro para colorear para adultos. La obra de Mart tiene un estilo lúdico, que se traduce fácilmente de las calles y la galería al medio impreso. Las 100 páginas del libro permiten pintar junto al artista, ya que contiene dibujos en color junto a dibujos en blanco y negro para colorear. El lector está invitado a completar el libro inspirándose en la paleta distintiva de colores de Mart, o también improvisando con su propia paleta. Los protagonistas patilargos de los murales de Mart figuran en el libro juntos con detalles como bicicletas y plantas, todos ejecutados con el estilo típico del artista que se caracteriza por sus líneas finas y libres.

La popularidad de los libros para colorear para adultos se ha incrementado mucho en los últimos años y se los elogia como una herramienta meditativa para las personas cuyas vidas demandantes no les permite tiempo para ser creativas. Hay un gran rango de libros de colorear que se han publicado internacionalmente de la mano de una variedad de artistas, ilustradores, diseñadores gráficos y hasta artistas de tattoo. Los libros son a veces intrincados, estampados o pixelados, como se puede ver aquí en esta colección de Buzzfeed. Artistas como Buff Monster, Cyrcle y Shepherd Fairey han contribuido al libro de colorear que se llama “Outside the Lines” y Mart se suma al rango con “Into The Air”.

“Into The Air” se lanzó en Diciembre y está disponible en la mayoría de las librerías, incluyendo Yenny/El Ateneo y Cuspide.

Catálogo de Obras: ‘Galaxia’ por Pum Pum

Galería UNION está mostrando actualmente la exhibición “Galaxia”, la nueva exhibición de Pum Pum. Pum Pum se hizo presente en las calles porteñas a principios del año 2004, desplegando sus stickers y murales que condensan gatos, pajaritos, y niñas punk con tatuajes. Sus obras se han presentado en galerías nacionales así como en Berlín, Londres y Washington, DC; y sus murales se han llevado hasta a paredes en Paris y Túnez.

En esta colección la artista expande en su nueva incursión en una obra más trimensional, usando maderas recortadas con láser para crear obras multicapas asi diseccionando y reassemblando su reparto de ahora muy conocidos personajes. Se trata de una obra singular, ya que también el artista indaga en el uso de aerosol como medio principal por primera vez en su carrera.

Esta muestra celebra las formas y el caos ordenado que se presentan naturalmente en el Universo personal de la propia artista. El show cuenta con obras en una variedad de formatos que van desde una edición limitada de serigrafías, collage en madera y acrílico recortado y un mural.

Pum Pum: Me gusta probar diferentes lenguajes y técnicas.
Este año estuve probando desarrollar diferentes capas para generar profundidad, en algunos casos minimizando el uso del color y priorizando el material. No deja de ser una instancia de prueba y error, como todo experimento. Y eso es lo que más me tienta a la hora de desarrollar una exposición en base a esa premisa.

Me gustaría seguir abriendo un camino que vaya hacia lo volumétrico, hasta el espacio en tres dimensiones con referencias a las dos dimensiones. Indagar en dividir formas que siempre uso, en partes desestructuradas.

Fragmento de la entrevista con Pum Pum, leer el artículo entero aquí.

Se puede mirar y bajar el catálogo de obras aquí.

Para consultas o más información contactarnos por mail a: info@galeriaunion.com o por teléfono: +54 11 4775 2935

DOMA Lanza su Libro DOMA_17

En anticipación del lanzamiento de su libro DOMA_17 graffitimundo habla con el colectivo artístico DOMA sobre los 17 años de su trayectoria como grupo, la experiencia de producir un libro, y la importancia del trabajo en colaboración.

“Diecisiete es un número que esconde el cambio de ciclo y la mayoría de edad. Cuando Doma comenzó su actividad como colectivo artístico, en 1998, los tiempos en Buenos Aires eran otros, así como sus integrantes y sus normas. Con el tiempo, Doma se convirtió en una entidad que cobró vida propia, se desarrolló, se reprodujo y marcó sus nuevas reglas y caminos más allá de sus integrantes. Cual soldados, éstos vienen alimentando esa bestia creadora por más de una década y media, empujando esa visión ácida y absurda de la realidad.”

graffitimundo: Cómo nació la idea de un libro? Concibieron este proyecto más como una retrospectiva o quizás también como una obra en sí misma?

DOMA: La idea de editar un libro retrospectivo surgió cuando Doma cumplía 10 años. Diferentes complicaciones o prioridades fueron postergando el proyecto hasta ahora. Esta situación llevó a que el resultado va terminar siendo mucho más fuerte con la inclusión de todos los últimos grandes proyectos. Lo gestamos como una publicación más documental y de registro de obra que perdure en el tiempo. Más allá de eso, siguiendo líneas clásicas, el libro tiene muchas sutilezas de diseño, es un lindo objeto y una pieza editorial de colección.

gm: De qué forma seleccionaron el material? Qué criterio utilizaron?

DOMA: Fue un trabajo largo y muy difícil. Muchas cosas quedaron afuera. En el proceso de edición participaron muchos colaboradores como Emmanuel Prado, Fernando Benito, María Pia Vivo, Florencia Reina, y además tuvimos un editor Sigismond de Vajay de la Editorial KBB con quien editamos el libro. A todo esto estuvo también presente nuestra visión y mano. Todo esto terminó dando de resultado un libro muy ajustado y con una extensa cantidad de textos. Los proyectos se presentan cronológicamente desde el año 1998.

gm: Para un colectivo que mantiene tan vivo el espíritu DIY, cómo fue la experiencia de trabajar con un editor?

DOMA: Doma no se especializa en hacer libros, mientras que un editor tiene en su haber decenas. Esta experiencia nutrió mucho al proyecto y también a nosotros mismos aprendiendo más del tema. Trabajamos con total libertad y nada se realizó en contra de nuestra voluntad, al contrario, los aportes del editor y demás colaboradores no más que sumaron, nutrieron; y ellos mismos fueron parte de Doma.

gm: Aparte de la pre-venta en campaña de Idea.me, el día de su lanzamiento, dónde más podrá encontrarse el libro?

DOMA: Luego del lanzamiento, seguiremos unos días más con la campaña de Idea.me donde el libro se puede adquirir al mejor precio existente con un súper descuento. Luego estará disponible en diversas librerías.

gm: En estos 17 años de actividad del colectivo, se sucedieron diversos cambios socio políticos que influyeron notablemente en su desarrollo. De qué forma sienten que fue madurando la creación artística del colectivo? Hay algo que nunca volverían a hacer, por ejemplo?

DOMA: La verdad no nos arrepentimos de nada a pesar de los desaciertos. Fue un devenir constante y fuimos improvisando con más buenos resultados que malos. Muchas cosas quedan y muchas no, pero por suerte lo que queda es mucho e inclusive dejando afuera cosas interesantes pudimos hacer un libro de más de 200 paginas.

DOMA_17 retrata muy bien la evolución del grupo y sus distintas etapas. Se ve claramente la reacción al momento histórico a nivel social y político y la incursión en las nuevas tecnologías. La edición es cronológica sin serlo y los últimos proyectos cierran el libro mostrando muy bien donde estamos parados hoy día.

gm: Qué cosas notan que cambiaron del contexto artístico durante su trayectoria?

DOMA: Realmente sentimos que a nuestras generaciones les tocó vivir un momento histórico más que interesante y de muchas transformaciones por un cambio de paradigma a todo nivel. Todo esto fue justamente la materia prima de nuestro trabajo y lo sigue siendo.

En relación al contexto artístico, se ve muy fuerte comparado a los años del 2000 un giro del trabajo colectivo y colaborativo hacia más el individualismo y los desarrollos personales. La crisis unió a la gente que luego cuando todo comenzó a ir mejor, cada cual siguió por su propio camino. Se siente una crisis ahora mismo en el 2015 y tal vez eso nos lleve nuevamente a juntarnos más.

Por otro lado, salvando algunos círculos, también vemos hoy día, una estructura y escena de arte mucho más grande, abierta y sin miedo a lo nuevo. Algo que no era así cuando comenzamos.

gm: El colectivo parece funcionar trazados por los ejes de colaboración, el cruce de disciplinas y la autogestión. Creen que esto pueda llegar a cambiar en algún momento futuro?

DOMA: No lo creo. Somos así de naturaleza y son valores troncales que todos respetamos seriamente. Sobretodo teniendo hoy día una carrera individual cada uno de los miembros, cuando trabajamos para Doma es una acción terapéutica donde los egos quedan en un locker de la entrada. Con respecto a la autogestión, es ya la forma de hacer que tenemos y no quita que también hagamos proyectos a partir de invitaciones. Son situaciones distintas y se viven de distintas maneras. Es como hacer uno mismo una fiesta; o ir a la fiesta de otro. Las dos opciones están buenas, sólo que son distintas.

gm: Instalaciones a menor y mayor escala, animaciones, toys, intervenciones en el espacio público, galerías de arte y museos. Les queda algún espacio o medio por explorar? Tienen algún proyecto “soñado“ por concretar?

DOMA: Ideas sobran, recursos humanos también, a veces la parte económica retrasa los grandes proyectos pero ir al espacio exterior estaría buenísimo.

gm: Cómo ven los próximos 17 años de DOMA?

DOMA: Hay ideas sueltas, pero sinceramente es la pregunta que nos estamos haciendo ahora. De alguna manera hacer un libro retrospectivo después de 17 años te lleva a profundizar y analizar el camino recorrido. Parar la pelota y ver como seguir. Creo que todavía estamos en esa instancia, procesando toda esta información para comenzar a plantear los planes futuros.

DOMA_17 se presenta en un evento en la Biblioteca Nacional Mariano Moreno el viernes 20 noviembre 2015. Para más información sobre el evento visitar este link.

Un Toque de La Patagonia en La Paternal

Francisco Díaz, aka Pastel, realizó un trabajo por encargo en el barrio de La Paternal. El nuevo mural adorna la fachada de lo que antes era un garaje, en proceso de convertirse en un estudio de fotografía. La obra está orientada hacia las vías del tren de la línea San Martín, entre las estaciones La Paternal y Villa Del Parque.

El mural se compone de las flores características en la obra del artista y aquí se ve el desarrollo continuado de su paleta de colores, empleando pigmentos cada vez más vibrantes e intensos que recuerdan a sus más recientes trabajos en Portugal y Francia. Esta obra presenta un huemul ubicado en medio de las hojas, un venado autóctono de la Patagonia y la inspiración para el nombre del estudio. El mural se enmarca con un borde blanco, el cual contiene y equilibra la composición floral.

La obra se encuentra ubicada en alto contraste con la naturaleza desalentadora de sus alrededores: al otro lado de las vías, se encuentra un depósito de vino abandonado y las calles vacías que bordean el estudio son características del barrio – propiedades residenciales bajas entremezcladas con talleres mecánicos y edificios industriales. “Huemul“, de Pastel ofrece un alivio visual en una zona estéticamente gris. Se completaron dos costados del edificio, teniendo en cuenta completar el restante en un futuro cercano.

Sorcha O’Higgins

graffitimundo entrevista a Pum Pum por su nueva exposición “Galaxia” en Galería UNION

graffitimundo: Qué o quién te introdujo al mundo del arte?

PumPum: Siempre me interesó el arte, desde chica me acostumbré a acompañar a mis padres a exposiciones, ver libros de arte en casa y principalmente verlo trabajar a mi papá que es pintor y escultor. Todo hacía que naturalmente le prestara atención. Ya de grande estudiando diseño gráfico necesitaba constantemente el contacto con la pintura y la ilustración para mantener la mano activa entre tanto trabajo en la compu . De a poco esos momentos de contacto con el pincel y la pintura fueron creciendo y tomando forma a lo largo del tiempo, hasta tomar un camino más profesional.

gm: Cómo nacieron tus personajes y cuál fue tu inspiración? Qué representan para vos?

PP: Siempre me gustó dibujar y así empecé a desarrollar un pequeño universo de animales y una niña (que podría ser una representación de mí misma), me resultaba divertido. En base a eso empecé a experimentar soportes, diferentes lenguajes y técnicas. Lo sostengo en el tiempo porque me sigue conectando con un lado lúdico, casi infantil al momento de pintar.

gm: Cómo fue tu año y cuáles proyectos te gustaría mencionar que más te gustaron? Porqué?

PP: No soy de planear mucho el año, así que éste no fue la excepción, se fue armando a medida que fue avanzando. Y disfruto mucho eso, me gustan las sorpresas y me gusta cuando algunos sueños van tomando forma en realidades.

Surgieron proyectos, viajes, expos que me encantaron, que disfruté mucho y que hicieron que vaya probando cosas nuevas. Conociendo gente y lugares, y generando nuevas experiencias.

Le presto mucha atención a los detalles y trato de capitalizar mucho las relaciones humanas que se generan a raíz de esta disciplina.

Patagonia, Argentina / Photo: Dan via Pum Pum

gm: Quiénes son los artistas que más hayan afectado tu obra?

PP: No soy de tener “ídolos” pero sí de admirar a gente cercana, a artistas amigos, a gente que me crucé gracias a viajes, expos ó de la vida en general. Me encanta tener la suerte de que muchos amigos artistas sean realmente mis favoritos. Y eso me pasa mucho. Eso es inspirador y genera constantemente aprendizaje.

gm: Cómo fue el proceso de aprendizaje para empezar a pintar en la calle?

PP: Literalmente fue un juego. Salí para acompañar amigos que pintaban en ese momento, y probé cambiar de escala y de soporte, sin saber demasiado, y sólo pensando en divertirme.

Siempre me gustó observar la forma de trabajar de diferentes artistas, esa es la mejor escuela!

Pum Pum with Nerf and Joao Lelo (Brazil) / Photo: Pum Pum — Pum Pum with Nerf and Joao Lelo (Brazil) / Photo: PumPum

gm: Estuviste experimentando con nuevos formatos como proyección y acrílicos y ahora creando con madera más allá del soporte. Cómo te afecta en el momento de crear? Qué nuevos formatos te gustaría experimentar? Qué te inspira esta transición y cómo se verá reflejada en la muestra?

PP: Me gusta probar diferentes lenguajes y técnicas. Este año estuve probando desarrollar diferentes capas para generar profundidad, en algunos casos minimizando el uso del color y priorizando el material. No deja de ser una instancia de prueba y error, como todo experimento. Y eso es lo que más me tienta a la hora de desarrollar una exposición en base a esa premisa.

Galaxias I from the Tirar de la Cuerda Exhibit at Fundación ICBC / Photo: Pum Pum

gm: Cómo es la relación entre tus obras en la calle y tu trabajo “en estudio”- por ejemplo, tus obras en la calle se ven afectadas después de alguna nueva incursión “en estudio” o vice versa?

PP: Siempre van por caminos paralelos pero que se tocan en algunos puntos. Siempre se traslada a la calle algo de lo que hago en el taller. Me gusta desarrollar ideas a pequeña escala primero. Pienso en detalles, materialidad, etc., y después veo qué de todo eso es posible trasladar a murales, a veces reinterpretando esa situación de probeta que tiene el trabajo en el taller.

gm: En tus últimos murales notamos que comenzaste a incluir aerosol, aparte de pincel y pintura látex. Qué motivó este cambio?

PP: Siempre usé aerosol en detalles, pero esta vez al poder disponer de paletas más completas lo utilicé de manera casi principal. Me gusta la cobertura que tiene sobre todo cuando utilizo fondos oscuros como estoy haciendo últimamente. Pero lo que más me gusta es poder seguir combinando técnicas en general. Donde el acrílico con pincel, alguna tinta aguada y el aerosol puedan convivir en una misma pieza.

gm: Vemos que muchos artistas que dominaban la escena local están llevando su obra cada vez más a galerías y a festivales de arte urbano internacionales. Con este tipo de evolución en la trayectoria de muchos de sus artistas principales, dónde ves el futuro de la escena de arte urbano de Buenos Aires?

PP: Constantemente está todo en movimiento, y es lo sano de la escena en cualquier ámbito.

A mí me interesa principalmente desarrollar obra y a partir de eso generar piezas en las paredes de una ciudad – que se apoyen mutuamente. Me gusta pensar rizomáticamente y poder ampliar las cosas que voy generando, espero poder continuar por ese camino el próximo año. Hay muchos planes, pero como siempre, espero que se vayan dando, trabajar con constancia y llegar a seguir cumpliendo ideas, planes y sueños.

gm: Crees que alguna vez dejarías de pintar en la calle?

PP: Espero que no! Me gusta muchísimo pintar en la ciudad, a veces me encuentro trabajando en etapas más puertas adentro, pero siempre se sigue pintando afuera. En alguna ciudad, en algún barrio, en algún viaje.

Mis contactos favoritos con la ciudad son pintar y andar en bici, espero seguir haciéndolo siempre!

Photo: Edgardo Gomez - Nadia Cajal via PumPum — Photo: Edgardo Gomez – Nadia Cajal via PumPum

“Galaxia”, nueva expo de PumPum

Viernes 13 de Noviembre, a las 19hs

“Galaxia”, la nueva exposición de PumPum inaugura el viernes 13 de Noviembre en Galería UNION. La muestra celebra las formas y el caos ordenado que se presentan naturalmente en el Universo creativo de la artista.

UNION es una galería de arte y espacio de proyectos que reúne los trabajos de artistas urbanos sudamericanos en una celebración al arte urbano y contemporáneo.

Galería UNION: Costa Rica 5929, Palermo.

Inauguración: Viernes 13 de noviembre, 19hs.

Para más información: Mimí Carbia (011) 15 3153 3932 / info@galeriaunion.com / mimi@graffitimundo.com / www.galeriaunion.com

Franco Fasoli y Conor Harrington en Brasil

Franco Fasoli y Conor Harrington finalizaron su mural en el marco de O.bra Festival en Largo do Arouche (San Pablo), Brasil.

Franco y Conor trabajaron durante 10 días en esta esta pieza monumental de 37m de alto x 10m de largo.

La obra está basada en diferentes conflictos de Latinoamérica; como fue el caso de la Guerra de la Triple Alianza y el sometimiento de los pueblos originarios.

O.bra Festival es en Largo do Arouche (San Pablo) Brasil.

Fotografías por: Martha Cooper y Clarissa Pivetta

Un Toque de La Patagonia en La Paternal

Sorcha O’Higgins

Grafiti físico – La conexión entre arte y arquitectura en Argentina

El arte urbano no puede existir en un vacío. La construcción de ciudades y pueblos le proporciona a los artistas el espacio necesario para exponer sus creaciones artísticas, que se encuentran, inextricablemente, ligadas a su entorno. La relación que existe entre el trabajo y su condición física crea un ámbito artístico único donde el arte es visible no solo en las paredes de una galería sino también en el espacio público y, como tal, se ve, inequívocamente, afectado por la arquitectura que actúa como soporte.

Desde un punto de vista arquitectónico, Argentina es más bien una anomalía. La identidad urbana del país se ve reflejada en su historia y, desde muchos aspectos, es una manifestación física de su desarrollo como núcleo para los inmigrantes. Luego de la llegada de los inmigrantes españoles e italianos a finales del siglo XIX, Buenos Aires se transformó en una extensión del continente europeo. Los diseñadores urbanos se basaron en la reconstrucción de París realizada por Baron Hausmann para construir la nueva, y consagrada, capital en 1880, lo que le gano el nombre de “La París de América del Sur”. Durante el apogeo de su construcción entre 1880 y 1910, gran parte de la arquitectura colonial fue reemplazada por el estilo Neo-Clásico y el siglo XX fue testigo de la creación de edificios de influencia Art Deco y brutalista.

En estos últimos años la arquitectura de algunas ciudades argentinas como Buenos Aires o Córdoba se ha convertido en una arquitectura casi esquizofrénica. Poeta, un artista que busca herramientas dentro de lo urbano para crear composiciones geométricas, dice que la ausencia de un estilo definido en Buenos Aires pone en evidencia la falta de leyes que prepondera en la capital argentina, situación que da lugar a una anarquía arquitectónica. Típicas residencias de baja altura se ubican al lado de edificios de hasta 20 pisos a lo largo de toda la ciudad, lo cual le da a la ciudad una silueta puntiaguda y ondulada. Por su parte, Pastel considera que esto le otorga al artista una nueva perspectiva espacial y la búsqueda de nuevas paredes en un espacio repleto de altos y bajos se vuelve un “deporte” para el artista urbano.

Este “deporte” se ve facilitado por los matices legales que existen dentro del arte urbano en Argentina. La mayoría de los artistas coinciden en que la tolerancia hacia una actividad que, técnicamente, es ilegal es lo que hace que la ciudad sea uno de los mejores lugares en el mundo para pintar. Al mismo tiempo, Buenos Aires ha alcanzado un lugar respetable dentro de la escena a nivel internacional debido a la abundancia de paredes que existen dentro del perímetro de la misma resultando innecesario aventurarse hacia nuevos lugares, situación que no sucede en Europa o en Norte América. En Argentina una pared apta para ser pintada, se vuelve “legal” con solo obtener el permiso del propietario, es decir que, las paredes no están confinadas solo a espacios aislados o a áreas destinadas específicamente al grafiti.

El arte urbano, generalmente, se encuentra en los barrios porteños donde convive lo comercial con lo residencial, como por ejemplo, Palermo, Colegiales y Villa Crespo. Aquí el arte urbano se hace presente gracias a murales que han sido comisionados por locales y restaurantes. En los últimos tiempos surgieron dos grandes áreas para el desarrollo del arte urbano: por un lado, en la zona sur, el barrio industrial de Barracas se transformó en la nueva meca del movimiento y Villa Urquiza, al norte, es otro punto importante para la escena local. Mientras que en estos barrios el arte urbano pisa fuerte, en localidades como por ejemplo Recoleta y San Telmo, el movimiento artístico no es tan evidente. Esto se debe a la presencia de una arquitectura dominante tipo parisina en Recoleta y de rascacielos vidriados en Puerto Madero.

Indudablemente, el contexto en el cual se desarrollan influye, notablemente, en cada uno de los murales. Elian, un artista minimalista oriundo de Córdoba, aclara: “Una pared no existe de forma aislada, si ese fuera el caso pintaría en canvas. Tampoco está totalmente influenciada por la arquitectura pero siempre está influenciada por la ciudad” Pastel, asiente y agrega “es importante entender que la arquitectura y los murales son dos de muchos elementos que componen a una ciudad. Un análisis y entendimiento del contexto es lo que permite que exista una relación entre la arquitectura y los murales”

Ambos artistas buscan crear un dialogo contextualizando sus trabajos in situ con el fin de alcanzar una síntesis armoniosa entre la obra y la pared. Para Pastel, la inclusión de la flora que se encuentra en las inmediaciones de la pared le permite contextualizar sus composiciones y proporciona un vínculo entre estas y los temas sociales que explora.

Elian ve a la arquitectura como un elemento integral de sus trabajos y siente que un mural está incompleto sino se la toma en cuenta. “Breaking the Structure” (Mayo, 2015) es una claro ejemplo de su tesis. Su estilo se caracteriza por tener varias capas geométricas que se yuxtaponen en un juego óptico que se adapta a la fachada de los edificios “respetando el lenguaje geométrico pero rompiendo las líneas principales” La relación entre la pared y las obras se construye al establecer un lenguaje visual que hace referencia al mural, al soporte y al contexto que engloba a ambos.

La pared en si misma tiene un gran impacto en el trabajo final por eso la búsqueda de buenas paredes es constante. Una pared blanca en una terminal de colectivos en Chacarita es mejor que una fachada de mármol cincelada de una casa en Recoleta, una pared de un edificio abandonado es más interesante que una pared debajo de un puente. El contexto, el tamaño, la textura son todos factores que influyen a la hora de elegir donde pintar.

Para Elian, es la historia lo que hace que se sienta atraído a una pared, “Prefiero una pared que tenga una historia, que algo haya pasado en esas paredes o que tenga algún tipo de riqueza, como por ejemplo, ventanas, molduras, etc” Pastel, sin embargo, dice “Todas las paredes tienen algo, ya sea por su tamaño, su ubicación o su arquitectura. Depende de lo que quieras pintar”

Además, las circunstancias bajo las cuales un artista pinta una pared también pueden afectar el resultado final. Probablemente, un grafitero que este pintando una bomba no tenga permiso para hacerlo, con lo cual la obra será de tamaño reducido y va a ser hecha más rápidamente que, por ejemplo, un mural que está siendo pintado en el marco de un festival en donde tendrá todos los permisos necesarios para hacerlo y esto le permitirá al artista contar con más tiempo para la realización de la obra.

Proyecto Dúo, es un claro ejemplo de lo que se puede alcanzar cuando se tienen los recursos necesarios para curar un proyecto. Las medianeras son un rasgo característico de la arquitectura porteña, su omnipresencia define el lenguaje visual de la ciudad, motivo por el cual obtener un permiso para pintar en ellas es casi imposible. Sin embargo, contar con el apoyo de autoridades municipales permite superar los conflictos burocráticos dando lugar a murales de gran escala en un barrio en el cual paredes de menor tamaño son la norma.

Para los artistas urbanos, la influencia del ambiente en el cual trabajan, ya sea físico o social o ambos, es innegable. Pastel y Elian afirman que, en el caso de ellos, las particularidades arquitectónicas de cada uno de los lugares donde pintan tienen un efecto en el trabajo final.

La concientización del entorno y la libertad para interactuar con el de formas significativas hace lo que los artistas argentinos se involucren con lo que tienen alrededor de forma activa, buscando paredes con ciertas particularidades que ellos puedan incorporar en sus murales. El proceso no consiste solo en encontrar espacios vacíos para llenar, sino en lograr fusionar, de forma consciente, arte y arquitectura para elevar la relación entre los dos.

Sorcha O’Higgins

INSTITUTO CULTURAL DE GOOGLE

Estamos orgullosos de habernos unido al Instituto Cultural de Google para colaborar en su proyecto acerca del Street Art que tiene como fin documentar el arte urbano de todo el mundo.

Hemos creado una colección de más de 300 imágenes que representan los mejores ejemplos de arte urbano de Buenos Aires, tanto del pasado como del presente, junto a una serie de obras realizadas para galerías de arte producidas por los artistas más destacados.

Las imágenes en alta resolución revelan detalles como por ejemplo, las pinceladas y la textura de las paredes. Estas imágenes no están disponibles con fines comerciales y la propiedad intelectual de las mismas les pertenece a los artistas.

La unión con Google nos permitió no solo crear una colección de imágenes sino también la realización de recorridos virtuales que exploran diferentes aspectos del movimiento y de su historia con guías en inglés y en español utilizando Google Street View.

Además, nos complace ofrecer una aplicación móvil disponible para Android (en breve estará disponible para IOS también)

Visita la colección de graffitimundo acá

GALERÍA UNION INAUGURA SU ESPACIO EN PALERMO

Luego de dos, felices, años en San Telmo, Galería Union se muda a un nuevo espacio ubicado en una calle tranquila del barrio de Palermo Hollywood. Este nuevo lugar le brinda un espacio de trabajo al equipo de graffitimundo, un lugar para exposiciones, para el aprendizaje de diversas técnicas y eventos también.

Este año organizaremos una serie de muestras, eventos y, también, ofreceremos talleres de esténcil, grafiti y muralismo dictados por artistas. ¡Pronto tendremos más novedades!

La exposición actual es una muestra colectiva de los artistas más destacados de la escena local de arte urbano.

Galería Union se encuentra en Costa Rica 5929 y podes visitarnos de lunes a viernes de 12 pm a 19 pm y los fines de semana con cita previa. A continuación podrás disfrutar una selección de los trabajos que se encuentran disponibles online: www.galeriaunion.com

Acá te mostramos algunas imágenes de nuestro nuevo espacio y de la inauguración:

Jaz en Morroco

Jaz, uno de los artistas argentinos más prolíficos, recientemente creó un nuevo mural titulado “The Shoe Thief” en Rabat, Marruecos para el festival Jidar.

En esta obra, de proporciones inmensurables, Jaz explora elementos relacionados con la identidad a través de un dinamismo que se desarrolla como producto de una serie de tensiones que representan una situación de lucha. La obra trabaja una estética que Jaz desarrolla en sus collages, donde crea sus obras por medio de diversas coloridas capas de papel. Esta forma de trabajar se hace presente en sus murales así como también en las obras que expone en galerías.

May Exhibitions

La primer semana de Mayo fue una semana muy importante para el arte urbano argentino, gracias a tres muestras en las cuales algunos de los artistas más talentosos del país exhibieron sus obras.

Elian, Pum Pum y Chu conforman el trio que exhibe en ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo la muestra titulada “Osmosis”, la galería, y fiel promotora del arte urbano, HIC presenta la segunda muestra individual del, magnífico, El Marian, “Retroceder Nunca” mientras que Ever se apodera de Dinamica Galeria con su ambiciosa obra “La Cabeza”.

ELSI DEL RIO unió a Pum Pum, Elian y Chu bajo la muestra titulada “Osmosis”, un término que en esta instancia hace referencia a la actual situación del arte urbano cuya existencia ya no se limita, exclusivamente, a las calles sino que ahora trasciende las barreras habituales para ser parte del circuito artístico tradicional. Estos tres artistas unidos por la cualidad urbana de sus obras, tanto en las calles como fuera de ellas, fueron elegidos para representar la separación de la idea de grafiti con la de vandalismo.

“Osmosis” muestra un lenguaje que los artistas aprendieron en la calle, y que como tales comparten, que se traduce a una serie de obras, como por ejemplo, las esculturas de Chu realizadas en madera laqueada con un carácter lúdico son un eco de las explosiones de formas geométricas que pinta en las paredes. Elian lleva sus explosiones de color al límite de un marco y si bien aparentan fluir libremente también es posible percibir el proceso creativo del artista y el control ejercido sobre el trazo. Pum Pum, por otro lado, comienza a trabajar un espacio cósmico en el cual podemos observar a sus ya famosos personajes rodeados de planetas y envueltos en anillos planetarios. La variedad en cuanto a las técnicas utilizadas nos demuestra que estos artistas no están limitados por la percepción de que el arte urbano debería estar confinado al espacio exterior.

Mariano Antedominico o El Marian, es un artista auto didacta cuya relación con el arte urbano comenzó hace 5 años. Estudió muralismo y desde entonces se dedica a pintar las calles.

Las temáticas de sus obras van desde la representación de caóticas escenas de protesta, a la realización de retratos de sus héroes musicales como por ejemplo, Beastie Boys, Adam Yauch y finalmente, inmortaliza a iconos de la cultura popular como Marty McFly.

Sus retratos realistas, inspirados en conceptos como la revolución social, la injusticia y la anarquía, generalmente se ubican frente a fondos borrosos que funcionan como una reminiscencia del típico camuflaje militar, técnica que utiliza en mayor o menor medida en sus obras.

En su muestra “Retroceder Nunca”, su segunda muestra individual, El Marian reinterpreta fotografías de diversas partes del mundo que muestran a una sociedad intranquila, que representan a niños rebeldes y a manifestantes en acción. A través de acuarelas, acrílicos, pintura látex e, incluso, tinta el artista logra crear piezas dinámicas que provocan al espectador, invitándolo a reflexionar. La fuerza de las mismas expresan las tensiones y el carácter físico de los disturbios, con la creciente multitud y la palpable adrenalina que colocan el drama en un primer plano.

A su vez, estas obras contrastan con aquellas que representan momentos delicados, como pueden ser besos entre los manifestantes o aquellas de carácter subversivo en las cuales podemos ver a los personajes cubriendo sus caras con pasamontañas de los colores del arcoíris. “Retroceder Nunca” es una muestra lograda con una intensa energía activista y realizada por un artista que, indudablemente, se transformara en un protagonista de la escena artística local.

“La Cabeza” es, sorprendentemente, la primera muestra individual de Ever (Nicolas Romero Escalada) en Buenos Aires. El artista, cuyo perfil internacional ha crecido gradualmente en los últimos años, ha demostrado su lado audaz con este trabajo. Con el apoyo de Dinámica Galería, Ever demuestra, una vez más, su preferencia por las instalaciones en galerías de arte a través de una imponente y cautivadora obra que cobra vida gracias a una hipnotizante performance de danza.

Ya es habitual encontrar la figura de Mao ocupando un espacio central en las obras de Ever y esta muestra no es ninguna excepción. La inmensa cabeza del dictador chino está suspendida en el aire y domina el espacio asomándose por encima del piso. Es un análisis conceptual de la ideología que era transmitida por medio de los tradicionales posters comunistas en China, en los cuales la cabeza de Mao siempre estaba suspendida sobre sus súbditos, el pueblo.

Ever, una vez más, recurre a la imaginería comunista para explorar su fascinación por la contradicción intrínseca de esta ideología. Entre alguno de los elementos se destacan, en el fondo, la cascada de libros que se superponen con el símbolo comunista para reforzar la estética. “La Cabeza” analiza el conflicto que surge cuando recae en un simple cuerpo humano la tarea de llevarle a toda una población un sistema de pensamiento, empapando de poder a la figura y creando una falsa idealización por parte de las masas. La performance va un paso más allá al exponer la obsesión a través del poder.

El acto involucre a 3 bailarines, amigos cercanos del artista, y una máscara de la cabeza de Mao, que, al ser utilizada por cada uno de los bailarines, produce una escalofriante transformación en el trio; aquel que tenga la máscara puesta mira bizarramente a los espectadores mientras que los dos restantes se encojen y se aferran a sus pies, manifestando su deseo y su sumisión a la cabeza comunista. Por medio de esta muestra, Ever nos muestra la magnitud de su ambición y como, aceptar lo controversial y tomar riesgos puede llevar a la creación de trabajos atrapantes y poderosos.

“Osmosis” podrá ser visitada hasta el 10 de Junio de Martes a Viernes de 13.00 hs a 19.00 hs, Sábados de 11.00 hs a 15.00 hs en Humboldt 1510.

“Retroceder Nunca” estará hasta el 6 de Junio de Martes a Domingos de 17.00 hs a 21.00 hs en Thames 1885.

“La Cabeza” hasta el 27 de Mayo de Martes a Jueves de 20.00 hasta medianoche en Gorriti 5741.

(Nota escrita por Sorcha O’Higgins)

Pol Corona in Vicente Lopez

Pol Corona es un artista urbano extremadamente prolífico que constantemente se encuentra experimentando nuevas técnicas y estilos.

Camina en la búsqueda de nuevas paredes para pintar, generando amistades con las comunidades que conforman la ciudad.

A continuación, un video en el cual podemos ver su proceso artístico en el clásico estilo de Buenos Aires, junto a amigos, sol y asados.

Pol Corona, Vicente Lopez, Buenos Aires 2015.

Pol Corona :: Buenos Aires 2015 from hazte1delosmios on Vimeo.

Galeria UNION

Galería UNION reúne una selección de obras de artistas latinoamericanos. Manejada desde Londres y Buenos Aires, las obras pueden ser compradas online y enviadas a distintas partes del mundo.

Podes ver una selección de obras que se encuentran disponibles, en alta resolución aquí: galeriaunion.com

Galería UNION fue creada por los fundadores de la organización de arte graffitimundo y es debido a las relaciones ya existentes con una extensa red de artistas emergentes de America Latina que UNION nace para ofrecer un espacio físico y online en el cual presentar las obras a un público internacional.

Pol Corona & El Marian

Por segunda vez en las calles de Buenos Aires los artistas Pol Corona y El Marian se encontraron para fusionar estilos y técnicas inspirados en la fotografía de un hombre en situación de calle. El resultado es esta obra realizada en látex y aerosol posee una dimensión de tres metros de alto por siete de ancho de la ochava del barrio de Parque Chas y fue realizada con el permiso de los dueños de la propiedad pero sin boceto previo.

En el retrato podemos apreciar con claridad las expresiones de cada uno de los interventores; El Marian se destaca por su método pictórico mientras que Pol Corona despliega sus animales alegóricos en un diálogo que invita a la libre interpretación de los transeúntes. Mientras que El Marian se desprende del ámbito de la ilustración y el tattoo art, Pol Corona ha realizado la transición desde el graffiti tradicional al arte urbano. De todas formas, ambos artistas se han formado en la calle y sus inspiraciones provienen de la urbe, de su entorno.

Pol Corona y El Marian son dos de los artistas más prolíficos del movimiento que acerca el arte a los ciudadanos, ese que busca embellecer, reciclar y renovar nuestras paredes. A su vez también son recibidos en galerías de esta temática y ambos contarán con su segunda muestra individual este año en la galería Hollywood in Cambodia (ver Planeando n 53), en Palermo. El seis de mayo será el turno de El Marian, mientras que Pol Corona se prepara para el 21 de octubre.

Este mural se encuentra en la intersección de las calles Llerena y Combatiente de Malvinas, Parque Chas.

Sweet Toof en Buenos Aires

El artista británico, Sweet Toof, está cubriendo, hace ya varias semanas, la ciudad de Buenos Aires con sus calaveras y dentaduras. Fue invitado por la organización Res Non Verba y desde entonces, ha estado taggeando y pegando desde Quilmes hasta Saavedra. Sorcha O´Higgins habló con él acerca de su estilo característico, su carrera como artista urbano y como se siente al pintar en Buenos Aires.

Me acuerdo de ver el grafiti punk y mod en Inglaterra cuando era muy joven y preguntarle a mi mamá, ¿Qué es eso?, ella me dijo “Chicos traviesos que escriben en la calle”. En ese momento, me acuerdo que me entusiasmé, yo también quería hacerlo. Después, llegó el hip hop y empecé a hacer breakdance y todo eso en los 80. Además, películas como “Wild Stars” y “Style Wars” eran de culto en lo que a hip hop y grafiti se refiere.

Empecé a taggear con un resaltador o lapicera y escribía nombres como “Hovis” u otras palabras. Cuando tenía 13, con algunos amigos, solíamos robar la pintura hasta que agarraron a algunos de ellos y yo me asusté. Entonces, decidí ahorrar el dinero que tenía para la cena y con eso comprar latas de pintura y guardarlas en casa. Cuando mis padres se iban a dormir yo me escapaba por la ventana de mi cuarto, atravesaba un techo y luego bajaba por un tubo de desagüe. Tomaba prestada la bicicleta de mi vecino e iba a pintar las cajas eléctricas con personajes de los pitufos. Al día siguiente, mientras iba al colegio, los veía desde el colectivo.

A los 18 años dejé de hacerlo por un tiempo pero aun así el grafiti estaba presente. Fui a una escuela de arte en Bangor. Tenía dos valijas con dibujos en lugar de un porfolio, me mandaron a la escuela de Bellas Artes. Después, hice otra carrera en Coventry por tres años donde aprendí a trabajar con técnicas más primitivas como grabado por ejemplo, también aprendí la técnica de aguafuerte, etc. En aquel entonces, en la década del 90, la actitud prevaleciente era que la pintura había muerto, con lo cual todo sucedía en torno a las instalaciones o videoinstalaciones artísticas, yo, por mi parte, me rebele ante eso y elegí hacer pinturas al óleo, naturaleza muerta y calaveras. Solía ir al mercado y comprar pájaros muertos, conejos también y luego los colgaba en mi taller y los pintaba, estudiaba la naturaleza en mi casa de forma casi obsesiva. Todavía salía pintar y hacía obras que tenían como base letras, distintos personajes y ese tipo de cosas. Así que, en realidad, trabajaba haciendo ambas cosas; por un lado tenía la disciplina de la pintura pero la adrenalina y diversión de pintar en las calles. Luego, fui a la Real Academia de Arte en Londres, estudié pintura y también dibujo. Enseñe por un tiempo, pero no me gustó mucho.

La dentadura comenzó a aparecer en mis obras cuando llegué a Londres. Antes escribía “Spy” y en la S agregaba algunos dientes, pero al mismo tiempo también hacía auto retratos con una lupa entonces mis dientes parecían enormes. Hacía pinturas al óleo con unas bocas enormes, dientes por todos lados. Me acordé de las golosinas que comes cuando sos chico, los dientes gomosos y los huevos fritos. Miraba los grafitis y solo veía nombres, personajes, nombres, personajes y tenía ganas de crear algo rápido, crear “throw ups”. Los dientes son fáciles de hacer, tan solo unas líneas y después rosa/negro/blanco, solo tres colores y se prestaba para hacerlo al óleo también y esto llevo a que un estilo empezara a romper los límites del otro. El arte urbano se transformaría en uno de los temas para la pintura tradicional, reclinarse sobre una pared, ver el cielo de noche, todas esas cosas te influyen. Uno recuerda la luz y demás…

Amo pintar al óleo tanto como amo pintar en la calle. Todavía hago muchas calaveras pero también veo dientes por todas partes desde que empecé a hacerlos en el 2005. Es por esto que decidí no hacerlos por un tiempo. Siento que uno hace las cosas hasta que se aburre, como si tuvieras una esponja y paras cuando ya se escurrió todo.

Londres esta aburguesado muchas paredes, muchos tours de arte urbano y en su mayoría no son buenos. Las paredes están controladas por aquellas personas que lo hacen solo por lo que puedan sacar de esto, se suman a la movida solo por eso. Hay tantas reglas en los grafitis ahora, por ejemplo “tenes que hacer una obra, sombras, nubes, contorno, sin goteos, etc, etc.” el lenguaje está limitado. A mí no me gusta estar tan definido, así la gente no puede decir realmente lo que sos. Todavía disfruto de hacer “throw ups”, trabajar con rodillo o hacer bombas pero no me gusta que la gente me etiquete y diga “Si, es un artista urbano” o “Es un grafitero” No sé lo que soy, solo sé que me gusta pintar y como todas las personas que tienen energía y que disfrutan de hacer cosas… ¿eso te motiva, no?

Últimamente, no me gusta decirle a mucha gente donde voy, decir que voy a pescar y en realidad ir a viajar y pintar. La conocí a Belén de Res Non Verba, en un show que hice en Nueva York y ella me invitó a Buenos Aires. Realmente, no pensé que vendría pero de repente estoy acá. Me encanta pintar acá. Tenes cielos azules, el clima es increíble, podes pintar de noche, podes escuchar el ruido de los insectos, se siente realmente calmo, relajado. Claro que seguro debe tener sus cosas pero me gustaría quedarme. Estoy pensando en volver el próximo verano. Pinté algunas paredes durante el día e hice muchas cosas de noche también. Una vez vino la policía me asusté y empecé a correr, pensé que venían a buscarnos pero solo estaban pasando por ahí. En Londres hay cámaras por todos lados y así es como te agarran. Logramos poner alrededor de 100 posters de noche, eso fue divertido. Además, acá también podes conseguir muy buen papel. Pinté con Sonni, él es muy relajado y es agradable trabajar con él. También pinté con Malegria y El Marian en La Boca. Salí un par de veces con Perla, Raws y Borneo. Algunas paredes con permiso… y otras sin.

Mas de Sweet Toof en su sitio: sweettoof.com

Entrevista por Sorcha O’Higgins. Fotos por gentileza de Res Non Verba.

Entrevista: Zosen & Mina

El dúo de artistas residentes en la ciudad de Barcelona, Zosen Bandido (oriundo de Argentina) y Mina Hamada (oriunda de Japón) acaban de finalizar un tour que duró 3 meses en el cual visitaron Argentina, Perú y Bolivia. Los trabajos realizados en conjunto por estos dos artistas se caracterizan por la fluidez de las líneas, por ser coloridos y optimistas, reflejan su verdadera personalidad cargada de buena onda. Iniciaron su recorrido con una muestra llamada “Cultura Popular” en Club Cultural Matienzo, de allí fueron a Córdoba, pasaron por Mendoza y Salta antes de llegar a Bolivia y Perú, en donde finalizaron su viaje con “Nomadas” una exhibición que se llevó a cabo en Paraíso Galería en Lima. Sorcha O’Higgins conversó con ellos respecto a sus experiencias en América del Sur y las diferencias entre el arte urbano argentino y aquel que se desarrolla en Europa.

Zosen: Yo llegué al grafiti a través del skateboarding. Nací en Buenos Aires pero mi mamá es de España así que hace ya muchos años que vivo en Barcelona pero cuando era joven y vivía en Buenos Aires solía andar en skate. En Buenos Aires todavía no existía una cultura del grafiti, había pintadas políticas o de bandas de rock and roll pero no había grafiti como si pasaba en Nueva York. La cultura de skate por otro lado si existía, era el ambiente del punk/skate. Cuando llegué a Barcelona, seguí andando en skate y fue ahí que comencé a hacer tags y letras que eran realmente malas ya que en Barcelona quienes andaban en skate también hacían grafitis.

Mina Hamada: Yo nunca había pintado en la calle antes de mudarme a Barcelona. Antes, cuando vivía en Japón, no sabía nada acerca de murales. Solía dibujar todo el tiempo y escribía historias y poemas que luego ilustraba. Después, cuando me mudé a Barcelona en el 2009 conocí a miles de personas que se dedicaban a pintar en la calle. Salía yo con ellos e íbamos a fiestas o a pintar. Al principio, me daba vergüenza, estaba nerviosa porque no sabía cómo usar el aerosol pero aún así lo hice y lo disfruté mucho.

Zosen: Actualmente, pintar en la calle en Barcelona es absolutamente ilegal. Podes tener serios problemas si te llegan a ver, entonces, a la hora de elegir un lugar para pintar hay que ser cuidadoso así las paredes duran más tiempo y no las sacan de forma inmediata. En Latinoamérica, sin embargo, se puede pintar donde uno quiera.

Mina Hamada: Cuando empecé pintaba en lugares abandonados en Barcelona. Pero pintar en Latinoamérica es más divertido, lo único que tenes que hacer es hablar con los dueños de la casa y si pegan buena onda, si te llevas bien con ellos, podes pintar. Pintar en Buenos Aires es mucho más fácil.

Zosen: Antes, ya había pintado algunas paredes en Buenos Aires. Una cerca de Parque Chacabuco y otra junto a Mart y los chicos cerca del estadio de River Plate, de esa todavía queda una parte. En aquel entonces, artistas como Blu todavía no habían venido acá así que nadie sabía cómo pintar la parte más alta de las paredes, la gente solo pintaba hasta donde alcanzaban con el brazo. Al haber estado en Europa yo sabía que se podía hacer por eso pintamos la parte superior. Eso fue en el 2006 y cuando volvimos en diciembre todavía estaba.

Zosen: Barracas es como si fuera un salón de la fama, hay tantas paredes. Pol Corona, Mart, Jaz, Pastel y Chu, todos pintaron ahí. Queríamos aprovechar que estábamos acá para pintar algo nosotros también. Fue así que nos invitaron a pintar una pared que está ubicada justo en frente del edificio Sullair. La casa le pertenece a una señora, cuyo nombre es Susana, que vive en el barrio hace 45 años. Todos la llaman “Abu”, ella fue increíble. Pasamos 3 días ahí, comimos en su casa, pasamos tiempo con sus nietos. La parte de Barracas en la cual estábamos trabajando es la más industrial, hay una zona que es más peligrosa que quedaba justo a la vuelta de donde nosotros estábamos. Un día, mientras estábamos pintando, vimos a un chico corriendo atrás del ladrón que lo acababa de asaltar, la policía vino… entonces te das cuenta que nos estas en Palermo, no? Las casas, la gente todo es más humilde. Pero, al mismo tiempo, pienso que eso es lo interesante de pintar en ese lugar, la gente no puede arreglar las paredes, casi pareciera que no es que estas pintando una obra en sus casas sino que les estas dando una mano de pintura fresca. Además, fue fantástico poder conocer una parte de la ciudad que no todo el mundo llega a conocer.

Pintar en Mendoza para el proyecto Muropolis fue muy divertido. Pintamos la escuela donde estudió Quino, el creador de “Mafalda”. La escuela también estaba en un barrio humilde, chicos de 15 años le pedían a Mina su número de teléfono y le pedían que dibujara los “5 puntos”. Ella no sabía a qué se referían, nos dijeron que era de un videojuego y que los chicos, hoy en día, pintan eso. Fue genial poder pintar con viejos amigos y, también, poder conocer artistas de Mendoza y a otros artistas, como por ejemplo, Lelo (https://www.facebook.com/lelo021?fref=ts) de Brasil que no conocíamos. Había 30 artistas pintando, 15 eran de Mendoza y 15 de otros lugares. Salimos, bailamos cumbia, tomamos mucho vino, fuimos a muchos asados. Incluso hicimos rafting! Fueron como unas vacaciones de verano.

La escena de arte urbano en el norte de Argentina todavía es muy reciente y mucho más chica en comparación con Buenos Aires o Córdoba. Lo que la destaca es la presencia de murales con influencia indígena. También pintamos en La Paz y en Cochabamba en Bolivia. Allí, el arte urbano es muy similar a Argentina en cuanto a la libertad que uno tiene para pintar, solo hace falta hablar con el propietario y pedir permiso. Pintamos un gran mural en un taller en diciembre, que es época de lluvias. El clima era medio tramposo, teníamos que estar constantemente viendo el pronóstico del tiempo para saber cuándo no iba a llover, levantarnos a las 5.30 am para empezar a pintar a las 7 am y parar a las 12 pm. El acrílico tarda más en secarse que la pintura en aerosol, lo cual fue problemático.

Vimos muchas artesanías en el norte. No podemos saber cuánto nos va a influenciar en nuestros futuros proyectos hasta no volver a Europa. Tres meses viajando, conociendo tanta gente… va a llevar un tiempo procesar todo y ver que surge de todo eso! Lo importante es haber compartido con gente local en todos los lugares que estuvimos esto te permite entender mejor el lugar donde estas.

Zosen: Las fotos que sacamos van a ser parte de un proyecto en el cual estoy trabajando. Cuándo viajé en el 2006 fui a Brasil, Chile y, también, vine a Argentina y empecé a escribir notas para algunas revistas, explicando un poco la realidad del arte urbano en Sudamérica para que la gente de Europa pudiera entender mejor las diferencias. Por ejemplo, en Chile mezclan las pinturas en aerosol para obtener diferentes colores y eso nunca lo verías en Europas. En Sao Paulo existen las “pichações” que, incluso, algunos lo hacen con un pequeño rodillo. Por cada ciudad que estuve, escribí un artículo entonces la idea es hacer un libro con las fotos que saqué. Tal vez, también hagamos un video pero probablemente con las fotos así podemos mostrar lugares como El Alto en Bolivia.

Entrevista con Defi Gagliardo

“Cuando encuentro el error encuentro la llave a mi próximo paso”

Defi Gagliardo repasa su carrera, la transición de las calles a las galerías, evalúa la situación del mercado del arte urbano en el país y nos adelanta de qué se trata su única muestra solo este año en UNION.

Mi formación académica se gestó en la UBA, donde fui docente durante tres años. Entonces hicimos, junto a unos amigos, la revista FASE que fue súper antiacadémica al punto que hubo docentes que la comenzaron a utilizar para enseñar. En el número 0 que se editó en blanco y negro, la idea era poner en crisis a las cátedras mediante nuestro diseño. Presentamos el contenido de cada cátedra para que cualquier estudiante eligiera qué camino seguir. Fue como una veganza contra las cátedras.

Mi paso por la universidad sirvió para que me decidiera por hacer lo contrario. Creo que la carrera de Diseño Gráfico te abre la cabeza de una forma especial que otras carreras más estéticas porque se trabaja más con el concepto. En la cátedra que elegí eso estaba muy marcado y yo choqué mucho.

Corría el año 2001 y yo pintaba un montón. Elegía las paredes…era como el muro de facebook, pero con la intención de comunicar algo, como por ejemplo el lanzamiento de algún número de la revista. Hoy creo que las redes sociales mataron la creatividad, por lo menos la mía. Hoy la gente se entera de las cosas por la computadora y no por la calle…. y esto es algo a lo que no me adapto, porque yo crecí en otro mundo.

Las pintadas en la calle dejaron de divertirme cuando empezó una carrera para ver quién es el mejor y se perdió el concepto. En la búsqueda de reemplazar las pintadas hice la transición a las galerías. Dejé de pasar tiempo pintando en la calle para pasar al estudio y luego de un tiempo la calle me pareció obsoleta. Sin embargo desde el 2004 y hasta el 2009 tuve la oportunidad de viajar mucho y pintar.

Tuve una carrera artística algo extraña porque empecé a trabajar con galerías de afuera del país antes que con las locales. Fue por el año 2008 o 2009 cuando algunos galeristas me aconsejaron sobre el modo de presentar las obras. Desde entonces para cada muestra trabajo mucho con la cabeza antes de ponerme a pintar.

La entrada del arte urbano a las galerías de arte tradicional localesfue tardía y cuando sucedió yo ya no era parte de ello. Soy conciente de que mi obra cambió durante ese proceso y se volcó al fine art. De todos modos el resultado de la llegada del movimiento de las calles a otros contextos estuvo bueno y permitió que llegara a mucha gente. Si bien es un mercado que existe en otros lugares del mundo no creo que se llegue a afianzar aquí, porque depende de una circunstancia socioeconómica que no está dada para permitirlo. En Argentina sigue siendo un nicho muy cerrado.

Mi obra no se identifica por ser una sola. Si bien obtuve un reconocimiento en la calle por los gatitos, yo era muy activo. En una época armaba exposiciones de stickers en las góndolas de los supermercados y después las anunciaba en la calle con afiches que yo pegaba “Visite la muestra el stand de galletitas”.

Llegó un momento en el que comencé a experimentar con el instante entendido como un fotograma fílmico y fue entonces cuando mi obra se diversificó y fue evolucionando en el surgimiento de las cajas donde cada una contiene una historia que se conforma a medida que voy construyendo el escenario. Las considero como una forma de acceder a la fragilidad de ese instante. Cada una lleva mucho tiempo y desde la selección de sus componentes pasando por el lijado de las maderas hasta la pequeña instalación eléctrica están integramente confeccionadas por mi.

El collage se trata de experimentar una y otra vez con los elementos hasta encontrar los que encajan. Me divierte jugar a armar rompecabezas y busco llegar a los rostros. Quizás se trate de recuerdos perdidos que conservo. Busco la expresión que me lleva a la abstracción de ese recuerdo. Además de las caras en Fuck, I missed se suman, con la misma técnica, los burritos. En cada una de mis muestras hay uno que persigue una zanahoria sería una suerte de símbolo del trabajador así como del engaño. Jugando con sus componentes llegué a ellos de casualidad.

Lo que más me importa transmitir en las telas es la explosión de la energía y todas sus capas. Hay algunas más sutiles y escondidas porque quizás dibujo algo para luego taparlo, pero siempre hay alguien que las puede leer. A mis obras abstractas las llamo “mamarrachos” y esta vez incorpore más colores a los primarios con los que suelo componerlos. En toda mi obra está el error muy marcado y cuando encuentro el error encuentro la llave a mi próximo paso.

Con Pedro (Pelerman) nos conocemos hace muchos años. Hacemos música y pintamos una obra basada en un track que hicimos. Nos entendemos muy bien a la hora de laburar, pero quería exponer algo muy distinto a lo que hemos hecho porque nuestras colaboraciones anteriores han sido en paredes, pero esta es la primera vez que pintamos un cuadro.

“Fucked, I missed” es una celebración del error así como una celebración del caos. Es trash y es armónico: Esa es la búsqueda de la obra que está atravesada por el diseño en pos del equilibrio estético al momento de su composición y es allí cuando deja de ser un “mamarracho”, el resto es instinto.

Entrevista por Ana Laura Montenegro

Galería Union

Galería Union es un nuevo proyecto liderado por Jonny Robson y Marina Charles, fundadores de graffitimundo.

Luego de su experiencia como curadores en Buenos Aires y en el exterior, la creación de un nuevo espacio artístico en la ciudad fue una evolución natural de los objetivos de graffitimundo. Union nace con el objetivo de continuar promoviendo el arte urbano argentino, así como crear un espacio que fomente nuevas oportunidades y conexiones entre artistas.

UNION abrió sus puertas en el año 2014. Emplazada en una casona antigua y restaurada de San Telmo, cuenta con varias salas donde se realizan exhibiciones temporales, cuenta con espacio para la colección permanente y espacio para talleres dictados por los artistas locales.

Para más información, visita nuestra página: www.galeriaunion.com

Entrevista con Jaz & Pastel

Luego de una colectiva ausencia cercana a los 6 meses los muralistas argentinos Jaz y Pastel están de vuelta en Buenos Aires y han colaborado para pintar dos increíbles nuevas paredes en el barrio de Barracas. Las recientes obras reúnen sus distintivos estilos y llevaron aproximadamente 8 días para ser realizados. Se trata de una inusual colaboración (donde en general los artistas suelen dividir previamente el espacio de cada artista a ser pintado) más cohesiva y holística donde ambos artistas comparten todo el largo de la pared y entrelazan sus estilos.

Ubicado bajo el puente cercano al Centro Metropolitano de Diseño, las paredes presentan una procesión de personajes mitad hombres/mitad bestias a cargo de Jaz, yuxtapuestas en un entorno floral diseñado por Pastel. Jaz toma influencias de las tradiciones culturales latinoamericanas y las combina con las tradiciones locales donde a menudo pueden apreciarse escenas violentas.

Jaz y Pastel dicen haber creado un “micro-ambiente” de Barracas bajo ese puente. Nos encontramos en el estudio que comparten en Villa Crespo para descubrir más de esta obra y de su experiencia trabajando juntos.

Graffitimundo (GM) – Hola chicos! Cuándo fue la última vez que pintaron juntos y qué pintaron?

Pastel (P) – (A Jaz) La primera y última vez?

Jaz (J) – (A Pastel) No, pintamos juntos más de una vez, pero la última vez fue por el año 2011 y ya no existe. Era en el barrio de Saavedra. Eran dos personas enfrentadas. Pastel hizo una estructura geométrica en el medio. Fue una buena obra, simple, muy linda hecha para un video, pero nunca lo vi.

P – Si..

J – para un programa del canal de la ciudad o algo así.

GM – Cuándo decidieron pintar esta obra?

J – Muy recientemente. Cuando volví de mi último viaje. Antes de volver a Buenos Aires Pol Corona me preguntó si quería pintar ese muro y me envió una foto. La primera semana a mi regreso fui a verlo y pensé que era tan grande que tal vez no me alcanzaría el tiempo. Aunque él [Pastel] aún se encontraba en el exterior le pregunté si quería pintar conmigo cuando volviera.

P – Y cambié mi vuelo y volví directamente a casa (risas).

GM – Cómo decidieron qué iban a pintar? Lo pensaron primero aquí (en el estudio), cuando Pastel aún estaba afuera, o directamente en la pared?

J – No, acá. Pastel había pintado en Barcelona con AlexisDíaz de Puerto Rico, y Alexis tuvo que irse sin poder terminar la obra, entonces Pastel comenzó a pintar alrededor de la pieza de Alexis y cuando vi la foto dije “Wow, estaría bueno hacer eso”, esa onda, entre los dos podríamos crear una trama gigante de figuras y las flores de Pastel.

GM – Si, porque esta obra se distingue de las demás. El trabajo individual no está separado como usualmente lo es. Eso fue intencional?

Ambos- Si, definitivamente.

GM – Cómo colaboraron en términos de motivos o estilos en la pared?

J – Fuimos a la pared y dijimos: Ok, hacemos esto así, eso así…

P – Quiero decir, cada uno de nosotros conoce el trabajo del otro y cómo trabaja. Nos conocemos muy bien,entonces, en pocas palabras lo teníamos. Fue muy fácil…dijimos, “hacemos a los tipos corriendo y las plantas de la zona”. Así fue realmente

J – Fui por mi cuenta un día y marqué mi parte en un lado…

P – Luego yo fui e hice lo mismo….

GM – Ustedes son buenos amigos. Les gustó pintar juntos?

J – No realmente…(risas)

P – No más, no después de pintar esta pared…(risas). Para mí, creo, Franco (Jaz) es más grande y lleva más tiempo pintando en las paredes que yo. Haber compartido el estudio por un tiempo ayuda a aprender un montón del otro. Compartir la pared fue exactamente lo mismo. Es como una extensión del estudio

J – Es raro porque hasta ahora no estábamos acostumbrados a pintar juntos. Cada uno hacía lo suyo…

GM -Por qué?

J – Porque nos aburguesamos (risas)… No, porque cada uno hace lo suyo y somos muy independientes. Dejamos de colaborar tanto. El trabajo de cada uno tiene su propio peso y puede ser difícil relacionar el propio con el de alguien más. Y además porque estamos constantemente viajando: Yo estoy por aquí, él por allá… Con Pastel sabía que no iba a ser difícil trabajar

P – También es una cuestión de escalas. Puede ser complicado compartir una pared tan grande, especialmente si no vas a usar el lenguaje tradicional del graffiti, donde cada artista tiene su parte de la pared. Quisimos hacer estas pintadas en conjunto para producir una sola obra.

GM – Y prefieren pintar de este modo o independientemente?

J – Siempre me gusta trabajar solo. Pero a veces hay un incentivo para pintar con alguien más, ya sea porque te cae bien, porque estás interesado en ver cómo resulta o porque hay una amistad. Me acuerdo que en la escena graffitera todos pintaban juntos. Pero ahora que estoy un poquito más viejo prefiero trabajar solo.

GM – Tenían permiso para pintar esta obra?

J – Fue una comisión para Sullair, la compañía de grúas. Ellos tienen un programa de distribución de la comunidad de Barracas y organizan diferentes proyectos, este es uno de ellos. Pero no nos pusieron ninguna restricción. Nos pagaron, pero fuimos totalmente libres de pintar lo que quisiéramos.

P – Lo loco es que aún teniendo la libertad para pintar lo que quisiéramos, las paredes no le pertenecen a la compañía, es un espacio público. Tampoco ellos tienen permiso para pintar ahí.

J – La realidad es que si vas a hacer algo con permiso, especialmente en ese barrio, que realmente lo necesita, perdés tres meses esperando por la autorización oficial, así que optaron por hacerlo simplemente.

GM – Tienen una buena relación con Sullair?

Ambos – Si, si.

J – Si, la mejor. Muy buena. Para ser una compañía, son muy buenos para concretar las cosas. Es grande, entonces tienen facilidades. Les importa mucho proveer a la comunidad. Arreglan cosas, cortan el pasto… muchas cosas. Es realmente impresionante lo que hiciero en el barrio

GM – Jaz, hiciste esa mezcla de materiales que usualmente usás (con nafta y brea)?

J – No. Hace un tiempo que no uso materiales raros. En Túnez lo hice, pero fue porque era una pequeña pared. La mayor parte de los grandes murales que hice últimamente han sido realizados con látex porque en su mayoría fueron trabajos comisionados o festivales en los que se trata puramente de muralismo donde generalmente no se busca el trabajo efímero, sino algo que dure. Trato de utilizar esos (extraños) materiales cuando estoy haciendo algo para mi mismo o un pequeño proyecto que es, generalmente, una intervención.

P – Pintar en los festivales con esa clase de materiales es una clase de contradicción también, usando materiales básicos cuando podés contar con el lujo de pintar con lo que quieras.

GM – Pastel, vos siempre utilizás látex?

P – Yo uso látex, y también un montón de tinta para los detalles, porque tiene una textura diferente, una consistencia fluida.

GM – Ambos han pintado murales enormes alrededor del mundo recientemente. Tuvo alguna influencia en lo que pintaron en Barracas?

J – Bueno, en comparación de las obras que pinté en el exterior esta es bastante pequeña. Es muy larga, pero es fácil. Está a resguardo de la lluvia y el sol, no es un lugar remoto.

P – Tiene una proporción razonable, no es tan alta. Pero si la giraras 90 grados sería un edificio de 9 pisos. Eso es grande. Sin embargo estamos acostumbrados a trabajar en esta escala. Se puede trabajar cerca de la pared como de los materiales, es mucho más dinámico.

GM – Jaz, comenzaste a trabajar con el collage. Hay alguna influencia de esta etapa en el muro?

J – No realmente en estas paredes, más que nada en lo que estoy haciendo para mi trabajo destinado a las galerías. Eventualmente me gustaría llevarlo a la calle, pero ahí necesitas un método de trabajo completamente distinto al que hice hasta ahora. Nunca intenté llevar el papel a las calles, así que nos abría cómo empezar. De hacerlo debería comenzar por formatos pequeños, fáciles, sencillos, en las cercanías…. Quería usar papel en uno de los muros de Barracas, pero por el tamaño y la textura porosa de la pared no hubiera durado nada, tal vez un mes como mucho. Por otro lado el uso del papel hubiera conectado a la idea del arte efímero y en este caso era una comisión.

GM – Pastel, siempre hay un contexto profundo en tus obras ya sea histórica o geográfica. Hay algún elemento de este tipo en Barracas?

P – Si. Generalmente trato de crear una relación con el contexto o el entorno. La historia, geografía, la gente, la sociedad, la naturaleza, su flora y su fauna. También busco crear el la sensación de identidad del área y el sentido de pertenencia del mural. Generalmente esto se traduce al uso de la vegetación salvaje, pequeñas plantas que represento en el mural. Puede parecer sólo una trama, algo decorativo, pero detrás de eso hay una búsqueda de la particular identidad de ese lugar.

GM – Entonces escogiste flores de las cercanías del puente de Barracas?

P – Si, siempre elijo flores y plantas de la parte de abajo de la pared, pero aquí hay un montón de vegetación sobre el puente, cerca de las vías del tren Elegí 4 o 5 plantas de ahí para crear mi composición.

GM – Usaste puntas de flechas que suelen aparecer en tus obras?

P – No, esta vez no hay ninguna. Uso las flechas como un estudio de la historia argentina, Particularmente de las batallas libradas sobre todo en Misiones, de donde mi familia es oriunda. Pero las puntas de flecha tienen un significado más fuerte y permanente, más violento desde cierto punto de vista, que cuenta otra parte de la historia, un costado más difícil que simboliza la defensa en tiempos de guerra.

GM – Jaz, tus criaturas en esta obra tienen las caras negras, hay algún simbolismo allí?

J – Trato de no darles identidad, pero al mismo tiempo darles una historia. para este mural en particular se trató de una manada de animales, pero irreconocibles. Son chatos, pero obviamente animales. Su identidad se revela en otros detalles: los tatuajes, la vestimenta, sus zapatos. Todo eso es directamente del barrio. Obviamente no puedo replicarlos exactamente, no se lo que significan para estas personas, pero es una referencia. Un tatuaje es una marca de pertenencia, es tribal. La identidad está expuesta a través de estas cosas, la iconografía local.Pero sus cabezas son una forma de quitar esas identidades de quitar los rostros de las personas. Es por eso que me preguntan “por qué tienen cabezas de animales?” Allí radica el mayor miedo: “Pero qué son…??”

P – Son anónimos

J – Exacto, son anónimos, pero no al mismo tiempo.

GM – Qué tipo de animales son?

J – Todos los tipos. En la primera pared elegí animales y se me ocurrió preguntarle a las personas presentes cuáles querían ellos. Para la segunda pared pinté los animales que me fueron sugeridos.: Un oso, un perro… animales y nombres de las personas de allí.

Todos los tatuajes, todas las prendas de vestir llevan los nombres de las personas del barrio. De esa forma asimilan el mural y se apropian de el. Eso fue loco, estuvimos ahí todos los días allí pintando, pero si no fuera por eso no estaríamos ahí 10 minutos. Es un barrio peligroso. Pero ellos nos aceptaron, nos cuidaron, nos contaron sus historias y de esa forma te involucras en la situación. Y te das cuenta la variedad de sociedades que existen en la misma ciudad. De alguna forma accedes a ellas, incluso con las inmensas diferencias.

P – Otra cosa loca es que más allá de nuestro trabajo en en pos de retratar una identidad, mientras que estás ahí, de alguna forma, te convertís en parte de esa sociedad por un rato. Eso va más allá de la pared. Hay un reconocimiento al final del día, vos sabés cómo son las cosas… Es complicado.

J – Si, realmente muy pesadas. La policía está ahí todo el tiempo, las personas ebrias..

P – Pero al mismo tiempo, estaban muy atentos a nosotros, nos ofrecieron cosas para tomar, nos preguntaban si teníamos hambre y nos proveyeron de todo lo que necesitáramos…

J – Y te hablan de su familia, te muestran las cicatrices que se hicieron en prisión, te cuentan cómo fue estar ahí dentro. Hay situaciones insólitas, pero y al mismo tiempo interesantes. Normalmente no estamos expuestos a eso.

P – Un día alguien se nos acercó y nos dijo “Tenés idea la cantidad de gente que se quiso meter con ustedes? Nosotros les dijimos: No se acerquen a los chicos que están pintando”

J – Nos estaban cuidando y también a los que vienieron a sacarnos fotos o filmar, porque ellos “nos estaban ayudando””

P – “Están pintando para nosotros…”

J – Para alguien que es de clase media, que fue a la universidad, que pueda ver cómo viven otras personas estos lugares… te hace pensar. Estamos haciendo un mural, no cambiando sus vidas. Pero al menos creamos un diálogo. Fue muy divertido.

P – Pero si lo consideras desde otro punto de vista en este barrio (Villa Crespo), al ver algún cartonero tal vez tengas una sensación similar a lo que nos pasó en Barracas, pero invertido, sabés?: El individuo contra las masas. Y desafortunadamente en los barrios de clase media o de clase media-alta la diferencia entre lo individual y la unidad crea marginalidad.

GM – Pastel, recientemente en España usaste una paleta de colores basada en los colores del lugar. Hay algo similar en esta obra?

P – No esta vez. Haz tuvo más. que ver con la elección de colores

J – En el barrio hay dos clubs de fútbol. Barracas Central y Deportivo de Barracas. Uno tiene camiseta blanca y otro blanco y rojo. Eso disparó la idea, que fue cambiando en el paso de los días. Si bien comenzamos con esos colores, expandimos la paleta. Actualmente, del otro lado del riachuelo, están Indpendiente y Racing, que usan esos colores. El barrio tiene mucha influencia de esos equipos. Muchos de estos fanáticos son parte de las barras de esos equipos Ellos comenzaron a notar algunsas cosas sobre el uso de esos colores, así que a veces fue un tanto complicado cómo ingeniarse para usarlos. Pero así fue cómo empezó.

GM – Creen volver a pintar juntos?

Ambos – No, nunca (risas)

J – No, no lo se. Me voy pronto y no se cuándo voy a volver…

P – Algún día, cuando seamos viejos…

Sorcha O’Higgins

bs.as.stncl

Bs.as.stncl es un colectivo artístico compuesto por los artistas NN y GG, grabador y diseñador gráfico respectivamente. Tienen una larga trayectoria en la escena de arte urbano de local e, incluso, fueron los primeros artistas en llevar esténciles a las calles de Buenos Aires durante la crisis económica del 2001. El colectivo se formó en el año 2002, motivados por el potencial para expresarse y comunicarse siendo el esténcil el medio utilizado para generar intervenciones urbanas.

A pesar de no firmar sus obras, su estilo característico ha logrado una gran cantidad de adeptos a lo largo de los años. Sus primeras obras contienen un fuerte trasfondo político, para comunicar mensajes claros a su audiencia urbana. Con el tiempo, sin embargo, sus obras fueron perdiendo dicho carácter y adquirieron un tono satírico sobre la cultura popular, iconos y diversos temas de la actualidad. Además, resulta imposible no reconocer las influencias de sus profesiones en sus obras: el uso de colores primarios y figuras estilizadas se mezclan para crear obras con un estilo, claramente, gráfico.

Bs.as.stncl considera, como colectivo artístico, que el arte en forma de colaboración es lo que le da al arte urbano un gran poder y alta capacidad de impacto y por ello insisten en producir en conjunto. Hay un respeto mutuo por la actitud de “hazlo tú mismo” lo cual se ve reflejado tanto en la organización, producción y distribución de sus trabajos.

En el 2006, fueron dos de los seis artistas que fundaron Hollywood in Cambodia, una galería de arte urbano dirigida por los propios artistas, ubicada en la ciudad de Buenos Aires.

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Murales y Proyectos Artisticos

A lo largo de los años graffitimundo ha facilitado la producción de murales y proyectos artísticos tanto para individuos, organizaciones sin fines de lucro, empresas locales y multinacionales de la talla de Google y Facebook.

Los proyectos artísticos de índole comercial ahora son manejados por Galería Unión, de forma tal que graffitimundo pueda continuar trabajando en proyectos artísticos y educacionales sin fines de lucro.

Un claro ejemplo fue el proyecto gestionado para TECHO. TECHO es una organización latinoamericana sin fines de lucro que busca mejorar las condiciones de aquellos que viven en situación de pobreza y viviendas precarias. TECHO estaba en la búsqueda de una manera innovadora de comunicar su campaña para la recaudación de donaciones del año 2013: ‘Cuando tenés un techo, no tenés techo’.

Trabajar en conjunto con TECHO nos permitió encontrar un lugar en el espacio público que tuviera gran impacto y máxima visibilidad, y de esta forma tener un amplio alcance.

Juntamos a varios artistas para que trabajaran en la tarea de desarrollar un concepto visual. La Wife, Tester, Pum Pum, Pelos de Plumas y Amor crearon un impactante mural para apoyar la campaña de TECHO.

Si estas interesado en formar parte de proyectos creativos colaborando con los artistas con los cuales trabajamos, ¡no dudes en escribirnos!

Cabaio

Cabaio comenzó a pintar en las calles como parte del colectivo artístico Vomito Attack debido a la crisis del 2001. Vomito Attack era un grupo incentivado por la militancia política; sus obras, las cuales eran realizadas a través de la técnica de esténcil, constaban de mensajes políticos y en contra del consumo. Las mismas fueron realizadas a lo largo de toda la ciudad de Buenos Aires. En el año 2005, se separa de Vomito Attack para comenzar a pintar en forma independiente y es, en este momento, que adopta el nombre Cabaio.

Siguiendo la línea que hasta entonces trabajaba, Cabaio ha desarrollado un estilo elaborado símil al collage, en el cual trabaja con capas y la inclusión de imágenes cuidadosamente seleccionadas. Este estilo, refleja una manera de expresar más personal e intuitiva: composiciones coloridas, repetición de figuras geométricas, utilización de elementos figurativos y la inclusión de caligrafía. Todo lo cual conlleva a obras caracterizadas por el uso de la técnica esténcil y el horror vacui.

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Chu

Chu es uno de los miembros fundadores de DOMA, colectivo artístico pionero del arte urbano en Buenos Aires. Luego de haber sido influenciado en su adolescencia por la cultura skate, por los viajes y por la biología se graduó como diseñador gráfico en la Universidad de Buenos Aires (UBA).

Luego de la crisis económica que atravesó el país en el año 2001, él fue una parte fundamental del movimiento artístico que provocó un cambio en el lenguaje visual de la ciudad. Donde antes había propaganda política, publicidad conflictiva y activismo comenzó a surgir una estética colorida, dinámica y cargada de energía encabezada por Chu y sus contemporáneos.

Su estilo se caracteriza por personajes caricaturescos, el uso de líneas curvas y la creación de universos abstractos, influenciados por la geometría y la matemática. Artista multidisciplinario, su trabajo va desde el diseño gráfico a la animación, de la dirección de arte a escultura de técnica mixta, instalaciones y diseño de juguetes.

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Corona

Corona nació en Francia y se crió en Madrid para luego mudarse a Argentina, donde su carrera artística se desarrollaría y tomaría forma. Comenzó a pintar las calles bajo el pseudónimo “Rena”, sin embargo, su carrera como artista se transformaría al exponerse al muralismo elaborado y a la libertad que caracteriza al arte urbano en Buenos Aires.

Cambiar su nombre por Corona significó también un cambio en la energía, estilo y dirección creativa. Él se considera un artista que realiza tanto grafitis como murales y es gracias a esta dualidad que sus obras, continuamente, desafían los límites del grafiti al incorporar elementos figurativos.

Sus trabajos más recientes consisten en retratos de los pueblos originarios situados en diversos paisajes.
Si bien su trabajo toma elementos de la abstracción y del urbanismo, Corona jamás se ha alejado de sus raíces que tienen como base la representación de letras.

Ha participado en festivales de arte urbano a lo largo de todo latino américa y sus murales pueden ser vistos en Bolivia, Perú, España, Francia y Argentina.

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Dano

Dano fue uno de los precursores del movimiento grafiti en Buenos Aires. Comenzó a pintar las paredes y propiedades privadas a finales de los 90, cuando el grafiti recién llegaba a la ciudad y él comenzaba a instalarse como una de las figuras principales de la escena local.

Su inspiración proviene tanto de la escena neoyorkina de los años 70 como también de la cultura hip-hop, sus obras mantienen, aún hoy, una fuerte conexión con el grafiti tradicional. Además, Dano se formó como diseñador gráfico y también como ilustrador influencias que también podemos percibir en sus trabajos tanto en aquellos en los que predomina lo figurativo como en aquellos en los que trabaja las letras.

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Defi

Defi Gagliardo fue fundador junto a Tec y Pedro Perelman de FASE, colectivo multidisciplinario de arte, diseño y música. FASE y DOMA fueron las fuerzas creativas que instauraron una forma de arte urbano basada en el diseño gráfico, caracterizada por la utilización de pintura látex, colores brillantes, personajes caricaturescos y mucha positividad. El movimiento iniciado por estos dos colectivos artísticos fue un factor fundamental a la hora de definir la estética y filosofía que primaría en el incipiente arte urbano de Buenos Aires.

Las composiciones de Defi varían entre lo abstracto y lo figurativo y se componen por grandes explosiones de color. Sus obras celebran la espontaneidad y la experimentación al mismo tiempo que tienen como protagonistas a sus mascotas de la infancia.

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DOMA

DOMA es un colectivo de artistas de Buenos Aires compuesto por: Orilo Blandin, Julian Pablo Manzelli (Chu), Matias Vigliano (Parquerama) y Mariano Berberi. Formados en diseño gráfico, ilustractión y cine, el grupo incursionó en instalaciones urbanas y grafiti en 1998 y desde entonces han explorado una gran variedad de proyectos artísticos.

Inspirados por un contexto turbulento y complejo, estos artistas argentinos basan sus creaciones en mundos alternativos y cuentan con un reparto de personajes originales. DOMA ha creado su propio idioma y universo, desde el cual abordan los temas que les interesan del mundo real.

La onda juguetona de sus personajes a menudo no deja traslucir la ironía mordaz codificada en obras como “Stupid Elephant Tank”, uno de sus juguetes de peluche. Esta obra es una versión simplificada de un tanque militar de colores brillantes con una larga trompa en lugar de un cañón.

DOMA es un colectivo excéntrico con una gama diversa de obras. La producción del grupo se basa en su deseo de usar todos los medios disponibles, es por esto que han creado desde arte callejero, esculturas, instalaciones hasta juguetes de peluche, serígrafías y animaciones.

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Ever

La carrera de Ever comenzó en los años 90 como artista grafitero. Su estilo se fue desarrollando casi de manera accidental mientras pintaba las caras de sus ex novias y de su hermano pero aún hoy su filosofía es que el grafiti es un punto de conexión para la gente.

En sus obras explora diversas temáticas: religión, contradicciones y política. Está fascinado por el cuerpo humano y por ese motivo lo utiliza como vehículo, combinando formas figurativas con crítica social. Aunque su estilo se acerca más a la pintura tradicional en lo que a técnicas refiere, Ever tiene un increíble manejo del aerosol como también de la pintura látex.

Sus composiciones se caracterizan por la presencia de colores vibrantes y ha comenzado a experimentar con instalaciones artísticas, en las cuales realiza comentarios acerca de eventos actuales a través de utilización de peluches, mesas de ping pong e inodoros.

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Georgina Ciotti

Georgina Ciotti es una artista multidisciplinaria cuyos trabajos abarcan murales, esculturas, diseño de modas, ilustraciones e, incluso, efectos especiales. Ella empezó a pintar las calles a comienzos del año 2000 cuando vivía en Barcelona, así descubrió que las calles le permitían experimentar como artista y hasta el día de hoy utiliza el espacio público como si fuera su propio canvas. En lo que refiere a su trabajo de realización de efectos especiales formó parte del equipo que trabajó en la ganadora al Oscar “El Laberinto del Fauno” dirigida por Guillermo del Toro.

Sus obras tienen un fuerte impacto visual, se componen por complejas formas que representan animales o personajes femeninos que luego son combinados con elementos decorativos obteniendo como resultado composiciones surreales y fantásticas. Sus obras etéreas y sus criaturas míticas nos permiten adentrarnos en un mundo paralelo tan hermoso como extraño.

Su carácter multidisciplinario le permitió experimentar con diversos soportes, actualmente su foco está puesto en la pintura. Se especializa en la realización de murales y de intervenciones “site-specific” que pueden ser vistas en las fachadas e interiores de edificios desde Barcelona hasta Buenos Aires.

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Pablo Harymbat

Pablo Harymbat nació en 1977 en Buenos Aires Argentina y comenzó a pintar graffiti en los años 90. Su obra se ha enfocado en el muralismo principalmente, pero también utiliza distintos formatos como la cerámica, la escultura, dibujo y video animación. Realizó sus primeras piezas a gran escala en el 2004 y desde el 2006 hasta el 2014 firmo sus obras públicas como “Gualicho”.

La obra de Harymbat es muy diversa y ha pasado por varias etapas formales, pero siempre en torno a la exploración de lo orgánico y lo mecánico. Ha viajado y realizado obras y exhibiciones en varias ciudades de Europa y América y también participó en muchos festivales de arte urbano como el festival LGZ (Moscú), la Bienal de Cuba, el Monumental art (Polonia), y el Festival Concreto (Brasil) entre muchos otros.

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Jaz

Franco Fasoli o ‘Jaz’ se formó y trabajó en escenografía en el Teatro Colon en Buenos Aires. Estudió junto a artistas como José Marchi, Nahuel Vecino y Diana Aisemberg y es reconocido como uno de los primeros grandes artistas en pintar las calles de Buenos Aires a mediados de la década de los 90.

Sus obras evolucionaron de grafitis a murales figurativos de gran escala, utilizando técnicas y soportes de la escenografía y elementos de los grafitis con carácter de protesta política que caracterizaban a la ciudad de Buenos Aires. Para llevar a cabo sus murales trabaja con materiales variados como por ejemplo, pintura látex, gasolina, pintura en aerosol, collages de papel y alquitrán.

Jaz explora el concepto de identidad tanto a nivel individual como también a nivel cultural por medio de la representación de criaturas híbridas: mitad hombre, mitad animal. Es así como sus composiciones quedan signadas por el conflicto y la dualidad, recurso que utiliza para hacer referencia a la cultura popular y tradiciones de Latinoamérica.

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La Wife

Luego de haber estudiado en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Pridiliano Pueyrredón” el trabajo de Marianela Leguizamon o ‘La Wife’ empezó a desarrollarse dentro del ámbito público. Comenzó a participar en festivales de arte urbano y a pintar junto a colectivos artísticos tales como Federación Stickboxing.

La Wife creció en la región de la Patagonia Argentina, hecho que influyó enormemente su trabajo ya que es posible identificar en sus obras los paisajes áridos y exóticos de su juventud. Sus trabajos hacen referencia a diversos rituales, tradiciones, a la flora y fauna propia de esta región del país.

Sus dibujos están inspirados en comics, animé, arte pop, la estética vintage de los años 50 y, también, las icónicas estampas de Katsushika Hokusai. Trabaja con una paleta de colores fluorescentes retratando una visión futurista en donde se fusionan las tradiciones con los rituales.

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Malatesta

Darío Suarez, alias Malatesta, se incorpora a la escena de arte callejero a partir de su carrera como skater profesional. Gracias a su experiencia logra transferir la relación dinámica e íntima que posee con la cultura y espacio urbano a su obra, nostálgica y experimental.

Sus obras son, mayoritariamente, figurativas y para la realización de las mismas explora técnicas de esténcil, grabado y talla. Además experimenta con collage y pintura sobre objetos encontrados, como puede ser metal o madera. La cultura urbana y local son dos elementos fuertes en sus composiciones que se fusionan, a su vez, con elementos que hacen referencia a escenas alternativas y al anarquismo.

En el año 2006 fue uno de 6 artistas de lanzar Hollywood in Cambodia, una galería especializada en arte callejero manejada exclusivamente por artistas.

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Mart

Mart comenzó a pintar durante la primera influencia de grafiti Neo Yorquino que llegó a Buenos Aires en los 90’s siendo parte de un fenómeno que nunca antes se había visto en la ciudad. Desde ese entonces creció como artista hasta transformarse en un muralista auto didacta.

Sus obras se caracterizan por ser predominantemente figurativas con un estilo espontaneo y fluido. Su estudio de la línea y el color le permite la representación de figuras humanas casi esbozadas realizando actividades lúdicas en escenarios fantasiosos.

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Nasa

Hernán Lombardo o NASA tiene una formación relacionada con el diseño gráfico, la arquitectura y la cultura urbana. NASA explora el caos entre lo analógico y lo digital en murales como también en canvas, ropa y objetos.

NASA toma elementos del diseño gráfico, ideogramas, caligrafía y del arte moderno para traspasar los límites de los métodos tradicionales de comunicación y generar composiciones con mensajes ocultos, altos contrastes de color y una yuxtaposición de elementos geométricos y orgánicos que lo caracterizan como artista.

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Nerf

Oriundo de Corea, Nerf vivió en Argentina la mayor parte de su vida y hace 15 años que se dedica a pintar grafiti. Su estilo, profundamente influenciado por el estilo neoyorkino y por la cultura hip hop, se caracteriza por el efecto tridimensional sobre soportes planos.

Mientras muchos artistas utilizan computadoras y cintas adhesivas para poder generar este efecto visual, Nerf ha alcanzado un gran manejo de la técnica a punto tal que elabora tanto pinturas como esculturas totalmente a mano alzada.

Sus obras pueden ser vistas al lado de otros artistas grafiteros o mismo, incorporadas a diversos murales, en los cuales logra combinar sus paisajes futurísticos, formas geométrica y colores brillantes con murales de diversos estilos. Por este motivo, el rasgo más distintivo de Nerf es su cualidad versátil a la hora de trabajar las paredes ya sea a través del grafiti o de murales.

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Pedro Perelman

Pedro Perelman es miembro del colectivo artístico FASE, formado en Buenos Aires en el año 2000, que junto a otros artistas dieran inicio a la escena local del street art. Su obra posee una clara impronta experimental y gráfica, resultado de su paso por la Universidad de Diseño de Buenos Aires, donde también ejerciera la docencia. Esta experiencia ha ido fusionándose a lo largo de su carrera con el trabajo mural y las expresiones mas clásicas del arte como la pintura de caballete, dando como resultado obras cada vez mas equilibradas entre lo orgánico y lo geométrico, entre lo pregnante y lo climático, y se ha manifestado en telas, paredes, serigrafías, grabados o instalaciones, entre otros soportes. Sus pinturas son figurativas y surrealistas, mientras que su lenguaje estético se basa fundamentalmente en la exploración de recursos.

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Parbo

Lucas Lasnier alias “Parbo” es diseñador gráfico y artista plástico. Formó parte de una generación de artistas argentinos que llevaron su talento en arte y diseño más allá de los límites comerciales del mercado de arte.

Comenzó a pintar en las calles en el año 2001, experimentando con esténcil y grafiti para luego dedicarse a realizar murales a gran escala. Toma su inspiración del diseño gráfico y las culturas de skate y música metal, aunque también tiene una veta artística por retratos realistas e instalaciones estrambóticas.

En el año 2002, Parbo funda Kid Gaucho, un colectivo artístico multidisciplinario. El grupo se especializa en trabajos artísticos experimentales como instalaciones provocativas y desafiantes así como también en proyectos de índole comercial.

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Parquerama

Parquerama es un proyecto de Matías Vigliano, uno de los miembros fundadores del colectivo de artistas DOMA.

Desde la fundación de DOMA en 1998, Vigliano influyó notablemente la identidad visual del colectivo, inyectándole toques e ideas surrealistas al paisaje urbano en stencils, pintadas e instalaciones.

Parquerama, proyecto personal de Vigliano, presenta su universo gráfico distintivo. Su amor por la ilustración, la animación e influencias que van desde el cine hasta comics inspiran sus diseños, que a menudo incluyen muñecos de plush y vinilo, libros, ilustraciones y ediciones limitadas de posters.

Vigliano trabajó para agencias de renombre, medios e importantes clientes de la industria del entretenimiento y cosechó varios premios en el rubro por sus animaciones.

Continua tomando parte activa del colectivo DOMA, creando instalaciones y exhibiendo su trabajo alrededor el mundo.

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Pastel

Pastel es artista plástico y arquitecto. Su obra considera el trabajo en el espacio público como acupuntura urbana. En sus composiciones, el artista utiliza la flora como herramienta conceptual para representar un espacio y los eventos que lo definen, resultando en obras que plasman el diálogo entre la humanidad y el espacio que habita el hombre, así como la confrontación entre industria y mundo natural.

Al utilizar la flora como simbolismo social, la obra de Pastel invita a reflexionar sobre la naturaleza del hombre y sus alrededores. Lo existencial, lo real, lo puro y lo trágico, conceptos casi olvidado en la sociedad moderna.

Actualmente radicado en Buenos Aires, Francisco Díaz exhibió su obra en galerías nacionales e internacionales y trabajó en festivales y residencias alrededor del mundo, incluyendo Traffic Design Festival (Polonia), Via Vai Project (Italia) y Art Basel (Miami).

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Plumas

Ignacio Gustavo Iturrioz, también conocido como “Plumas”, nació en la ciudad de Neuquén en Argentina. Se mudó a la ciudad de Buenos Aires en el año 2004, donde finalizó sus estudios en arquitectura en la Universidad de Buenos Aires.

El descubrió una pasión por pintar y realizar intervenciones públicas al mudarse a la ciudad de Buenos Aires, en donde el movimiento del arte urbano y grafiti se encontraba en expansión. Influenciado por este movimiento comenzó a estudiar pintura junto a Gustavo Lichinchi y desarrolló trabajos en canvas así como también en murales a gran escala.

Su estilo personal se caracteriza por una primera aproximación al muralismo abstracto cargado de color para luego devenir en obras figurativas cuya principal fuente de inspiración son los desnudos renacentistas.

Sus murales pueden ser vistos en Argentina, Bolivia, Chile, Perú, México, Uruguay y Estados Unidos. Actualmente, vive en la ciudad de Neuquén.

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Poeta

Poeta empezó a pintar cuando el arte urbano y el grafiti comenzaban a surgir en la ciudad en el año 2000. Si bien tiene una formación muy fuerte en lo que a grafiti se refiere logró desarrollar una técnica mural que, en primera instancia, fue figurativa para luego transformarse en abstracta.

Poeta, inspirado en la filosofía, el misticismo y esoterismo, explora el color y la forma para crear obras abstractas en las cuales priman la geometría, los colores saturados y las líneas generando composiciones que simulan ser rompecabezas.

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Pum Pum

Pum Pum, diseñadora gráfica, es una de las artistas más reconocidas en el ámbito del arte urbano de Buenos Aires. Mientras a comienzos del año 2000 muchos de sus contemporáneos optaron por el aerosol como material principal en sus trabajos, Pum Pum eligió priorizar la pintura látex y los pinceles en murales inspirados en lo figurativo.

Sus icónicos personajes bidimensionales son el resultado de una ecléctica influencia que va desde Hello Kitty hasta Black Flag, una banda icónica del punk rock, y ella logra representarlos a través del uso de colores fuertes y de un trazo fino.

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Roma

Martín Privitera o Roma fue uno de los primeros artistas en comenzar a experimentar con grafiti. Influenciado por la cultura del hip hop y los grafitis neoyorkinos, Roma comienza su carrera artística en el año 1996 cuando el grafiti recién empezaba a formar parte de Buenos Aires. Luego, con el tiempo, su estilo evolucionó dejando atrás el grafiti para dar lugar a la creación de murales abstractos.

Sus obras, independientemente de encontrarse en exteriores o interiores, son elaboradas composiciones que combinan formas figurativas y abstractas utilizando, principalmente, pintura en aerosol y acrílicos.

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Rundontwalk

rundontwalk se formó en el año 2002 y fue uno de los primeros colectivos artísticos en pintar la ciudad de Buenos Aires en medio de la crisis económica del 2001. Rundontwalk, compuesto por Tester Mariano (Tester) y Fede Minuchín, se transformó en uno de los pilares del arte urbano en la ciudad, debido a las contribuciones realizadas por Minuchín quien trabaja, exclusivamente, con la técnica de esténcil en las calles.

RDW explora temas sociales y políticos desde la sátira aunque también han logrado desarrollar un estilo relacionado con obras de carácter fantástico en las cuales combinan imágenes absurdas de animales y criaturas hibridas. Trabajan realizando murales en espacios públicos con la técnica de esténcil y también con serigrafías en papel y en canvas.

Han participado en varios festivales de arte urbano y expuesto en galerías de todas partes del mundo. En el 2006 formaron parte del grupo de 6 artistas que crearon Hollywood in Cambodia, una galería de arte urbano dirigida por los propios artistas en Buenos Aires.

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SAM

Oriundo de Brasil, SAM pasó la mayor parte de su vida en Villa Ballester, provincia de Buenos Aires. Sus primeras obras estaban, profundamente, influenciadas por la cultura del hip – hop y por el grafiti, movimientos que prevalecían en la provincia de Buenos Aires, donde él creció. Sin embargo, luego de experimentar con un arte que utilizaba letras como elemento principal SAM desarrolló un estilo caracterizado por la realización de murales de estilo abstracto.

SAM trabaja las calles de la ciudad como si fueran canvas con una marcada predilección por murales de gran tamaño. Sus obras oscilan entre lo monocromático y una paleta de colores vibrantes mientras que sus composiciones varían entre lo orgánico y lo geométrico. Su estilo denota una influencia del cubismo, surrealismo y finalmente, futurismo.

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Sonni

Luego de más de una década de pintar paredes y subtes, las creaciones de Sonni se ven dentro de los collages de personajes animados por toda la ciudad de Buenos Aires.

Sonni estudió diseño gráfico y trabajó como Director de Arte en productoras de animación y cine. Sus obras, entre las cuales se encuentran sus murales, ilustraciones, trabajos en acrílico y esculturas de madera, las realiza a partir de diversos soportes y materiales.

Su obra se destaca por celebrar la imaginación inocente de un niño, siempre con un dejo de ironía. Busca la simplicidad a través del uso de colores primarios y personajes caricaturescos elaborados a partir de formas geométricas.

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Stencil Land

Stencil Land tomó las calles de Buenos Aires en el año 2003, como parte del fenómeno de un arte politizado que comenzó a desarrollarse a partir de la crisis económica del 2001.

Fiel a su nombre, Stencil Land trabaja, exclusivamente, con esténciles creando conceptos originales a través de la manipulación de imágenes. Sus obras son provocativas ya sea desde la complejidad de contenidos como la atención al detalle.

Stencil Land aún hoy sigue siendo parte de la escena local de arte urbano de Buenos Aires y forma parte de Hollywood in Cambodia, una galería especializada en arte callejero manejada por un grupo de 6 artistas.

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Tec

Tec es miembro fundador de FASE, un colectivo multidisciplinario de arte, junto a Defi y P3DRO que se creó en el año 2000.

FASE junto al colectivo DOMA, fueron las fuerzas creativas que impulsaron un arte urbano influenciado por el diseño gráfico, en el cual prevalecía la pintura látex, los colores brillantes, personajes amigables y mensajes positivos. Esta nueva forma de arte fue definitoria a la hora de influenciar la estética y filosofía del arte urbano en Buenos Aires después de la crisis del 2001.

Sus obras celebran las excentricidades del estilo de vida y cultura argentina a través de personajes extravagantes y texturas incompletas. Su arte, alegre e irónico, se desarrolla en murales a gran escalas, en esculturas de madera, en lienzo y en serigrafías.

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Tester

Mariano “Tester” Alonso forma parte del colectivo artístico rundontwalk, junto al artista Federico Minuchín. Autodidacta, su carrera dentro de las artes visuales inicia a fines de la década del 90’ y continúa desarrollándose junto a la escena local de la música para luego ocupar un lugar dentro del espacio público.

Sus composiciones son una combinación de frases populares, imágenes abstractas y sellos que se mezclan con formas a mano alzada. Profundamente influenciado por la actitud “hazlo tú mismo” de la escena de punk rock de Buenos Aires, Tester crea obras elaboradas usando procesos analógicos y materiales diversos tales como, aerosol, tinta y acrílico.

En el año 2006 formó parte del grupo de 6 artistas que crearon Hollywood in Cambodia, una galería de arte dirigida por los propios artistas. En el año 2014 ayudo a crear Club Albarellos, un taller y galería de arte que se encuentra en El Tigre, Buenos Aires.

Para más de Tester:
Flickr
Instagram
Obras disponibles en Galería UNION

Vomito Attack

Vomito Attack era un colectivo de artistas que se formó en el año 2001 como respuesta a la crisis económica en Argentina, y tras las repercusiones surgidas luego de los ataques del 11 de septiembre en EE UU

Tan artistas como activistas, Vomito Attack utilizó el arte urbano como plataforma para realizar comentarios cáusticos acerca de la corrupción política y el consumismo desenfrenado, fijando como objetivo tanto a las instituciones gubernamentales como a las corporaciones internacionales. Además de sus mordaces esténcils políticos, colmados de sátira y humor negro, el grupo incorporó una práctica llamada “ad-jamming” que consta de la manipulación y la alteración de publicidades para distorsionar y revertir sus mensajes.

Vomito Attack se popularizó gracias a una campaña política cuyo nombre fue: “Poder, Corrupción yMentiras”. En esta campaña utilizaron las mismas técnicas que los activistas de partidos políticos, con el fin de promover el partido falso de PCM con mensajes de letras gigantes pintados por las autopistas y calles principales. La ciudad fue plagada de carteles de propaganda política que llamaban la atención de los transeúntes porque denunciaban los altos índices de corrupción política locales.

Zumi

Zumi comenzó a pintar las calles de Buenos Aires en el año 2006 como parte de Expression Sessions, eventos artísticos colectivos que experimentaban con el arte en el espacio público. Su formación como diseñadora de indumentaria contribuyó en el desarrollo de un estilo único, caracterizado por el uso del color y elementos que resaltan la femineidad.

En sus obras públicas Zumi se inspira en la filosofía zen y la naturaleza combinando versiones idílicas de flora y de fauna en paisajes surreales utilizando el aerosol y látex como materiales dominantes. Con estas obras logra crear espacios que evocan la paz de ambientes naturales dentro del ruido y polución de las calles urbanas.

Para más de Zumi:
Flickr
Instagram
Obras disponibles en Galería UNION

STREET ART ORIGINS TOUR (SÓLO EN INGLÉS)

Este es nuestro primer y más popular circuito. El recorrido provee una maravillosa introducción al vibrante mundo del arte urbano en Buenos Aires y su atrapante historia.
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Exploramos los barrios de Colegiales, Chacarita, Villa Crespo y Palermo, vecindarios que se caracterizan por una rica variedad de arte de los principales artistas, locales e internacionales. Mientras visitamos asombrosas paredes y apreciamos ejemplos de los estilos más importantes, aprenderás cómo la historia del país está conectada al movimiento y cómo el arte urbano ha evolucionado en Buenos Aires.
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Este recorrido permite apreciar obras de distintos artistas y comprender la transición de la calle a otros espacios ya que incluye la visita a dos galerías de arte urbano. Este tour es guiado en inglés y exploramos tanto a pie como en bus privado equipado con aire acondicionado. El tour finaliza en la única galería de arte urbano manejada por los artistas urbanos, en Palermo Soho.

– salidas: miércoles, viernes y sábados
– comienza a las 15hs en Colegiales y finaliza a las 18hs en Palermo
– idioma: Inglés
– incluye nuestra guía de Buenos Aires y el transporte durante el tour
– además: un descuento de 15% en nuestras serigrafías exclusivas: ver catálogo
– precio: USD 35 por persona

URBAN ART & ACTIVISM TOUR (SÓLO EN INGLES)

Este tour explora barrios históricos e industriales ubicados en el sur de la ciudad, como La Boca y Barracas. Combina una mirada profunda en los efectos de la política y economía que han llevado a cambios recientes en lo social, con visitas a los más recientes festivales de arte urbano y proyectos de artistas locales.
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Durante el recorrido se analizan escritos políticos, pintadas activistas así como murales a gran escala por artistas locales e internacionales. Terminarán el tour en el barrio de San Telmo, con un mayor entendimiento sobre cómo la historia política de Argentina influyó la expresión artística en el espacio público.
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Este tour es guiado en inglés y exploramos tanto a pie como en bus privado equipado con aire acondicionado. El tour finaliza en San Telmo.

– salidas: Lunes
– comienza a las 14hs en La Boca y finaliza a las 17hs en San Telmo
– idioma: inglés
– incluye nuestra guía de Buenos Aires y el transporte durante el tour
– además: descuento de 15% en nuestras serigrafías exclusivas: off of our exclusive silkscreen prints: ver catálogo
– precio: USD 35 por persona

Campo de Lucha, Campo de Juego

Uno de los principales objetivos que tiene nuestra organización es el de presentar el arte urbano de Buenos Aires dentro del contexto histórico y cultural de Argentina. Para poder alcanzar una audiencia mayor, actualmente, estamos trabajando en un libro que analiza las tradiciones expresivas en el espacio público de la ciudad de Buenos Aires por medio de una investigación acerca de los movimientos artísticos y políticos que han tomado las calles en el último siglo.

El libro ha sido reconocido como un proyecto de importancia cultural por una iniciativa del gobierno de la ciudad y fue premiado con financiamiento para respaldar la producción del mismo. Actualmente, el libro será publicado a principios del año 2015 de forma tal que coincida con el estreno de nuestro documental ‘Paredes Blancas No Dicen Nada’.

Si estas interesado en saber más acerca del libro y oportunidades para colaborar con el proyecto, no dudes en escribirnos.

Paredes Blancas No Dicen Nada

‘White walls say nothing’ es un documental que estamos produciendo en el cual exploramos la relación entre el arte y el activismo y la compleja dinámica que existe entre la represión y la expresión a lo largo de la turbulenta historia de Buenos Aires.

En Octubre del 2012 conseguimos la financiación para el proyecto a través de una exitosa campaña en Kickstarter y en el 2013 comenzamos el proceso de filmación. El documental se estrenará a principios del 2015.

Si estas interesado en conocer más acerca de este proyecto y de oportunidades para colaborar con la producción, no dudes en escribirnos.

Proyectos Educativos y de Extension Cultural

Como parte de nuestra misión de promover la cultura del arte urbano de la ciudad, trabajamos en colaboración con una red de entidades educativas públicas y privadas, organizando tours, talleres y charlas para estudiantes locales e internacionales.

Además, trabajamos con organizaciones sociales para promover la escena de arte local y lograr involucrar a más personas.

Centro Conviven es una comunidad ubicada en Ciudad Oculta, cuya finalidad es apoyar a familias y a niños que viven en zonas carenciadas. El centro lleva a cabo actividades para los más jóvenes, incluyendo paseos fuera de su barrio con el objetivo de mostrarles distintos aspectos de la ciudad en la que viven.

En el año 2011 tuvimos el placer de colaborar con ellos. Ideamos un tour para introducir a los niños al colorido mundo del arte urbano y organizamos un taller en el que los chicos y los artistas intervinieron las calles y paredes de Ciudad Oculta.

Creemos que trabajar con instituciones educativas y organizaciones sociales interesadas en aprender más acerca del arte urbano local y en relacionarse con los artistas, es una gran oportunidad y nos alegra poder colaborar! No dudes en escribirnos si tenés un proyecto o idea de la que podamos ser parte!

bs.as.stncl – “Carton Pintado”

bs.as.stncl tiene una larga trayectoria en el mundo del arte urbano argentino. Son incluso, referentes del movimiento que detonó ferozmente en las convulsionadas calles porteñas en el 2001.

Integran este colectivo los artistas NN y GG que, con formaciones en grabado y diseño gráfico respectivamente, han sabido afianzarse y ser reconocidos en el espacio público sin la necesidad de firmar sus obras. Tras 8 años desde su última exposición en solitario decidieron volver a la meca argentina de street art con la muestra “Cartón Pintado”.

N.N.: Cartón pintado surge jugando con unos pedazos de ese material, bocetando y experimentando en ellos. Nos gustó tanto ese formato que conceptualizamos a raíz de ellos. Incluso una vez alguien nos dijo (pone voz socarrona) -Ahh esto es cartón pintado”-

G.G.: A mi el tema del cartón me gustó porque es un desafío ya que no es fácil pintar sobre esa superficie. No todos los colores de aerosol se absorben de la misma manera y por otro lado es un material muy barato, casi trucho, se dobla… Nos divirtió la idea de pintar una obra de arte ahí

N.N.: Y cuando apuntamos a la presentación buscábamos enaltecer la obra

G.G.: En esta muestra todas las obras están enmarcadas para elevar la calidad, ese es el juego.

graffitimundo: Si bien hay imágenes más simples o con mensajes concretos, hay otras en las que se aprecia otro tipo de composiciones.

G.G.: Si, quizás nos pareció entretenido jugar con las formas y lo abordamos desde la intención de explotar la técnica. Por ejemplo, hay cuadros donde los dibujos no están pintados, pero si su silueta, de esa forma se integra el soporte.

N.N.: Creo que en esos casos, la idea es apuntar al juego gráfico.

Graffitimundo: Alguna vez dijeron que sus trabajos tenían que tener un mensaje, así sea que sólo ustedes lo entiendan. Creen que esta vez la gente lo va a entender? Les importa?

G.G.: Desde el nombre de la muestra es bastante concreto.

N.N.: Y si de algún modo vienen y se sienten defraudados…

G.G.: (Interrumpe sin dejar terminar) Cierra el Círculo!

Graffitimundo: Cómo le explicarían a un extranjero la frase “cartón pintado”?

G.G.: Hay una frase en inglés que refiere a lo mismo: “fool’s gold” (Chequear esto!)

Graffitimundo: Creen que falta el sténcil más rebelde de otras épocas? Sienten que hace falta?

N.N.: El esténcil contestatario es visible cuando hay necesidad. Cuando coincide con un momento de la sociedad. No es cuestión de rebelarse por rebelarse. De todos modos siempre nos gusta el chiste irónico. Quizás ahora haya un despliegue desde una intención plástica y no tan cínica..

G.G.: Quizás nosotros tenemos esa necesidad dentro del colectivo de apuntar a ese lado irónico. Sin embargo me gustan los lugares a donde llevan la herramienta otros artistas, por ejemplo disfruto mucho el “gigantismo” (n.d.e.: sténcils de proporciones masivas).

bs.as.stncl también realizó diversas muestras fuera del país. La más reciente tuvo lugar en Europa en el 2013, cuando fueron invitados para participar de “Avant Garde Urbano” donde compartieron muros con distintos artistas de primer nivel como Vhils y Rodríguez Gerada

Además integran el colectivo Hollywood In Cambodia (H.I.C.) y la primera galeríade arte urbano del país de nombre homónimo junto a los artistas Run Don’t Walk, Stencil Land y Darío Malatesta donde se puede visitar “Cartón Pintado” de martes a domingos de 18:00 a 21:00hs

Entrevista realizada por Ana Laura Montenegro

Hollywood in Cambodia
Thames 1885 – (detrás de Post Bar)
www.hollywoodincambodia.com.ar

Tester ‘Bruma, a Todo Color’ in Galería UNION

¡Muchas gracias a todos los que se arrimaron por la inauguración de “Bruma, a todo color“! La expo puede visitarse de lunes a viernes de 12 a 18hs, en Carlos Calvo 736 – San Telmo. Los esperamos!

Tester ‘Bruma, a Todo Color’, opens 18 September in Galería UNION

Están todos invitados a la próxima inauguración en Galería UNION. “Bruma, a Todo Color” expo individual de Tester, abre sus puertas el Jueves 18 de Septiembre a partir de las 17 horas, en Carlos Calvo 736, San Telmo.

Mariano Tester Alonso pertenece a los grupos artísticos Rundontwalk, Sindicato Hollywood in Cambodia y Club Albarellos. De formación colectiva y autodidacta, Tester es uno de los artistas fundamentales del arte urbano local. Su trayectoria artística comenzó a finales de los años 90 anclada a la escena musical, impactó la calle para luego extenderse y hacer pie en galerías de arte alrededor del mundo.

Su obra se caracteriza por jugar con el límite entre lo figurativo y lo abstracto. El horror al vacío y el vacío mismo conviven en una composición integrada por frases abstractas y populares, sellos y letraset con formas a mano alzada. Fuertemente influenciado por el DIY de la escena porteña del punk rock, el artista trabaja cada obra de forma analógica resultando en un caos ordenado en una conjunción de spray, tinta y acrílico. En esta colección se reúnen 20 obras sobre tela y madera, que van de pequeño a gran formato.

La ciudad moderna se caracteriza por una cantidad abrumadora de mensajes unívocos que asaltan los sentidos y apagan la imaginación colectiva. Tester niega la actitud imperativa del entorno en su obra. En vez de indicarle el camino al espectador, le demanda que se sume al juego de una construcción libre, colectiva e individual. “Bruma a Todo Color” oculta para revelar, alejándonos del sendero seguro para volcarnos en los vaivenes de nuestra propia imaginación. La interpretación de la obra de Tester es un proceso contínuo, y su búsqueda es el factor más interesante ya que a su vez, completa la pieza y mantiene una lectura abierta constante.

UNION es una galería de arte y espacio de proyectos en San Telmo. Reúne los trabajos de artistas sudamericanos en una celebración al arte urbano contemporáneo, dirigido por Marina Charles y Jonathan Robson, fundadores de graffitimundo.

Lugar: Galería UNION, Carlos Calvo 736, San Telmo, Buenos Aires

Inauguración: Jueves 18 de Septiembre de 17hs-22hs
Horario: Lunes-Viernes de 12 a 18hs

Para mayor información: Marina Charles 15 3153 3932 // uniongaleria@gmail.com

“Me gusta el desorden que provoca la llegada de la lluvia”

Foto: Arnaud Paillard

Cabaio es un artista que eligió el esténcil hace más de diez años para intervenir las paredes de Buenos Aires. Dice estar en un cierre de la etapa que más lo marcó a través del uso de la herramienta que lo convirtió en un artista reconocido en las calles porteñas y aprovecha uno de sus descansos en medio de los preparativos de su primera muestra individual para contarnos de qué se trata La Lluvia.

GM – Cuál es el concepto de La Lluvia?

C- La Lluvia me parece una buena palabra para definir lo que me está pasando porque es como sacar todo lo que tengo adentro. Hace tiempo que pinto en la calle y anteriormente hice muestras, pero siempre en conjunto con mas artistas. Siento que La lluvia es un sólo lugar donde hay mucha fuerza, por otro lado me gusta el desorden que provoca la llegada de la lluvia, ya que nunca sabés con certeza cuándo va a suceder. La Lluvia pasa aqui y ahora, se trata de una tormenta personal, tiene que ver con las inestabilidades y los chaparrones que existen en mi vida. Creo que tengo algo contenido hace mucho tiempo y es hora de sacarlo.

GM- De todos modos decidiste nombrarla “La Lluvia” y no “la tormenta”.

C- Si. Lo veo como una liberación, ya que después de la tormenta viene la calma que alivia y refresca. Te limpia. La lluvia es para todos igual y su vez distinto cómo lo vive cada uno. Me gusta la lluvia y no temo mojarme.

GM-En alguna oportunidad dijiste que tus obras son el resultado de imágenes que viste, que te influyeron de algún modo. La lluvia es el resultado de esa condensación que baja a la tierra?

C-Totalmente. Hay algunas obras que tienen referencias personales, por eso digo que expongo todo lo que me sucedió en este tiempo. Son obras que me gustan en las que me siento representado.

G- Cómo eran tus primeras pintadas en las calles?

C- Al principio, cuando empezamos a pintar con Vomito Attack “vomitábamos” la información que veíamos. Buscabamos relacionar imágenes y encontrarles otro significado. Esa era la dinámica en ese momento: Hacíamos repeticiones e improvisábamos con materiales que encontrábamos en las calles. Aún hay algunas pocas pintadas de esas primeras experiencias. Y eso se convirtió en una enfermedad, porque comenzamos a interactuar sobre las imágenes ya pintadas, con los trabajos de otros. Esto derivó en una dinámica de usar matrices e improvisar con los materiales que encontrábamos en la via publica. En ese momento fue algo inconsciente. Hoy veo un punto de conexion entre lo que me incentivo a buscar accion en la calle y mi manera de encarar mi trabajo el dia de hoy

GM-Con qué frecuencia pintaban?

C-Cuando empezamos, allá a fines del 2002, salíamos todas las semanas por un año. Desde el 2004 al 2006 yo pintaba solo algunas veces por año. Al conseguir ingresos pude acceder a los materiales para pintar con cierta regularidad. Fue en el 2007 cuando me enfoqué de lleno y salir a la calle era estar alerta, ver qué podía pintar y dónde. O en busca de inspiración, paredes, publicidades que me llamen la atención. Caí, me enfermé para siempre.

GM-Cuándo encontraste tu lugar o tu estilo como Cabaio?

C- En un interín de trabajos que no tienen que ver con el arte urbano comencé a comprar materiales y disponía de más tiempo para pintar. En ese momento no había variedad de colores,había pocos colores disponibles. Aún no estaba conforme con mi trabajo y todavia muchas veces me sigue pasando, pero me sentía muy bien pintando. Salía a pintar solo y de noche, y he pasando noches muy lindas y tranquilas. Ahí fue cuando me dije: “Esto lo quiero seguir haciendo, estoy seguro que quiero seguir pintando siempre”.

Un año antes de hacer la muestra con Clara Domingas (“1%”, en Hollywood In Cambodia, 2010). Me empecé a sentir un poco más cómodo y a gusto con las obras que hacía. También tiene que ver el surgimiento de las gamas de colores de MTN. Eso fue como una explosión y fue cuando conocí a Dano, que trabajaba en una tienda de aerosoles de una galería. Esto fue completamente revolucionario en mi manera de trabajar. Fue Domingas quien me incentivó y alentó a tomarmelo en serio,ella fue muy importante para mi. Y si bien en ese entonces pintaba, desde ese momento comencé a hacerlo con mucho más entusiasmo.

G- Estudiaste alguna carrera?

C-Si, arquitectura pero abandoné antes de comenzar el quinto año. En esa época ya pintaba y eso me daba más satisfacción a corto plazo. Me decidí por la pintura e intentar tomarlo seriamente. Fue por ese entonces que Marina (n.d.e. Charles, co-fundadora de Graffitimundo) organizaba unos encuentros, antes de que Graffitimundo existiera, donde se vendió uno de mis primeros cuadros. Mi alegría era enorme, yo no lo podía creer. Recuerdo que la obra era un trompetista.

GM- Cuánto influyen tus estudios a la hora de encarar una pared?

C-Me influye en cuanto a la didáctica. Aprendí en la facultad a pensar lo que hacía yy por que, a que tuviera un significado. A veces me intereso particularmente en un estilo de imágen y profundizo en su estudio. Seguramente que hay algo de la geometría también, sin duda. Yo no se si llamar a lo que nosotros hacemos como “embellecer” la ciudad,creo que hay otros factores y actores mas fundamentales que hacen la belleza de una ciudad.

No reniego del street art, siempre me pregunto quien decide que es street art y que no, si es por tamaño,talento o formas, no creo esa idea de estandarizar las manifestaciones en el ambíto publico, creo que no hay que perder la espontaneidad del uso personal del espacio público. Creo que es muy importante conservar las motivaciones para salir a la calle, sin que importe demasiado la técnica.

GM- Hay otros artistas que te marquen en este momento?

C- Estoy muy influenciado por el material de lectura que Clara Domingas me provée, como por ejemplo el antropólogo brasileño Eduardo Viveiro de Castro. También Walter Benjamin, Foucault, además, leo y releo Cortázar. En cuanto a artistas visuales me siguen gustando los que una vez me partieron la cabeza: Banksy, Blek le Rat, Acamonchi. De éste último me gusta el uso que le da a las matrices y repeticiones. De todos modos, no tengo ningún ejemplo a seguir.

GM- Qué nos podrías adelantar de las obras que van se pueden encontrar en La Lluvia?

C- Espero que interpreten el mensaje de las obras, aunque prefiero que el camino para llegar a su significado sea personal.

Hay una imagen, que pinté una sola vez antes de esta muestra, en la que un domador con una tortuga y en parte representa eso que nos exigen cuando no podemos darlo. A mi me gusta usar las imágenes una sola vez porque me aburro rápido de las mismas obras.

GM-Es bastante contradictorio que utilices una herramienta de repetición como el esténcil, y al pintarlo una vez te aburras.

C-Es contradictorio, si, pero yo me canso. Ahora quiero cerrar esta etapa. Abusar de la comodidad no me alienta, así que busco ampliar las escalas y además investigar otros elementos. Ahora, por ejemplo, estoy practicando con acuarela y lo quiero unir con el esténcil. Estoy buscando salir de esa comodidad y justamente de eso se trata Chen-Chen, el colectivo que llevamos junto a Clara Domingas y que se reparte el tiempo entre las ciudades de Buenos Aires y Salvador de Bahía. Nos incentivamos para experimentar y crear explorando nuevas herramientas y técnicas. Así descubrí que me gusta mucho dibujar, sin embargo eso sucede por épocas,cuando el contexto me lo permite.

Ver el catalogo de la muestra de Cabaio en Galeria UNION. Cierre el 11 Septiembre. Para consultas info@galeriaunion.com Galeria UNION, Carlos Calvo 736, Buenos Aires.

Ana Laura Montenegro

Cabaio exhibits in UNION

Unas imagenes de la inauguración de la primera muestra individual de Cabaio en nuestra galeria, UNION. Se puede ver el catalogo acá.

Si quieres visitar la muestra, por favor mandanos un mail a info@galeriaunion.com

“La Lluvia”, primera expo individual de Cabaio abrirá el 26 Junio

UNION presenta La Lluvia, la primera exposición individual de Cabaio.

Santiago Spirito comenzó a pintar en el año 2001 en el colectivo de stencil Vómito Attack, un arte socio-político, reaccionario frente a las consecuencias de la crisis económica. Actualmente trabaja individualmente bajo el nombre de Cabaio, y como parte del colectivo de arte Chen-Chen, junto con la artista brasileña Clara Domingas.

Mediante la superposición de plantillas compone piezas únicas e impactantes, donde se yuxtaponen planos de color, imágenes icónicas y tipografía como elemento compositivo. En su primera exposición individual, Cabaio presentará su trabajo más reciente, una colección de 20 obras sobre papel, tela y madera. “La Lluvia” expone la estética desarrollada a lo largo de su carrera, tanto en las calles como en su estudio, en una colección muy personal de obras que van desde lo emotivo e íntimo, a lo controversial y lo político.

La belleza caótica de la vida en la ciudad nos obliga a vivir con una estimulación visual abrumadora. “La Lluvia” es la catarsis de un artista que demuestra una sensibilidad a su entorno urbano, que absorbe y se alimenta de la energía volátil de la ciudad, capturando su fuerza para luego transformarla en únicas obras de arte.

Inauguración: Jueves 26 de Junio de 17hs-22hs
Cierre: 28 Agosto
Lugar: Galeria UNION, Carlos Calvo 736, San Telmo, Buenos Aires
Horario: Lunes, Miercoles, Viernes de 12 a 18hs
Por favor mandanos un mail antes que vengas para arreglar la visita a info@galeriaunion.com

Para mayor información: Marina Charles tel: 15 3153 3932 // mail: uniongaleria@gmail.com

“La Lluvia”, primera expo individual de Cabaio abrirá el 26 Junio

UNION presenta La Lluvia, la primera exposición individual de Cabaio.

Para mayor información: Marina Charles tel: 15 3153 3932 // mail: uniongaleria@gmail.com

“La Lluvia”, primera expo individual de Cabaio abrirá el 26 Junio

UNION presenta La Lluvia, la primera exposición individual de Cabaio.

Para mayor información: Marina Charles tel: 15 3153 3932 // mail: uniongaleria@gmail.com

graffitimundo se une con agrado al Instituto Cultural de Google

graffitimundo se une con agrado al Instituto Cultural de Google en el nuevo proyecto de Street Art que se estará lanzando hoy. graffitimundo es uno de los 30 integrantes globales en contribuir a esta nueva plataforma que busca documentar y preservar el arte urbano alrededor del mundo.

graffitimundo ha colaborado con más de 300 imágenes para conformar una colección de algunos de los mejores ejemplos del arte urbano de Buenos Aires, del pasado y el presente. A su vez, las muestras de graffitimundo exploran diversos aspectos de la escena y su historia.

La gran resolución de imágenes permite un alto nivel de magnificación, revelando minuciosos niveles de detalle, tales como pinceladas y texturas de la pared.

Las imágenes están disponibles únicamente para su apreciación y la plataforma es estrictamente no comercial: La propiedad intelectual tanto como los derechos de propiedad permanecen con los artistas.

Jonny Robson de graffitimundo dice: ” El Proyecto de Google Art apoya nuestro trabajo documentando y promoviendo la escena urbana de Buenos Aires. Hemos creado una colección de obras que ofrecen un vistazo de esta extraordinaria escena”

Este proyecto se lanza hoy simultáneamente en Paris y Buenos Aires. En la capital Argentina dicho evento contará con proyecciones en vivo y artistas como Pum Pum, Cabaio and Chu en acción.

Instituto Cultural de Google

Interview con Oz Montanía

Los muros de las calles de Buenos Aires están intervenidos no sólo por artistas locales. Los protagonistas de la escena del arte urbano de distintos rincones del planeta pasan por nuestra ciudad y plasman sus creaciones constantemente.

Ese es el caso de Oz Montanía, que nació en Paraguay en 1985 y desde pequeño se encontró rodeado de libros que poco a poco lo sumergieron en el mundo de la ilustración. A los 12 años comenzó a “rayar paredes”, sin embargo fue a los 17 cuando comezó a perfeccionar su estilo y así se convirtió en ilustrador, diseñador gráfico y artista urbano. Desde hace ocho años, Oz viaja por el mundo y ha volcado su arte en muros de ciudades como Toronto, Santiago de Chile, Montevideo, Johanesburgo, Cartagena, Sao Paulo, Zurich y Lima entre otras.

graffitimundo entrevistó a Oz Montanía, y compartió su experiencia en Argentina con nosotros.

GM: Cuándo pintaste por primera vez aquí?

OM: – Las primera vez que vine a Buenos Aires fue para unos congresos de diseños, sin embargo fue en el 2009 cuando pinté por primera vez junto al artista local Ice, como invitados en la muestra Sinvergüenzas, en el Centro Cultural de España junto a otros artistas locales e internacionales.

GM: Sabemos que la escena de Paraguay está creciendo mucho. Lo que yo no se es cuál es la reacción de la policía allí. O de qué manera encontrás tu espacio para expresarte con libertad. Qué opinión te merece?

OZ: Paraguay no tiene la historia de 30 años de vandalismo o arte callejero que tienen Brasil, Chile y Argentina, por poner algún ejemplo, debido a que los 35 años de dictadura condicionaron mucho las ganas de la gente de que los encuentren en la calle con un pote de pintura. Eso hace que hasta la policía no lo perciba como vandalismo, especialmente si se hace a plena luz del día. Es bastante relajado en ese sentido: Podés pintar al lado del Congreso, frente a puestos de policía y no pasa nada. Claro que hay algún que otro caso aislado, pero no es usual. En Asunción hay muchos espacios para pintar, casas abandonadas, estacionamientos, paredones en edificaciones en ruinas etc, por lo general sobra espacio.

GM: Hay quienes dicen que uno de los rasgos más distintivos del arte urbano argentino es la interacción con otros artistas. Es decir, los murales en conjunto. Qué piensas de eso? Cómo se siente trabajar con Ice?

OM: -Trabajar con Ice cambio bastante mi forma de pintar, porque lo que yo hacía antes de conocerlo era bastante básico (base, sombras, luces, outline, bien del estilo cómic) y el es un enfermo de los detalles: maneja el tae kwon do del aerosol. Tiene mucha técnica, así que fui animándome a hacer cosas que no había hecho antes. Además nos llevamos muy bien y supimos cultivar una amistad bastante productiva: Armamos workshops en Asunción y Montevideo, exposiciones colectivas y en conjunto participamos de eventos en Chile, Brasil, Uruguay, Peru. También realizamos en muros por encargo etc. Existe una relación muy bien llevada.

GM: Te acordás de alguna anécdota que te haya sucedido pintando en alguna pared de Argentina donde pensaste “esto sólo puede ocurrir aquí”?

OZ: En Latinoamérica en general la gente que te ve pintar es muy conversadora, pero Argentina es un caso especial: Si pintas en la calle tenés que acostumbrarte a hablar con todo el barrio, a responder mil preguntas y a terminar conociendo mejor a la comunidad y su gente. También a que te ofrezcan agua, escaleras, birra, bizcocho, faso… No creo que suceda en todos los barrios, pero en muchos es parte de lo cotidiano, esa solidaridad natural.

Oz Montanía ha intervenido las paredes porteñas por primera vez en el 2009 y desde entonces dice buscar “excusas para volver”. Junto a Ice han creado cientos de obras en distintos rincones del mundo y la más reciente se puede apreciar en Buenos Aires, en el barrio de Palermo, en el bar El Quetzal (Guatemala 4516) con entrada libre y gratuita a partir de las 19:00hs de martes a domingos.

Para investigar más sobre Oz y su obra: www.facebook.com/pyrotaurus

(Entrevista por Ana Laura Montenegro)

Doble Discurso

En el día 26 de mayo trascendió a través de una conferencia de prensa la decisión del Gobierno Nacional iniciar acciones legales a los padres de dos menores de edad que fueron sorprendidos graffiteando los vagones del flamante tren que costaron 1.27 millones de dólares.

Lo sucedido en los trenes de la línea Sarmiento, que funciona en Buenos Aires, se viralizó inmediatamente y dio qué hablar desde distintos sectores de la comunidad, con opiniones a favor y en contra acerca de los graffiteros.

La denuncia del Estado por daños y perjuicios a los padres de los menores se basa en el Artículo 1114 del Código Civil, el cual expresa que: “el padre y la madre son solidariamente responsables de los daños causados por sus hijos menores que habiten con ellos, sin perjuicio de la responsabilidad de los hijos si fueran mayores de diez años. En caso de que los padres no convivan, será responsable el que ejerza la tenencia del menor, salvo que al producirse el evento dañoso el hijo estuviere al cuidado del otro progenitor.”

Sin embargo, este hecho fue un disparador para comenzar a plantearnos las bases de un debate imprescindible para la construcción y modificación de nuestros códigos de convivencia y respeto.

En primer lugar, las declaraciones del ministro del Interior y Transporte Florencio Randazzo fueron sorprendentes debido a su tenor. En una entrevista radial que azuzó las redes sociales, Randazzo opinó: “Hay que matarlos, te dan ganas de matarlos, cómo pueden ser tan energúmenos. Si el pibe mío pinta un tren ¿sabes cómo le dejo el culo? Por pelotudo” ya que el Estado “hizo un esfuerzo muy grande” para conseguir los millonarios vagones.

Para un gobierno que aspira a la construcción de su modelo de país de acuerdo a la tolerancia, alegando que su oposición política está basada en el odio, las declaraciones del ministro han sido desafortunadas. Y aunque el ministro de Seguridad, Sergio Berni, intentó poner paños fríos a la situación excusando al ministro de Transporte al explicar que había sido ” un rapto de bronca e impotencia por lo sucedido” y que “no es lo que él piensa y no es lo que pensamos todos en el gobierno” no hubo ningún tipo de retractación del ministro Randazzo. Y para no perder el viaje, el jefe de gobierno porteño, Mauricio Macri aprovechó para comunicar que los graffiteros que sean descubiertos pintando los subterráneos, tendrán que limpiarlos.

Todo esto llama mucho la atención porque es en los años 50’s cuando comienzan las primeras intervenciones políticas en el espacio público, tan ilegales como las pintadas de la controversia, pero subvencionadas por los mismos sectores políticos. Esta práctica propagandística, llegada mucho antes del graffiti que explotó con la llegada de la cultura hip hop, continúa hasta el día de hoy. Basta con tomar un tren para ver cómo los pintores de diversos partidos políticos (sin excepción) nos bombardean los nombres de los candidatos por doquier.

Lo curioso es que si consideramos que cada vez que estamos frente a un graffiti de los que relacionamos con “la vieja escuela” que desembarcó en nuestras tierras con furor con la llegada de la democracia, estamos frente a un nombre. Es el nombre del artista que lo realizó. De considerar así al graffiti, podríamos decir que los primeros graffieteros fueron los políticos. Y son también los más prolíficos.

(Ana Laura Montenegro)

Galería UNION abre en Buenos Aires

Nos alegra mucho compartir con ustedes la inauguración de nuestra galería de arte y espacio de proyectos, llamado UNION. Tras meses de renovación y obras en una hermosa casona antigua de San Telmo, nuestro proyecto ya tiene un hogar. UNION reunirá los trabajos de artistas sudamericanos en una celebración al arte urbano contemporáneo.

La primera exposición presentó a diversos y talentosos artistas urbanos de Buenos Aires. Las obras que componen la muestra son de diferentes formatos y varían en soporte y técnica. Todas las obras se encuentran a la venta.

Se puede ver el catálogo en el siguiente link: graffitimundo.com/UNION_Opening_Catalogue_ES.pdf

En UNION contaremos también con el espacio para residencias artísticas, charlas, talleres y eventos. Estamos muy contentos de poder ofrecer un nuevo espacio para la comunidad artística local, y de esta forma poder continuar nuestro trabajo apoyando el movimiento de arte urbano de Buenos Aires.

Para coordinar una visita a la galería o para recibir más información, puede escribirnos a info@galeriaunion.com

Cruce de fronteras: Arte urbano, de la calle a la galería

En Octubre, la galería Gachi Prieto presentaba “Instantes”, una exposición de los artistas Defi Gagliardo y Pedro Perelman.
Gachi Prieto, una reconocida galería de arte contemporáneo ubicada en el corazón de Palermo Soho, ha generado una sólida relación con ambos artistas tras su primera exhibición en el año 2009. Fue una de las primeras galerías en abrir sus puertas a este tipo de arte.

Muchos de los talentosos artistas de las calles de Buenos Aires han perfeccionado su oficio durante más de una década, y se nota. Cuentan con una increíble habilidad basada en una amplia gama de soportes y diferentes estilos personales. Lo que para algunos comenzó como un medio de interacción en las calles, se convirtió en una búsqueda por su identidad artística, generando en su obra una impresionante evolución y transformación.
Sin embargo, incluso para los artistas con talento y experiencia, puede ser difícil encontrar el punto de conversión hacia el mundo del arte contemporáneo. Pero podemos decir que Defi y Pedro, lo han logrado exitosamente.

Ambos artistas integran el colectivo musical y de diseño FASE desde los años 90, y puede ser la razón por la cual su trabajo refleja una unidad y dinámica propia.
En “Instantes” sus obras se imponen a lo largo y ancho de la galería, manteniendo el movimiento y lo imprevisible del contexto urbano.

Los trabajos de Pedro presentan su colección de personajes: por momentos aislados en pequeños lienzos, como un zoom a una escena particular, y por otro, el reparto entero atareados en un díptico rico en simbolismos. Por su parte, podemos observar los lienzos de Defi de trazo explosivo, formas abstractas y gestuales, junto a instalaciones que presentan situaciones tanto íntimas como caóticas, construidas en asombroso detalle dentro de cajas de madera vidriada.

Así las obras hayan sido creadas para el espacio público o la galería de arte, ambos artistas continúan inspirándose en el ritmo de la ciudad, los personajes que la componen y la naturaleza de la vida en un contexto urbano. Después de haber trabajado extensamente en la calle, Defi y Pedro son sumamente adaptables y canalizan con éxito su capacidad de transcender del espacio público hacia el privado, brindándoles una nueva visión de reflexión sobre su mundo.

TOURS PRIVADOS & TALLERES

Los tours privados son ideales para quienes buscan una experiencia personalizada y completamente única ya que se organizan a medida de los intereses e itinerarios de los participantes.
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Si quisieras visitar galerías de arte emergente o conocer los talleres de artistas, podemos diseñar un recorrido especial ya que trabajamos en conjunto con los artistas más destacados.
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También se puede combinar un paseo por las galerías de arte al aire libre escondidas por la ciudad con un taller de aerosol a mano alzada o stencil guiado por un artista local en nuestra galería en Palermo.
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– salidas: disponibles por solicitud y confeccionados de acuerdo a tus horarios
– idioma: tours disponibles en inglés, castellano y francés
– incluye: transporte privado, con pick up y drop off a tu conveniencia
– además: descuento de 20% en nuestras serigrafías exclusivas: ver catálogo
¡Contactanos para consultar tipos de tour y precios!

Afuera como adentro. “Fuerza” – la nueva expo de Poeta

Como cualquier otro centro urbano, Buenos Aires es una ciudad repleta de mensajes; desde la señalética inherente al ordenamiento social hasta las publicidades que gritan constantemente a lo largo de nuestro camino por la calle. A este nivel de ruido visual, en Buenos Aires se suma también gran cantidad de mensajes políticos que abundan como en tantas otras ciudades latinoamericanas: a las gráficas oficiales se les suman comentarios anónimos y grandes pintadas por grupos organizados.

En semejante contexto, no es de extrañar que el arte callejero encuentre un público que le da la bienvenida. En una ciudad donde la mayoría afirma no acordarse de algún momento en el que no existían las pintadas políticas, es de entender que más de una persona agradezca la presencia inesperada de un mural artístico, sin ánimo de lucro alguno.

En el medio de tanto ruido, murales de colores brillantes y formas abstracta, como los creados por el artista Poeta, nos ofrecen un bello reposo. Sorprende semejante expresión pura de alguien que no nos pretende decir nada concreto sino obligarnos a frenar, y contemplar. Su arte invita a experimentar otro espacio, lo cual hace muy bien en esta ciudad tan caótica.

Poeta es el claro ejemplo de un artista cuya obra se traduce fácilmente tanto afuera como adentro. Sus murales impactan en el espacio público así como en espacios fuera de la calle, su trazo es coherente así sea una pared ó lienzo. Poeta actúa a partir de un impulso artístico puro y manifiesta su mensaje donde sea que encuentre su marco. No es como el graffiti “tradicional” que se define por la naturaleza de su contexto, sino que en este caso el artista ha descubierto su voz y comparte su creatividad donde sea que esté. Lo cierto es que el observador percibe una continuidad en la obra de Poeta, aunque la encuentre de casualidad en medio de la vorágine citadina o en la quietud de una galería de arte.

Actualmente, el artista expone sus trabajos en la galería Honeycomb. Su muestra “Fuerza”, explora medios que van desde el acrílico hasta la acuarela y la tinta, sus obras de colores brillantes y complejas formas geométricas nos llaman desde soportes variados como el lienzo, el papel y la madera. La exposición presenta piezas de tamaño pequeño, como aquellas sobre papel, y fascinantes lienzos de mayor tamaño, además del mural que nos recibe a la entrada de la galería.

¡No hay que quedarse dormidos, tienen hasta el 14 septiembre para visitar “Fuerza”!

Para visitar la muestra, escribir a info@inthehoneycomb.com – Evento de Cierre: Sábado 14 de Septiembre, de 18 a 22 horas

Para ver más de la obra de Poeta, visiten su web www.christianriffel.com

(English) Buenos Aires invades Washington DC

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en English.

Termina el rodaje de “Paredes Blancas No Dicen Nada”

Tras varios meses de filmación, nos alegra mucho contarles que finalizamos la primer etapa de producción de nuestro documental “Paredes blancas no dicen nada“.

Fue una experiencia intensa e increíble. Con un pequeño equipo de cinco personas, de tres países diferentes, realizamos 50 entrevistas y filmamos cientos de horas de material.

Comenzamos el rodaje con una clara idea de a quienes entrevistar y qué queríamos capturar con el documental. Tras varios años investigando arte y activismo en las calles de Buenos Aires confiábamos en la historia y en cómo queríamos contarla. Pero a pesar de toda nuestra preparación, el proyecto tomó vida propia.

Entrevistamos artistas con quienes trabajamos hace años, varios ya amigos y, sin excepción, cada una de las entrevistas nos trajo algo nuevo e inesperado. A veces se trataba de una historia que no habíamos escuchado y otras veces una perspectiva que no habíamos considerado. Todas las entrevistas abrían nuevos caminos a investigar.

El documental nos dio la oportunidad de hablar con un gran número de artistas y activistas, todos ellos de antecedentes muy variados, quienes estuvieron activos durante diferentes momentos de la historia. En varias oportunidades quedamos completamente asombrados por las vidas y las acciones que realizaron. Comenzamos a encontrar puntos de encuentro entre artistas y activistas pertenecientes a distintas generaciones y disciplinas. Fue evidente que, aunque los métodos y el contexto cambien, existió una motivación en común detrás de cada una de las intervenciones.

Estamos más que agradecidos por la riqueza de conocimiento y experiencias que los principales académicos e historiados compartieron con nosotros. Aportaron información invaluable para nuestra investigación en cuanto a las tradiciones que influenciaron la relación entre acción, protesta, la pintura y el espacio público. Todo esto nos ayudó a encajar los distintos elementos en la historia.

Entre entrevistas, aprovechábamos para explorar los distintos barrios de Buenos Aires, capturando los contrastes entre los barrios más elegantes a menudo comparados con ciudades europeas, con barrios más humildes, de arquitectura menos pretenciosa y colorida que ubica a Buenos Aires como una de las ciudades más eclécticas de Latinoamerica. Buscamos nuestra inspiración en las calles y en los transeúntes mismos, cuyos rostros y generosidad de anécdotas hubieran servido de material suficiente para toda una película.

Estamos muy agradecidos a todos los que formaron parte de esto, a todos los que compartieron su tiempo y vidas con nosotros y a todos aquellos que apoyaron la producción del documental. Estamos seguros que se viene algo increíble y estamos muy contentos de poder compartirlo.

Actualmente estamos trabajando en la primer fase de la edición, procesando cientos de horas de material. Capturamos más de lo que esperábamos por lo que el documental ya tomó vuelo propio. La nuestra es una historia de arte y activismo en Argentina, pero quizás lo más importante es que es una historia sobre resistencia y el poder de expresión.

Arte Urbano Argentino llega a EE.UU

graffitimundo presenta la exposición colectiva “The Talking Walls of Buenos Aires”. Inaugura Sábado 13 de Julio en The Fridge, Washington DC. Será la primera vez que la escena de arte urbano argentino se presente en los Estados Unidos.

El arte urbano de Buenos Aires es el reflejo de la compleja historia reciente y la riqueza cultural de la ciudad. Durante el último siglo las paredes de la ciudad han sido intervenidas por artistas, activistas, grupos políticos y por sus transeúntes, estableciéndose como un medio de expresión sumamente dinámico.
Durante las últimas dos décadas, se desarrollaron diversos estilos artísticos. La crisis devastadora que afectó a la Argentina en el año 2001, gestó una generación de jóvenes artistas, determinados en hacer de la calle la forma de reclamar su ciudad. Unidos por un espíritu de colaboración y solidaridad, dieron origen a un estilo visual único y distintivo.

“The Talking Walls of Buenos Aires” reúne murales & obras originales de los principales artistas y colectivos de artistas argentinos junto con instalaciones de video y fotografía que documentan el paisaje urbano porteño y momentos clave en la historia del país.

La exposición celebra una forma de expresión enraizada en el activismo y el deseo de transformar el espacio público, modificando las convenciones sobre qué es graffiti, qué representa el arte callejero, quién lo crea y por qué.

Artistas participantes

Buenos Aires Stencil / Cabaio / Chu / Defi / Dobleg / Ever / Fede Minuchín / Gualicho / Jaz / Malatesta / Mart / Pastel / Pedro Perelman / Poeta / Prensa La Libertad / Pum Pum / Roma / Stencil Land / Sonni / Tec / Tester

Información del evento

“Talking Walls of Buenos Aires” inaugura el 13 de Julio de 2013, a las 18hs en The Fridge, 516 1/2 8th Street SE, Washington, DC 20003

Nota para los editores

graffitimundo

graffitimundo es una organización de apoyo y difusión de la escena de arte urbano de Buenos Aires. La organización trabaja para promover esta escena única de arte y apoyar los esfuerzos de los artistas locales.

Contacto: info@graffitimundo.com

THE FRIDGE

The Fridge DC es una galería de arte, performance, para eventos musicales y educativos ubicada en Barracks Row el histórico barrio de Washington DC.

The Fridge: 516 1/2 8th Street SE, Washington, DC 20003

Abiertos: Jueves a Sábado de 12 a 20 hs. Domingo de 13 a 17hs

Contacto emma@thefridgedc.com

“Respiración” – nueva exposición de Gualicho en Honeycomb

Si no tuviste la oportunidad de pasar por a Honeycomb (un espacio organizado por artistas que funciona tanto como punto de encuentro, clínicas de artistas y galería de arte) para ver la actual exhibición “Respiración” de Gualicho, te recomendamos que lo hagas antes que termine a fines de Junio. Una gran colección que representa su estilo ecléctico y dominio sobre diferentes soportes y técnicas.

Las obras de Gualicho recorren un camino entre el mundo externo e interno. Evidente en títulos como “Use your pain” y “Espacio interior y exterior”, el artista se adentra en nuestros procesos más íntimos, explorando la relación entre las profundidades de la naturaleza humana y la luz del mundo en vigilia.

La exhibición se compone de obras sobre lienzo, piezas de madera recuperada, platos de cerámica y azulejos. También podemos ver serigrafías y la paleta típica de Gualicho compuesta por colores vivos y formas místicas. Paisajes misteriosos e inquietantes bajo la luz de la luna que se despliegan sobre extensos lienzos. Piezas plagadas de simbolismo que dejan entrever provocativas visiones del mundo interior de Gualicho.

Sus serigrafías presentan mundos laberínticos compuestos por formas orgánicas y amorfas en perfecta armonía con componentes industriales, creando así el universo surrealista de Gualicho.

Para ver el catálogo de la exhibición, o para concretar una visita a la galería Honeycomb, por favor contactarse con Honeycomb por email a:info@inthehoneycomb.com

Defi: Carnaval en Hollywood in Cambodia

“Carnaval” de Defi es la primera de las tres exposiciones consecutivas del grupo colectivo FASE en Hollywood in Cambodia, una exhibición en donde la vitalidad y el color no tienen límite.

El trabajo de Defi transmite constantemente un tipo de energía cinética. Así sea una pintura sobre lienzo, madera o sus cajas con intrincadas esculturas en miniatura; sus obras expresan acción y movimiento. Los lienzos de Defi se han convertido más abstractos en los últimos años. Los personajes felinos previamente asociados con su trabajo artístico, han sido sustituidos por intensas pinceladas de color.

A través de sus esculturas en miniatura encapsuladas en su “Caja de juguetes”, como él los llama, Defi ha explorado la idea de converger energías de una manera narrativa más sutil. Por un lado los personajes parecen ser insignificantes figuras en miniatura, pero al mismo tiempo, nos dirigen a sus mundos y cuentan sus propias historias, invitando a una interpretación libre por parte del espectador. Cada pieza dicta su propio drama – un marinero remando en el mar en una pequeña embarcación de madera, una señora esperando a su amor sentada en una vieja camioneta llena de girasoles, una escena tragicómica en los alpes , etc.

Estos diminutos protagonistas asumen riesgos, y enfrentan sus crisis con estoicismo. Defi capta el momento en que el tiempo parece haberse detenido, asumiendo el papel de narrador, observador y a su vez de artista, subvierte la realidad y encierra ese momento dentro de sus estructuras de madera, conservándolo para siempre.

Hay humor, alegría y juego encapsulado en estas piezas que reflejan acertadamente el título “Carnaval” de la exhibición. Se ve claramente una influencia de la cultura y del país del artista y de la condición humana en sí – por lo que hasta dentro de un contexto como el de una galería, puede verse en cierta forma la influencia de las calles sobre su trabajo.

Se podría decir que la obra de Defi canaliza aspectos importantes de la vida en Buenos Aires. Las piezas reflejan características propias de la ciudad – la energía caótica de la metrópoli donde la gente vive el ahora, traspasando de una crisis a otra. Pero son los momentos perfectos entre la crisis y el caos en donde se puede encontrar la verdadera belleza.

Muestra de Defi “Carnaval” en Hollywood in Cambodia, 1 piso, Thames 1885, Palermo, Buenos Aires. Abierta 18-21hs Martes – Domingo. Cierre este Domingo 9 Junio – asi que no te pierdas!

(English) Beautiful new mural from Mart in Palermo

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Ever's controversial mural — The previous controversial piece by Ever

PUENTE: Un Proyecto De Arte Publico En Córdoba

Cuando se habla de arte callejero en Argentina, hay una tendencia a referirse a su capital, Buenos Aires. Sin embargo, el talento callejero se encuentra muy bien repartido por otras provincias argentinas. La ciudad de Córdoba y sus artistas, son un perfecto ejemplo de talento y desarrollo de un lenguaje de arte urbano propio.

El artista cordobés Tec con su hermoso proyecto documental Ruta 9 del año 2010, apuntó a embellecer el paisaje y fachadas de edificios abandonados y en decadencia a lo largo de dicha ruta, todo a bordo de su auto.

En años más recientes, la escena de arte urbano de Córdoba recibió un gran impulso de la mano de la Galería Kosovo, el primer espacio manejado exclusivamente por artistas, entre ellos el increíble Elián.

Además de curar exposiciones de lo más variadas, Kosovo ha sido instrumental en desarrollar varios proyectos de regeneración del espacio público, colaborando de esta forma en establecer un fuerte vínculo entre la galería, la calle y la comunidad local.

Puente es el título de su más reciente proyecto, apoyado en gran medida por el gobierno y el sector privado local. La idea detrás de Puente es impulsar la renovación urbana. Además de murales pintados por los artistas Martín Ron, Elian,Gualicho y Peter Quatrix, varias áreas de la capital fueron iluminadas, limpiadas y mejorados los servicios públicos para personas con discapacidades.

Otro excelente ejemplo de cómo grupos de artistas, administraciones locales y organizaciones comerciales pueden trabajar juntos embelleciendo y mejorando el espacio público. En un país donde el arte en el espacio público es celebrado y tolerado en gran medida, la calle sirve como plataforma de creación y desarrollo artístico de generaciones de artistas con deseos de lograr un cambio positivo al espacio en el que todos vivimos día a día.

Pop Up II: Lo Desconocido

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Galería POP UP en La Boca

Un par de años atrás, el artista Poeta organizó un proyecto de arte increíble. Por un fin de semana, una casa en ruinas en Las Cañitas se transformó en una galería pop-up , con murales, instalaciones y obras de arte a partir de una selección de artistas urbanos.

Este año Poeta ha encontrado una nueva ubicación para el proyecto – un hermoso edificio de época en una parte aislada de La Boca. Durante los últimos días una gran cantidad de artistas han estado trabajando tanto en las paredes externas como las internas, creando murales, instalaciones, un espacio para exhibir obras de arte y video arte también.

La inauguración tuvo lugar el Viernes pasado – dando a los visitantes la oportunidad de conocer el espacio. Se podía visitar trabajos que estaban aún en curso y una selección de obras de galerías de arte exhibidas por el espacio.

Esta noche (27/03) es el principal evento – la fiesta de clausura, y la primera y única oportunidad posible para ver las instalaciones y murales terminados.

Esto será sin duda uno de los eventos de arte urbano más importante del año! No te lo podés perder!

(English) “White Walls Say Nothing” production update

Muestra Pop Up

"White Walls Say Nothing" begins filming

Sabemos que hemos estado algo callados estos últimos meses. Sin embargo, no es porque estuviésemos inactivos! Después del éxito de la campaña de Kickstarter, venimos trabajando mucho para planear las próximas etapas del documental.

Nuestros investigadores estuvieron explorando videos y archivos fotográficos, buscando material que reviva el pasado de Buenos Aires. Hemos recorrido diferentes lugares, realizamos muchas entrevistas y planeamosla logística de la filmación. También estuvimos proyectando a futuro, trabajando para asegurarnos que tendremos la financiación necesaria para llegar más allá de la producción.

Nuestro equipo ya está armado y listo, a punto de comenzar ocho semanas de rodaje intensivo, con entrevistas y siguiendo de cerca a los artistas. Hemos estado trabajando por más de dos años en este film, ysentimos que todo lo que hemos hecho hasta ahora ha sido en preparación de este momento.Estamos increíblemente emocionados de poder empezar, y estaremos publicando regularmente actualizaciones durante el rodaje y en el Tumblr tambien White Walls Say Nothing

Es una sensación increíble, saber que estamos haciendo este film gracias a vuestro apoyo. No podríamos haber llegado hasta aquí sin ustedes, así que una vez más – GRACIAS!

graffitimundo & el equipo de Paredes Blancas

(imagen: rundontwalk)

(English)New collaboration between Ever & ROA

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(English) Kickstarter campaign – thank you!

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(English)Incredible artwork from Tester

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Charla en el auditorio malba “Paredes Que Hablan”

graffitimundo presenta: charla en el auditorio malba “Paredes Que Hablan” – Reflexiones sobre Intervenciones Urbanas“

Proponemos una oportunidad de re-pensar el rol del espacio público, presentando a artistas y académicos que cuenten cómo intervinieron el paisaje urbano para hacer pública su voz.

Artistas y académicos participantes: Juan Carlos Romero, Ral Veroni, Claudia Kozak, Alfredo Segatori “Pelado”, Dano, Pastel, Jaz, Sindicato Hollywood in Cambodia, FASE / DOMA

Para más información sobre el evento click aca

Al final de la charla presentaremos el trailer oficial de nuestro documental “White Walls Say Nothing” (Paredes blancas no dicen nada) que es el primer film en explorar el arte urbano y activismo en Buenos Aires.

“Paredes que Hablan” Lunes 22 de Octubre, 18hs-20hs, en el Malba, Av. Figueroa Alcorta 341

Bono contribucion $40, amigos y estudiantes con acreditacion $20

Todos los fondos recaudados por el encuentro serán destinados a la Fundación Constantini

Las Raíces del Arte Urbano de Buenos Aires

La escena contemporánea de arte urbano de Buenos Aires es producto de los acontecimientos políticos más recientes, así como de una larga tradición de expresión pública. Para comprender su rol es necesario analizar con detenimiento las raíces de esta forma de expresión, desafiando los preconceptos existentes sobre graffiti y arte urbano.

Usar el arte para comunicarse con las masas supo ser una idea excelente y revolucionaria. Hace ya casi un siglo en Mexico, nacía un movimiento artístico fuertemente motivado por temas sociales y políticos que no tardó en expandirse por Latinoamérica. Este movimiento utilizaba el espacio público para educar, inspirar y movilizar las conciencias inyectando arte en sus calles.

El muralismo mexicano dejó una fuerte huella en Argentina pero, debido al clima político opresivo del momento en el que sus artistas llegaron al país, no lograron dejar en suelo porteño sus característicos murales de grandes dimensiones.

Frente a la imposibilidad de dejar en suelo argentino sus conocidos murales en el espacio público, el artista David Alfaro Siqueiros se sirvió del stencil para plasmar sus opiniones sobre la política del momento. Con dicha intervención, potenció la expresión en el espacio público con un método eficiente, expresando sus ideas sobre la dictadura que asolaba el país en el momento.

Artistas locales, como Anotonio Berni, se sintieron fuertemente atraídos por el movimiento mexicano y respondieron desarrollando, tal es el caso de Berni, murales móviles que llevaba consigo en manifestaciones públicas.

A lo largo de los años, los argentinos se han enfrentado a vaivenes democráticos, dictaduras militares y crisis financieras que han nutrido el deseo de expresión de su ciudadanía. Uno de los resultantes de las diversas represiones de derechos contribuyó a la apreciación del derecho de libertad.

Aún en medio de regimenes militares se sucedieron protestas, demostraciones de militancia e intervenciones en el espacio público. De esta forma, Argentina comenzó a desarrollar un lenguaje visual propio de protesta y resistencia, y la calle se volvió el canal lógico para este tipo de demostraciones.

Las calles argentinas estuvieron cubiertas de posters, stencils, graffiti y escritos de todo tipo desde que los argentinos tienen memoria. Las pintadas políticas y el arte activista han sido clave en las calles argentinas, a lo largo del siglo pasado. Los únicos momentos en los cuales las paredes permanecieron blancas y vacías ocurrieron durante la supresión del derecho de expresión.

Comprender esta larga tradición de expresión y uso del espacio público, es clave para observar el comportamiento de las paredes de Buenos Aires.
La técnica del stencil tiene casi 100 años de vida como herramienta de militancia y expresión. Su uso dio un salto hacia las calles tras la crisis económica del 2001 re-significando el poder que esta herramienta tiene para los argentinos.

Tras la crisis económica, las calles estaban cubiertas por propaganda y negatividad. Fue en ese momento que colectivos de arte como DOMA & FASE intentaron inyectar optimismo al espacio público, creando obras callejeras que rompieron la monotonía instaurada por los escritos políticos. Eligieron lugares sucios y abandonados de la ciudad para pintar sus personajes coloridos a gran escala y así sus simples y vibrantes imágenes creaban un contraste único con los alrededores de una ciudad post crisis. Fue sin dudas un concepto audaz que ayudó a redefinir la relación con el espacio público. Sin embargo, esta idea pudo haber sido pasada por alto por cualquiera que ignore el contexto en el cual estos artistas trabajaban y, de esta forma, no poder ver más allá de los personajes en las paredes.

Uno de los aspectos más impactantes de la escena de arte local es la escala y complejidad de sus piezas urbanas: edificios cubiertos por trazos abstractos que en colores vibrantes contrastan al lado de edificios residenciales. Algunas obras son pintadas con permiso y otras no. Los visitantes de Buenos Aires luchan por comprender cómo obras semejantes pueden ser pintadas sin demasiada planificación y sin meterse en problemas con las autoridades locales. Estas preguntas son válidas, pero para comprender la tolerancia generalizada respecto a estas obras, es necesario indagar en la historia particular de la ciudad.

Pasamos cuatro años compartiendo las historias que se ocultan detrás de los muros de Buenos Aires. Uno de los aspectos más gratificantes de esta labor es ayudar a transformar la manera en la cual las personas miran las paredes, su arte, qué comunica y qué representa.

Mediante nuestro documental “Paredes blancas no dicen nada“ esperamos capturar más de estas historias y llevarlas a una audiencia mayor. Cada historia merece ser contada.

Si estas interesado en este documental, por favor, considerá apoyar nuestro proyecto en la plataforma online Kickstarter.

“Paredes Blancas No Dicen Nada” lanza su campaña de Kickstarter

En los últimos 4 años hemos trabajado para poder desarrollar el perfil de la escena del arte urbano de Buenos Aires, trabajando en conjunto con la red de artistas que la compone.

Hace 2 años empezamos un proyecto para documentar la escena de arte local y explorar sus raíces. Comenzamos entrevistando artistas, buscando entre material archivado, filmándolos mientras trabajaban y capturando sus historias. Nuestra meta es hacer un largometraje documental que explora el arte urbano y el activismo, y como el rol de la expresión en el espacio público cambia constantemente.

Tenemos un equipo brillante que ha invertido 2 años de trabajo en este proyecto, pero para poder finalizar la filmación y realmente hacerle justicia al proyecto necesitamos apoyo económico para cubrir los costos básicos de producción.

Para que puedan apoyar nuestro proyecto, hemos iniciado una campaña para recaudar fondos a través de la plataforma online llamada Kickstarter. Para aquellos que no estén familiarizados con Kickstarter, este es un programa de financiamiento para proyectos creativos. Lo bueno de Kickstarter es que podemos involucrar a la gente en la producción de nuestro film y ofrecerles recompensas por su apoyo al mismo tiempo.

Pueden visitar nuestra página en Kickstarter hasta el 31 de Octubre para obtener más información sobre nuestro documental y realizar donaciones a cambio de recompensas únicas, entre ellas piezas originales de algunos de los principales artistas locales.

Kickstarter funciona bajo una premisa de todo o nada. Nos dimos 30 días para poder alcanzar nuestra meta y si nos quedamos cortos en la recaudación, no obtenemos nada. Así que aunque piensen que no puedan contribuir con mucho – por favor sepan que cada peso cuenta! Y cada esfuerzo que hagan en ayudarnos a promover el proyecto significa más posibles financiadores.

El link completo del proyecto en Kickstarter: kck.st/whitewallssaynothing

Si pueden ayudarnos a difundir este proyecto por facebook, twitter y todos sus contactos, estaremos eternamente agradecidos.

Debajo, podes ver el trailer de la película que queremos hacer. Solo con tu apoyo podremos hacer este sueño realidad. Esperamos poder contar con tu contribución!

“The Talking Walls of Buenos Aires”

“Paredes Blancas No Dicen Nada” documental

“Las Paredes Blancas No Dicen Nada” es un largometraje documental que estamos produciendo sobre arte, activismo y expresión en las calles de Buenos Aires.

No hay otra ciudad como Buenos Aires. Una cultura única que ha sido moldeada por su turbulenta historia, creando una ciudad llena de contrastes y contradicciones. En ninguna parte esto resulta más evidente, como en sus paredes.

Graffitimundo nace tanto del deseo de apoyar esta extraordinaria escena de arte urbano, como a los artistas que nos han inspirado. Fuimos cautivados por las paredes de la ciudad y las historias que cada artista quiso compartir con nosotros.

A medida que nos fuimos involucrando con la historia de las paredes de Buenos Aires nos dimos cuenta que manifestaban mucho más que el talento de una generación de artistas. Las paredes eran un medio de expresión, arte, activismo, proganda y opinión pública. Fueron usadas para desafiar dictadores, denunciar atrocidades contra los derechos humanos y difundir las historias que la prensa no osó tratar.

Hemos pasado tres años investigando la cultura de arte urbano de la ciudad, trabajado con artistas, activistas, académicos y el público en general para poder entender mejor el rol que cumplen las paredes de la ciudad. Todos estamos muy comprometidos para poder realizar este documental, sin embargo hemos llegado a un punto a partir del cual para poder continuar necesitamos contar con apoyo económico. Estamos a punto de lanzar una campaña con kickstarter que esperamos nos brinde los fondos necesarios para cubrir los costos básicos de producción del film.

Para aquellos que no estén familiarizados con Kickstarter – éste es un programa de financiamiento para proyectos creativos, donde se ofrecen recompensas a los seguidores por su aporte económico. Tenemos increíbles recompensas para ofrecer, incluyendo piezas originales de algunos de los artistas líderes locales. Esperamos que todos puedan apoyar nuestro proyecto!

Estamos terminando los últimos detalles del avance del documental. El lunes, 1 de Octubre lanzaremos la campaña para recaudar fondos. Muy pronto publicaremos más detalles! Hasta entonces, los dejo con algunas fotos del film…

graffitimundo presents: The Talking Walls of Buenos Aires

graffitimundo presenta “The Talking Walls of Buenos Aires”, una exposición que explora la cultura de arte urbano de Argentina. La muestra presenta obras y murales de los principales artistas y colectivos de artistas argentinos, como también instalaciones de video y fotografía que ilustran momentos decisivos de la historia argentina que dieron pie a la formación de la escena local.

La exposición celebra una forma de expresión enraizada en el deseo de transformar el espacio público y el activismo político, y de esta forma desafía convencionalismos sobre qué es graffiti, qué representa el arte callejero, quienes son sus creadores y por qué.

Artistas:

Cabaio Stencil / Chu / Corona / Defi / Ever / Fede Minuchin / Gonzalo Dobleg /Gualicho / Jaz / Malatesta / Mart / Nasa / Pastel / Pedro Perelman / Poeta / Prensa La Libertad / Pum Pum / Roma / SAM / Stencil Land / Tec / Tester / Zumi

Vista privada: Miércoles 5 septiembre 18hs
Inauguración: Jueves 6 de septiembre, de 18-22 horas
Entrada gratuita. Abierta al público todos los días de 12-19hs, desde el 6 hasta 13 de septiembre

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Londonewcastle Project Space
28 Redchurch Street
Shoreditch
London
E2 7DP

Elian

Conocimos a Elian el año pasado cuando vino a Buenos Aires, desde su Córdoba natal, especialmente para el festival Meeting of Styles dejando una pieza abstracta y sutil que exploraba la forma y el color.

Desde entonces nos convertimos en fieles seguidores de su trabajo y elegimos obras de su flickr para mostrarles, todas hechas en los últimos dos años. Pueden apreciar la evolución de su trabajo al explorar con formas en dos y tres dimensiones, colores y el potencial de la interacción a través de la transparencia.

Elian presentará su trabajo individual en una exposición en Hollywood in Cambodia, que inaugura el miércoles 27 de Junio. El show indagará la relación entre la materia y el espíritu humano mediante el contraste y la transparencia.

Suena muy interesante; imperdible si están en Buenos Aires! Pueden encontrar más información sobre la muestra en Facebook

El Centro Cultural del Borda

(Imagen: “El Interno” por Alfredo Segatori)

El Borda es el hospital psiquiátrico público de la Ciudad de Buenos Aires, situado en un precario edificio de Barracas. El hospital alberga miles de pacientes y provee servicio ambulatorio a miles más. Es el principal hospital neuropsiquiátrico de Argentina, pero sus edificios se encuentran en un estado notable de deterioro e incluso estuvo un año sin suministro de gas. Si no hubiera sido por el staff del hospital que compró estufas eléctricas de su propio bolsillo, el edificio entero no habría tenido calefacción.

El centro cultural del Borda se desarrolló rápidamente en los últimos años. Un gran edificio desocupado dentro del predio del hospital fue transformado en un espacio de múltiples funcionalidades con su propio teatro, hall de exposiciones con “arte brut” (arte marginal) de los pacientes junto con pinturas y murales del staff y artistas locales. Todos son bienvenidos a participar: visitantes, artistas locales y colectivos de artistas trabajan con el centro cultural y sus pacientes. Visité la institución junto a Joss de foto-ruta quien trabaja con el centro desde hace unos años y documentó la progresiva transformación de un edificio abandonado, a un centro cultural colorido y activo.

El año pasado, se corrió por Facebook la noticia que Banksy visitaría el centro cultural del Borda para exhibir su trabajo. Miles de personas alrededor del país anunciaron su intención de peregrinar hasta Barracas para ver sus obras en persona. El revuelo que causó semejante evento fue tal que los representantes de Banksy debieron salir a desmentir la presencia del artista en Buenos Aires. Sin embargo, el interés creado a raíz de dicha presencia ficticia, sirvió para crear conciencia de que el Borda posee un centro cultural activo que merece la atención.

Un artista una vez me confió que los sucesos artísticos más importantes de la Argentina, invariablemente nacieron de la solidaridad y motivación personal de la gente. Ya que no se puede confiar enteramente en el compromiso del Estado y sus instituciones, las personas simplemente toman cartas en el asunto. La carencia de presupuesto generalmente se contrarresta con entusiasmo e inventiva.

Las condiciones edilicias del Borda son claro testamento de la negligencia institucional pero, lo que sin dudas es impresionante, es el férreo compromiso del staff y sus voluntarios. Hacen que el trabajo producido dentro del centro cultural sea aún más inspirador.

Más información: espacioculturalborda.blogspot.co.uk

Roma & Sam crean el gigante de Ballester

La semana pasada pasé una tarde en Villa Ballester con Roma para que me muestre sus últimos trabajos. Me gusta pasar por Ballester cada vez que puedo, queda justo fuera de la capital y está repleta de piezas hermosas, lo cual genera un buen contraste con el aire residencial que se respira en el barrio.

El último mural de Roma fue realizado en colaboración con Sam. Ambos artistas dan rienda suelta a formas abstractas y colores vibrantes, y sus estilos se complementan a la perfección. La obra es gigante. Un gigante de 40 metros, compuesto por siluetas arremolinadas y colores psicodélicos se reclina contra la pared de un depósito. Cada sección del gigante está pintada en bellísimo detalle y cada parte de su cuerpo es una obra de arte en sí misma.

Es muy difícil hacerle justicia a la obra solo mediante fotos. No hay forma de recrear la sensación de estar paseando por un tranquilo barrio residencial y descubrir un gigante de 40 metros que se abre camino al final de la calle. Las únicas personas que vivirán el verdadero impacto de la pieza son los vecinos del barrio y es esto justamente lo que Roma busca. Villa Ballester está convirtiéndose lentamente en lo que podríamos llamar la capital latinoamericana del graffiti abstracto.

Jonny Robson

Nuevo mural de Ever en Open Walls Baltimore

Uno de los aspectos más inspiradores de nuestro trabajo es ser testigos del desarrollo estilístico de los artistas. Conocimos a Ever allá por el 2008 y enseguida nos cautivó su picardía y su sentido del humor. En ese momento, pintaba chihuahuas combinándolos con retratos de ex novias por todo Buenos Aires y ya se podía ver su personalidad filtrarse a través de sus pinturas.

Sus trabajos recientes tienen un tono diferente y presentan yuxtaposiciones, por demás creativas, de retratos realistas con formas abstractas. Esta temática fue incorporada en su pieza más reciente como parte del Open Walls Baltimore, donde realizó un mural extraordinario que se extiende a lo largo de un edificio.

La idea del mural surgió a raíz de un comentario que Ever escuchó en un colectivo durante la gripe porcina que azotó Buenos Aires. El servicio de transporte público suele estar bastante congestionado durante las horas pico y, durante el período de la gripe porcina, los humores estaban bastante caldeados a toda hora. Un vendedor ambulante que subió a un colectivo notó las miradas amenazadoras de la gente al menor estornudo y comenzó su discurso de venta diciendo: “Recuerden: el cuerpo es solamente un traje para usar en la Tierra”. Esa frase quizás no le haya ayudado en las ventas pero causó una gran impresión en Ever.

Ever tomó esa frase como inspiración y creó un collage junto a Rosanna Bach que explora la relación entre mente, cuerpo y alma. Este collage se convirtió en las bases del mural de Baltimore, una impresionante pieza que demuestra el talento y habilidad de Ever en plasmar sus ideas a grandes escalas.

Queremos compartir con ustedes fotos del mural tomadas por las legendaria fotógrafa Martha Cooper, a quien Ever tuvo el placer de conocer durante su estadía en Baltimore.

Ever está muy solicitado en este momento y en breve andará pintando por España, Alemania y Londres en el marco de numerosos festivales y exposiciones. Tenemos muchas ganas de ver qué hace próximamente!

Todas las imagenes son propiedad de Martha Cooper.

“Arte Patricios” – galería de arte al aire libre

Parque Patricios es un barrio para no perder de vista. Un lugar tradicional, que alberga residencias de principio del siglo pasado, un gran parque público y una flamante nueva línea de subte. Se invirtió mucho en el barrio en los últimos años y, uno de estos proyectos, es la construcción de la nueva sede del Banco Ciudad, ubicada en la manzana adyacente al parque.

Arte Patricios fue un evento innovador que reunió una docena de artistas en un fin de semana, creando una galería de arte al aire libre alrededor del perímetro de la obra de la nueva sede del Banco Ciudad. Se dispusieron paneles de madera sobre las chapas que bordean la construcción para ser intervenidos por cada artista, varios de ellos incluso continuaron sus diseños fuera de su panel, sobre el metal.

Llegamos tarde al último día del evento tras perdernos en el camino. Mientras que Parque Patricios es un barrio para no perder de vista, aparentemente también es un barrio de acceso complicado – por lo menos eso dijo nuestro taxista! Es por eso que, desafortunadamente, no hicimos a tiempo de sacarle fotos a todas las obras expuestas pero, si les interesa pegarse una vuelta, los paneles permanecerán colgadas alrededor del perímetro por 8 meses. Finalizada la construcción de la nueve sede del banco, las obras serán rematadas.

Por lo que vimos, el evento fue genial y su concepto muy interesante: transformar el perímetro de una obra en construcción en un lugar atractivo y colorido para los residentes locales. Fueron dos días de una onda muy linda: los artistas pintando en vivo a la vista de los vecinos que paseaban y disfrutaban de los nuevos colores que tomó su barrio.

Chu + Defi + Tec in Choque Cultural Sao Paulo

Los argentinos Chu, Defi y Tec inauguran su exposición “BsAs” en la galería Choque Cultural de Sao Paulo el sábado 28 de abril.

Estos tres artistas, pioneros en el arte callejero de Buenos Aires, trabajan juntos desde que se conocieron en la Universidad de Buenos Aires hace más de 10 años. Compartiendo ideas provenientes del Hazlo tú mismo, formaron los colectivos de artistas Doma y Fase y así jugaron papeles clave en el movimiento artístico que nació tras la crisis económica argentina del 2001.

La vitalidad y audacia de sus obras, guardando siempre guiño con el público, demonstraron el poder del arte callejero para transformar el espacio público. Sus primeras intervenciones públicas desempeñaron un papel importante en la definición de la relación entre el artista, el arte callejero y el público.

A pesar de que sus provocativas obras encuentran una resonancia natural en las calles, Chu, Defi y Tec han trabajado desde siempre en una amplia variedad de formatos. Los artistas individualmente poseen un estilo único y distintivo pero mantienen un ethos colectivo: su trabajo en conjunto trasciende a cada uno de ellos transformando el espacio en el que trabajen, tanto interior como exterior. Su nueva exposición en Choque Cultural revela como su arte evolucionó tras una década de explosivas intervenciones.

“BsAs”, de Tec, Defi y Chu @ Choque Cultural
28 de Abril – 2 Junio 2012
Dirección: Rua João Moura, 997, Pinheiros
Teléfono: (11) 3061-4051
www.choquecultural.com.br

images from top: chu, tec + defi

“Pájaro” – nueva exposición de Poeta

“Pájaro” es la nueva exposición de Poeta en la galería Hollywood in Cambodia.

Poeta es uno de los grandes artistas pertenecientes a la generación que comenzó a pintar graffitis en los 90s junto con Roma, Jaz, Ever & Mart. Como sus contemporáneos, el estilo y técnica de Poeta evolucionaron con el correr de los años y sus graffitis de letras dieron paso a creaciones abstractas y figurativas.

Para su primera exposición individual, Poeta reflexiona sobre la libertad y el espacio, haciendo uso de la figura del pájaro como metáfora: su relación con el ámbito urbano y su libertad de explorar lo que llamamos su hogar. Poeta explora esta temática en una serie de acuarelas que surcan investigan la relación entre color, forma y espacio.

“Pájaro” permanecerá en exposición hasta fines de mayo. Pueden visitar la galería Hollywood in Cambodia de martes a domingos, de 18 a 21hs.

Un video hermoso acompaña la muestra, lo adjuntamos debajo y también pueden ver más fotos de la exhibición en el flickr de Poeta.

(Hollywood in Cambodia / Thames 1885, Palermo)

Jaz + Ever

Estamos muy contentos de presentar Jaz + Ever, la nueva exhibición en The Oasis Clubhouse. La expo abrió el martes 20 de Marzo y seguirá por dos semanas más.

Jaz (Franco Fasoli) & Ever (Nicolás Romero) son dos artistas clave que emergieron de la escena de arte callejero de Buenos Aires.

Buenos Aires es una ciudad extraordinaria. Su turbulenta historia y larga tradición de expresión pública y popular fomentaron un clima de respeto, tolerancia y admiración hacia el arte público. Mientras que el graffiti y arte callejero se vincula a menudo con el vandalismo y es considerado un símbolo visible de decadencia urbana, Buenos Aires representa un nuevo paradigma: una ciudad con una próspera escena urbana construida sobre la base del respeto, en la que las líneas entre el graffiti y el muralismo se han transformado en líneas borrosas.

Jaz y Ever se han desarrollado como artistas en una ciudad que alimentó sus talentos, lo que les permite experimentar en un ambiente libre de la represión que inhibe al arte urbano en otras ciudades del mundo. Ambos comenzaron con graffiti letras, inspirados por la cultura del graffiti. Pero con el tiempo decidieron ir más allá de las convenciones establecidas del graffiti de letras, en la búsqueda de sus estilos propios, técnicas y métodos de interacción con el público.

Un artista no debe ser definido por la superficie sobre la que pinta. Tanto Jaz y Ever tienen una larga relación con el arte callejero, pero no se definen necesariamente por su decisión de pintar en el espacio público. Jaz y Ever han desarrollado un lenguaje visual distintivo y su estilo y técnicas fueron moldeadas por sus obras en la calle. Sin embargo, ambos se encuentran igual de cómodos proyectando sus conceptos sobre lienzo, madera y otros soportes más tradicionales.

graffitimundo tiene el placer de presentar obras originales de Jaz y Ever, en una exposición que pretende contextualizar el trabajo de dos notables artistas y presentar la escena de la que han surgido.

Por mas informacion mandanos un mail a info@graffitimundo.com

“A las chapas” – la nueva exposición de Malatesta

Malatesta es miembro de Hollywood in Cambodia (HIC) junto conrundontwalk, bs.as.stncl & Stencil Land. Juntos, estos artistas marcaron el desarrollo de la técnica del esténcil durante la última década en Buenos Aires, contribuyendo a definir su estética definitiva.

La nueva exposición de Malatesta prueba su talento como artista y muestra las técnicas poco convencionales que utiliza. Cada obra exhibida incorpora la técnica del esténcil. Pero en vez de cortar la plantilla con un cutter para crear sus imágenes, Malatesta utilizó un destornillador sobre superficies metálicas.

“A las chapas” presenta trabajos que han sido rayados a superficies metálicas encontradas en la calle. El metal rayado luego se oxida transformando las imágenes en cicatrices oxidadas. La aspereza de los materiales recolectados y los diseños en colores oxidados, se equilibran con los tonos pastel de la decoración de los paneles. Una técnica muy poco usual, con resultados sorprendentes.

A continuación, algunas imágenes de la exposición. Pueden encontrar las demás en Facebook.

Pero si pueden, es siempre mucho más interesante verlo en persona! “A las chapas” está en la galería Hollywood in Cambodia hasta fines de marzo.

(Hollywood in Cambodia / Thames 1885 / Abierto de 18-21, martes a domingo)

(English)Neo-muralism? Intriguing new piece from Ever

With his classic, painterly style Ever’s murals have always attracted attention. Part of what makes his pieces so intriguing are the subjects of his paintings.

On walls throughout the city you can find huge portraits of former lovers and his brother. More curiously you can also find portraits of Chihuahua dogs, Chairman Mao and a crack dealer from Los Angeles called Miguel, whose police mugshot on google images caught Ever’s eye.

A four metre portrait begs some questions. The most obvious being “why is this here and what does it mean?”

This is part of what we love about Ever’s work. He plays with expectations of what public art is supposed to represent. A four metre portrait of Ever’s brother usually leads people to conclude that he must be dead, and the painting is an homage. A huge mural featuring the face of Chairman Mao leads people to assume that the artist has a political agenda. And the smirking profile of Miguel the crack dealer leaves people wondering who this character is, and what he has done to merit being beautifully recreated at scale.

A recent trip to Mexico has left Ever inspired by the power of muralism, and looking for new ways to interact and communicate with the public through his paintings.

Following on from his portraits of Chairman Mao, his latest piece uses a visual aesthetic found in Chinese propaganda posters. The piece counterpoints a communist propaganda poster celebrating a new bridge and railway line with a waving golden lucky cat – a mass produced piece of plastic found the world over.

The text at the bottom of the image explains that children are observing the progress of a communist city, following the arrival of capitalism. Ever explained that he wanted to represent a clash of cultures and the contradictions it produces. China lives the contradiction of a communist regime embracing capitalism, whilst Latin America wrestles with its indigenous cultural roots and its history with Europe.

There are lots of interesting personal touches to the painting. It’s inspired by Mexican social realist muralists, but Ever has chosen to use images from Chinese propaganda because it suits the aesthetic he’s been exploring.

The text below the image is written in French, because Ever attributes his political perspectives to the time he spent in France.

And whilst this is a mural with a message, inspired by history and painted beautifully in a classic style, it’s location says “graffiti” as opposed to “institutionally sanctioned mural”. The mural is fairly well hidden by a tree, and is painted on the front wall of a squat, next door to a busy parilla.

Nerf al cubo

(para versión en castellano, click acá)

Graffiti es un término difícil de definir.

¿Es cualquier marca rayada o pintada sobre una superficie plana como lo indica la palabra “grafito” en latín? ¿Es una forma de arte ilícito pintado con aerosol en paredes y trenes? El artista radicado en Buenos Aires, Nerf afirma ser grafitero y es quizás mejor conocido por su estilo abstracto y futurístico que desafía cualquier categorización posible.

Nerf comenzó a explorar el graffiti a fines de los ‘90 al descubrir el movimiento new yorkino y la cultura del hip hop. Rápidamente dominó el uso del aerosol y desarrolló un estilo que llamó la atención por su técnica, estilo y complejidad.

A pesar de que Nerf use su apodo como base de muchas de sus piezas, emplea su enfoque estilístico único de forma tal que se cruza al plano de la abstracción. Fascinado por las formas y la manera en la que encajan las formas, Nerf se sirve de bloques de juguete y rompecabezas como inspiración para sus complejas piezas de formas en 3D.

Crear formas tridimensionales en superficies de 2 dimensiones requiere paciencia, práctica y talento. Muchos artistas se sirven de bocetos y usan cinta para manejar las figuras en perspectiva. Otros incluso, usan programas para modelar y proyectores para trazar la imagen. La precisión de cada línea y ángulo es fundamental así como el sutil manejo de luces y sombras, las capas de color le dan a sus piezas un efecto visual impresionante. Si cualquiera de estos elementos estuviera mínimamente fuera de lugar, el impacto se perdería completamente.

Mientras que varios artistas incorporan el 3D a sus piezas, muy pocos son capaces de trabajar de forma tan intuitiva y espontánea como Nerf. Sin la ayuda de boceto, directrices o ayuda visual de cualquier tipo, Nerf encara la pared con nada más que la elección de colores del día: sus obras maestras en 3D son creadas completamente a mano alzada.

La evolución de Nerf como grafitero refleja una evolución aún más amplia de la escena local. Como en cualquier corriente artística, el graffiti evoluciona de la mano de los grafiteros que juegan con los límites y experimentan con técnicas nuevas. Algunos grafiteros insisten con una definición estricta y acotada de qué es graffiti y que no lo es; son quizás quienes muestran poca tolerancia con lo que no es considerado graffiti tradicional.

Nerf no tiene reparos en llamarse a sí mismo grafitero, mientras que adapta y modifica su estilo. Tampoco los tiene para compartir pared con grafiteros de estilos y antecedentes diferentes. La mutabilidad de sus cubos en 3D le permiten encajar con casi cualquiera y crear murales únicos y espectaculares en colaboración con otros artistas.

Cuando todo está dicho y hecho, “graffiti” y “street art” demuestran ser etiquetas que evocan ciertos conceptos a cierta gente. Son interpretaciones amplias y estrechas del significado de las etiquetas, y sus interpretaciones varían en cada cultura y con el paso del tiempo.

El trabajo de Nerf no se define por su estilo, técnica o locaciones donde pinte. Al trabajo de Nerf lo define, en última instancia, él mismo.

Melissa Foss

Mejor en bici: tours de street art & graffiti de Buenos Aires

Nos encanta andar en bici y hace mucho tiempo queríamos armar un tour de arte callejero en bicicleta. Es por esto que estamos muy contentos de anunciar que nos asociamos con el equipo increíble de Biking Buenos Aires y que, juntos, organizamos un tour a dos ruedas todos los domingos por la tarde.

Pedalear por las calles porteñas es una excelente forma de conocer los diferentes barrios de la ciudad. Le da al ciclista una perspectiva única de los murales urbanos y es una forma genial de encontrar piezas de arte callejero escondidas por ahí.

Muchos artistas utilizan sus bicicletas para cazar nuevas paredes en las que pintar. Algunos artistas como Gualicho incluso llevan los materiales consigo mientras andan para ponerse a pintar en cuanto encuentran un buen lugar.

Para aquellos interesados, el tour en bicicleta de graffitimundo dura aproximadamente 4 horas y cuesta $35 USD e incluye alquiler de bicicleta, casco & refrescos. Paseamos por los rincones menos conocidos de Palermo antes de encarar para Villa Crespo a ver piezas fresquitas de artistas comoMart, Jaz, Zumi, Ever, Nasa, Nerf, rundontwalk & Stencil Land, para nombrar algunos.

Al igual que en el resto de los tours, nuestra relación con los artistas y el conocimiento íntimo de la escena nos permite revelar las historias detrás del arte, los estilos diferentes y técnicas expuestas junto con el contexto histórico y cultural del movimiento.

Este tour está organizado en colaboración con el equipo de Biking Buenos Aires quienes cuidan de todos en el camino, se encargan de que cada bici esté en perfectas condiciones y mantienen a todos bien hidratados con mate y galletitas. Ya hemos tenido unos cuantos grupos desde que arrancamos en Junio y Travel Chica tiene unas excelentes fotos de nuestro tour en su blog.

Mandanos un email si te querés prender, una resplandeciente bici playera e historias coloridas te esperan.

(Todas las imágenes son de Mart y fueron extraídas de su cuenta de flickr)

El orgullo de Ballester – Roma & Poeta presentan “Díada”

“Díada” es la nueva exposición de Poeta & Roma en el Museo Casa Carnacini, ubicado en el corazón de su barrio, Villa Ballester.

Villa Ballester es un modesto barrio con una historia muy interesante, ubicado justo en el límite con la Capital Federal. En las primeras décadas del siglo veinte, Villa Ballester floreció atrayendo a familias europeas adineradas, intelectuales y artistas.

El paisaje actual de Ballester se caracteriza por ser una mezcla caótica de locales de ropa, negocios y casas recientemente construidas. Sin embargo, a pesar de su transformación, el barrio mantiene numerosos edificios de época y su carácter artístico.

Uno de los aspectos más llamativos del barrio es el graffiti y el arte que cubre las paredes de sus calles. Si se llega en tren, una de las primeras cosas que se ve es uno de los murales que Roma pintó en un edificio cerca de la estación. Si se llega manejando, no se puede evitar chocarse con un mural psicodélico impresionante pintado por Poeta, Sam & Roma, al cruzar las vías. Dentro del barrio se descubren murales y graffiti por todos lados.

Poeta & Roma pertenecen a una generación de artistas que empezaron con el graffiti a mediados de los 90’s. Con el paso del tiempo, esta generación experimentó nuevas técnicas, materiales y conceptos y sus creaciones abarcaron desde letras con aerosol a composiciones abstractas y figurativas pintadas con materiales varios, desde brea a sangre.

Para su exposición “Díada”, Poeta & Roma fueron invitados por una importante institución de Ballester, el Museo Carnacini. El edificio en sí fue la casa del pintor

Ceferino Carnacini, quien construyó esa casa cien años atrás. El edificio fue restaurado y presenta grabados y pinturas de Carnacini en la planta baja, con un espacio amplio de exposiciones en el primer piso.

“Díada” es un claro testamento al talento de Roma & Poeta como artistas y del viaje que emprendieron desde su infancia hasta la madurez. El espacio principal de la exposición está cubierto por piezas impactantes de gran formato, pero nuestra parte preferida de la exposición es una sala adyacente con una pared cubierta de fotos. Las fotografías documentan una vida pintando en las calles. Desde sus primeras piezas de graffiti que el par pintó hasta sus murales más recientes, las fotos documentan los pasos que tomaron desde adolescentes grafiteros hasta los artistas que son hoy en día.

Uno de los objetivos principales de graffitimundo es compartir el contexto en el que se desarrolla la escena de arte callejero de Buenos Aires. El arte en sus calles es impresionante estéticamente pero para nosotros es igualmente importante compartir la historia de cómo llegó ahí, quién la pintó y por qué.

“Díada” es una hermosa exposición del trabajo de Roma & Poeta, enriquecida aún más por la evidencia de su desarrollo como artistas.

Nuevo mural gigante de rundontwalk

Compartimos un par de fotos del nuevo y espectacular mural del colectivo rundontwalk, creado con el apoyo de Roger Waters.

El gran mural de Palermo muestra animales enormes en stencil de Fede Minuchín sobre un hermoso y colorido fondo de parras y formas que se contornean, pintado por Tester.

En los últimos años, Fede Minuchin ha sido el responsable de lanzar varios geniales animales a las calles de Buenos Aires. Logramos capturar varios de ellos y los compartimos en Facebook en un album que se titula Buenos Aires Zoo.

Los dos artistas que componen el colectivo son también muy prolíficos en sus proyectos personales y es un gusto verlos trabajar juntos en una pieza de esta escala.

Cosas que amamos del 2011

2011 fue un año genial para el arte callejero de Buenos Aires.

Se elaboraron cientos de piezas increíbles alrededor de la ciudad y el año entero pareció estar repleto de proyectos inspiradores y exhibiciones espectaculares.

No podríamos elegir nuestros preferidos ni aunque quisiéramos, así que acá van algunas de las colaboraciones que amamos del 2011.

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La transformación del Konex

En enero Tec, Pum Pum, Jaz & Fede de rundontwalk crearon un mural colaborativo espectacular en las paredes de la Ciudad Cultural Konex.

Cada artista sumó su estilo y enfoque particular para llenar el espacio con una serie de personajes increíbles: marsupiales gigantes en stencil, gatos sonrientes, luchadores con máscaras de tigre y un gaucho a caballo.

Pasamos tres días filmando a los artistas y creamos un album de fotos que documenta la realización de unos de los murales más grandes de la ciudad.

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Plaza Zinny

Ubicada en las tranquilas calles traseras de Palermo Viejo, Plaza Zinny es una pequeña esquina en Gascón & Gorriti.

La plaza no se caracterizaba por ser un lugar de particular belleza: podía verse los restos de un mural pintado hace años rayado con los tags de los grafiteros locales.

Mart le vio el potencial al espacio. Él creció en el barrio y conocía gente en la administración local que le otorgaron el permiso para pintar ahí y es así como un fin de semana Mart, Jaz, Ever & Poeta tomaron la plaza y sus paredes.

De nuestra relación con Sinteplast surgieron los materiales para abordar el proyecto. El consejo barrial otorgó los andamios. Pero fundamentalmente el proyecto fue liderado por los mismos artistas quienes pusieron sus esfuerzos, tiempo y talento para crear un hermoso espacio para la comunidad.

Documentamos el proceso en un album de fotos que pueden ver acá.

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Turbo Parade

Turbo fue un espacio amado en Buenos Aires – una de las pocas galerías de arte que apoyaba a los artistas callejeros y les proveía un espacio donde exponer sus trabajos.

El cierre de su galería en Palermo marcó el final de una era que despidieron en un estridente desfile de disfraces a lo largo de Palermo Hollywood.

El evento captó el espíritu de Turbo y la buena onda de la escena local. Artistas, amigos y familia se sumaron en un desfile por las calles, disfrazados, en bicicletas, con banderines y tocando instrumentos varios. Fue una fiesta más que divertida, un buen recordatorio de que no es simplemente el arte, sino los artistas y su espíritu lo que hace que la escena de Buenos Aires sea verdaderamente especial.

Pueden leer más sobre el desfile acá.

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Pop Up Gallery

El concepto detrás el evento pop-up fue genial: un grupo de artistas callejeros intervendrían una casa de época abandonada de Las Cañitas, para transformarla en una galería / instalación por un fin de semana.

Con Red Bull como promotor, la intervención podría haberse convertido en un simple ejercicio de marketing. Pero afortunadamente esto no sucedió y el evento fue un gran éxito. La casona era increíble, el arte impresionante. La presencia de marca fue discreta y se mantuvo al mínimo. El proyecto fue llevado a cabo por los mismos artistas quienes tuvieron control absoluto sobre qué hacer en su espacio. Finalmente, en el proceso de promover su marca, Red Bull ayudó a crear algo hermoso en el camino.

Pueden ver más del evento pop-up acá.

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Casacuberta

Casacuberta es un pasaje residencial ubicado en Parque Patricios. A principios de año, los residentes del pasaje Casacuberta se contactaron con los artistas de stencil de la galería Hollywood in Cambodia con una oferta: ellos aportarían los materiales, té & galletitas si los artistas consideraban intervenir el exterior de sus hogares.

La oferta fue aceptada y varios hogares se cubrieron completamente con arte en stencil de bs.as stncl, rundontwalk & Stencil Land. Casacuberta se convirtió entonces en el equivalente a Calle Lanín (un pasaje de Barracas donde las casas están decoradas con mosaicos) y todo gran ejemplo de cómo un proyecto es posible gracias al respeto entre los artistas y la comunidad local.

Pueden ver fotos de Casacuberta acá.

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Fuera de la Línea

Nos encantó la exposición Fuera de la Línea. Los curadores Lucas & Soledad Zambrano tomaron el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (también conocido como MACRO) para montar una exquisita exposición de pinturas, murales e instalaciones de una amplia selección de artistas argentinos y brasileros.

Hubiera sido simplista denominar esta exposición como una de arte callejero. El “street art“ acepta una amplia variedad de medios y cae generalmente bajo la etiqueta de “cosas que son cool”. Los artistas participantes son muy conocidos por su trabajo urbano y comparten una larga trayectoria de trabajo en la calle. Pero en vez de hacer foco en el contexto físico de sus trabajos, la exhibición se concentró en otra cosa que todos ellos tienen en común: son artistas que empujaron las fronteras con su arte.

El arte callejero impacta desde su contexto, pero una vez que el espectador se sobrepone a la idea de encontrar arte en la calle quedan las preguntas sobre el acto de su creación. Una vez que se comienza a mirar más allá de las paredes, se pueden explorar diferentes métodos de expresión y la forma en la que el contexto modificó y refinó técnicas.

Esta exposición nos gustó mucho por que no se trató de celebrar el arte pintado en la calle. Celebró el trabajo de artistas que desafían las convenciones, rompen las reglas y trabajan fuera de las líneas.

Pueden leer más sobre la exposición acá.

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Garibaldi Pum: proyecto de regeneración urbana

El pasaje de dos cuadras que separa el estadio de Boca Juniors con El Caminito se usaba generalmente como el baño de los perros locales y de depósito de basura. Esto cambió gracias a un ambicioso proyecto organizado por Fundación x La Boca, llamado Garibaldi Pum.

Un grupo de artistas fueron invitados a trabajar juntos para transformar el pasaje y, al hacerlo, ayudar a regenerar una pequeña parte de la Boca que siempre se mantuvo al margen de la concurrida zona turística. En el transcurso de una semana, artistas con diferentes antecedentes y técnicas transformaron un pasaje sucio y abandonado en una galería de arte al aire libre.

Garibaldi Pum muestra como el arte puede regenerar espacios. Una parte fea y olvidada de la Boca fue transformada en un área atractiva para los residentes locales y para los turistas que frecuentan la zona.

Pueden leer más sobre Garibaldi Pum acá.

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Street Arte BA 2011

Hubo dos grandes eventos de Street Arte BA este año.

El primero fue una repetición de la excelente intervención del año pasado en La Oxygena. Un gran y ecléctico grupo de artistas se reunieron para transformar el exterior e interior de una fábrica de oxígeno en desuso en Once, convirtiéndola en una espectacular intervención de arte.

Luego volvieron al mismo espacio para su reciente exposición Graffiti en Canvas, que también reunió un grupo diverso de artistas para una exposición de murales y piezas enmarcadas.

Tenemos muchas imágenes para compartir de la primera sesión de pintadas, pueden verlas acá. También un post sobre la última exposición.

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Tecnópolis

La nueva feria de arte, ciencia y tecnología de la Argentina fue el escenario de algunas de las más impresionantes pintadas del año. La magnitud del lugar y el tamaño de los almacenes le ofrecieron a numerosos artistas enormes lienzos de concreto donde trabajar.

Más información sobre Tecnópolis acá, más fotos en nuestro flick.

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Meeting of Styles Buenos Aires

El festival de arte callejero The Meeting of Styles revitalizó las paredes cansadas y transformó el espacio público a lo largo y ancho de la ciudad. El evento reunió a grafiteros y artistas callejeros nacionales e internacionales para transformar la capital porteña en el lapso de tres días.

Buenos Aires puede jactarse de una excelente reputación en arte urbano. Es una ciudad llena de paredes que esperan ser pintadas, con un fuerte espíritu de colaboración entre sus artistas y un público que apoya la expresión y la creatividad. El evento fomentó dicha reputación al reunir artistas del mundo entero con los más diversos antecedentes para crear piezas públicas excepcionales.

Pueden ver más sobre el festival Meeting of Styles Buenos Aires acá.

El 2011 fue un año espectacular, esperamos ver qué cosas lindas nos trae el 2012!

Street Arte BA: exposición Graffiti en Canvas

(Click here to read this article in English)

Amamos a Street Arte BA.

A través de los años, Street Arte BA desarrolló una identidad visual única, su onda. Desde sus comienzos como sesiones de pintadas, la vibra de Street Arte BA fue inclusiva y experimental; sus eventos reunieron artistas y colectivos de distintos países, antecedentes y de diferentes puntas del espectro artístico.

Su última exposición se organizó en “La Oxígena”, una ex fábrica de oxígeno manejada por la Fundación Rosenblum. El lugar acogió numerosas intervenciones en el pasado por lo que su fachada e interior están cubiertos de graffiti, stencils y murales a cargo de numerosos artistas nacionales e internacionales.

La sensación general al aventurarse por el interior del edificio, pasando por los talleres y los estudios de artistas en los primeros pisos, es como si se estuviera en un edificio tomado por el arte. Las paredes descascaradas fueron restauradas en varias ocasiones por los artistas participantes en cada intervención de acuerdo a su visión de cómo mejorar el espacio.

La exposición se titula “Graffiti en canvas” y presenta una mezcla ecléctica de lienzos y obras enmarcadas, murales e instalaciones de numerosos artistas callejeros. Las piezas se extienden por dos pisos, ambos con un gran espacio central y una serie de oficinas contiguas. Cada oficina se encuentra en un estado diferente de reparación y presenta un carácter único gracias al estilo impartido por cada artista.

Piezas elegantemente enmarcadas cuelgan junto a instalaciones salpicadas de pintura. Algunos artistas eligieron restaurar las oficinas dilapidadas, otros decidieron interactuar con los signos de decadencia del edificio. La exposición captura el dinamismo y la cualidad experimental del arte callejero y da la impresión de ser una anarquía cuidadosamente curada.

Graffiti en Canvas permanecerá abierto con cita previa hasta el 16 de Diciembre.

Para más detalles, visitar streetarteba.com/graffiti-en-canvas.

A continuación, pueden encontrar un par de fotos. Estaremos subiendo más próximamente a nuestro facebook y cuenta de flickr .

decertor-street-art-buenos-aires-graffiti-canvas-exhibition — el decertor

poeta-mart-right-street-art-buenos-aires-graffiti-canvas-exhibition — poeta + mart

sordi-street-art-buenos-aires-graffiti-canvas-exhibition — Sordi

jade-street-art-buenos-aires-graffiti-canvas-exhibition — jade

oz-montania-ice-street-art-buenos-aires-graffiti-canvas-exhibition — oz montania + ice

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malatesta-street-art-buenos-aires-graffiti-canvas-exhibition-2 — malatesa

pelos-de-plumas-fisheye-street-art-buenos-aires-graffiti-canvas-exhibition — pelos de pluma

pastel-street-art-buenos-aires-graffiti-canvas-exhibition — pastel

Street Arte BA: exposición Graffiti en Canvas

Amamos a Street Arte BA.

Graffiti en Canvas permanecerá abierto con cita previa hasta el 16 de Diciembre.

Para más detalles, visitar streetarteba.com/graffiti-en-canvas.

A continuación, pueden encontrar un par de fotos. Estaremos subiendo más próximamente a nuestro facebook y cuenta de flickr .

“Club” – la nueva exposición de Pum Pum

“Club” es la nueva expo de Pum Pum.

La exposición es una pequeña desviación del estilo característico de personajes tiernos y coloridos de Pum Pum.

La temática futbolera del show presenta personajes tatuados, comiendo choripan & vino y ocasionalmente escondiendo un palo en sus espaldas. Los colores apagados y el indicio de violencia le otorga al show una dosis adorable de oscuridad.

La exposición se presenta en la galería Hollywood in Cambodia (abierta de martes a domingos de 17hs a 21hs) hasta el 10 de Diciembre.

Si estás en Buenos Aires, no te la podés perder!

Si no estás acá y querés conocer más del show, contactate con nosotros para imagenes & precios.

Meeting of Styles: el festival aterriza en Buenos Aires

(Click here to read this article in English)

El famoso festval internacional Meeting of Styles hizo pie en Buenos Aires hace un par de semanas.

El evento fue organizado por Estilo Libre en colaboración con el Ministerio de Ambiente y Espacio Público, contando con Sinteplast y Sullair como sponsors.

Más de 130 artistas locales e internacionales participaron en este festival urbano que se desarrolló a lo largo y ancho de la ciudad, artistas con antecedentes completamente diferentes y estilos variados transformaron puentes y espacios públicos por todo Buenos Aires.

Los eventos de Meeting of Styles se organizan alrededor del mundo, la onda y formato de cada evento es diferente en cada ciudad en la que aterriza. Mientras que hubo un poco de controversia con respecto a la inclusión de artistas callejeros en un festival de graffiti, el evento reflejó la naturaleza del arte urbano de Buenos Aires.

Una cantidad formidable de obras fueron creadas en tan solo 3 días. El festival inyectó vida nueva a los descascarados salones de la fama del graffiti porteño y trajo color por primera vez a varias partes de la ciudad.

Seguimos sacando fotos y eventualmente completaremos la colección del festival en nuestra cuenta de Flickr.

Mientras tanto, acá van un par de nuestras obras preferidas:

Turbo Galería presenta XXL: arte callejero en gran formato

A Turbo se lo extraña. El cierre de su galería de Palermo (manejada por el colectivo Doma) marco el fin de una era. La galería cerró con estilo: con un desfile estridente a lo largo y ancho del barrio.

Ese evento también marcó el principio de un nuevo capítulo en la evolución de Turbo. Se convirtió en galería nómada curando exposiciones en espacios virtuales y mediante eventos pop-up.

Su más reciente inauguración tomó forma el sábado pasado. La anticipada muestra titulada Turbo XXL expone piezas en grandes formatos de artistas callejeros locales como bs.as.stncl, Chu, Malatesta, Defi, Doma, Ever, Fede Minuchin, Jaz, Mart, Nasa, P3DRO, Tec & Tester y brasileros como Onio, Base V &Lelo de Brasil.

La exposición abrió en el Barrio Chino de La Boca. Cualquier persona familiarizada con la zona sabe que La Boca cambia drásticamente una vez se atraviesa la meca turística de El Caminito. Unas cuadras más allá y aparecen sus conventillos de más de 150 años con materiales recuperados de los antiguos astilleros.

El espacio elegido como galería, llamado “The Breakfast of Champions” es cavernoso, un almacén antiguo transformado en galería de arte con sus amplias paredes blancas donde cuelgan docenas de increíbles obras de arte en gran formato.

Los diferentes estilos artísticos de las calles de Buenos Aires están bien representados en la exhibición. Una gran variedad de stencils, formas geométricas, obras figurativas y complejos collages capturan el espíritu de los muros de la ciudad, la energía y el dinamismo de su arte callejero.

La exposición presenta los talentos de una generación de jóvenes artistas – los pioneros del arte urbano de Argentina. Esta exposición colectiva representa un lenguaje visual único elaborado a través de una década de colaboración artística y de la polinización cruzada de ideas y técnicas.

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La exposición permanecerá abierta por solo una semana, cierra el sábado 26 de noviembre. Visitas pueden ser organizadas durante la semana entre las 14 y 20hs, pueden contactarse con nosotros si están interesados en pasar.

Estaremos organizando un tour especial de arte callejero por las zonas de La Boca, Barracas, Parque Patricios & Once el sábado 26 de Noviembre. Contáctense con nosotros para más detalles.

Pueden descargar el catálogo completo de las obras acá. No duden en contactarse con nosotros si tienen alguna pregunta sobre la exhibición y las obras.

Turbo XXL
California 928, La Boca
Hasta el 26 de Noviembre

2pm – 8pm

barrio chino la boca rundontwalk orilo — Barrio Chino, La Boca // art: rundontwalk + orilo // foto: mike lockridge

Entrevista a GG de Buenos Aires Stencil

Tenemos una nueva entrevista para compartir con ustedes, cortesía de los chicos de escritos en la calle.

En esta ocasión, GG de bs.as.stncl comparte sus vivencias tras una década dedicada al arte callejero y sus experiencias pintando las paredes de Buenos Aires, una ciudad en constante cambio.

Muchas gracias nuevamente a los chicos de escritos en la calle por compartir su entrevista con nosotros. Asegurense de pasar por su blog y chequear su proyecto.

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¿Y SI LO PINTAMOS EN LA CALLE?

bs.as.stncl es un colectivo de stencil compuesto por dos artistas argentinos, de nombre GG & NN.

Junto a NN, empezaron a pintar en 2001. Su primer diseño fue un hit: el Bush con orejas de Mickey. Después, se relacionaron con otros artistas y encararon trabajos más grandes. En 2006 con rundontwalk, Malatesta y Stencil Land abrieron una galería de arte urbano: Hollywood in Cambodia.

En esta charla recorremos 10 años de Bs. As. Stencil, y una década con el graffiti y street art en Argentina.

Cuando empezamos a pintar como Buenos Aires Stencil fue porque mi socio NN tenía unos diseños que estaban buenísimos. La idea era sacar una serie de remeras, pero nos ganó la ansiedad. Para hacer remeras teníamos que ir a un taller, comprar remeras, un proceso lento.

Nos gustaba mucho el diseño que había hecho NN: el Bush con las orejas de Micke, y otro que era una mina muy años 50, jugando a los bolos, tirando una bola de boliche pero que era una bomba, y decía“American Style”. Los dos eran en contra de la invasión de EE.UU a Afganistán, al toque después de 9-11.

Y dijimos: “¿por qué no hacemos un esténcil y lo probamos en una remera?” Probamos y nos quedó la plantilla. Y esa misma noche dijimos: “¿y si lo pintamos en la calle?” Estábamos al pedo, cerca de diciembre de 2001, el país era un hervidero, había que decir, que quejarse, estaba ese espíritu en la calle…

Muchos arrancamos en la misma época

Ninguno de los dos somos de militar en política. Ninguno de los dos era de pintar en la calle. Yo soy diseñador gráfico; NN estudió grabado en la Pueyrredón. Los dos teníamos una veta artística pero ninguno se dedicaba a pintar, ni en la calle ni adentro.

Cuando empezás a pintar las paredes, les prestás más atención. Y empecé a descubrir que había otros esténciles. No sabía si estaban hacía mucho o qué. Nos enteramos después de que arrancamos muchos en la misma época.

Nosotros pintábamos siempre alrededor de donde vivíamos, y nuestra base era la casa de NN cerca del Luna Park. Entonces a la noche agarrábamos las plantillas y pintábamos en la zona bancaria, que a la noche es un desierto. Imaginate, diciembre, Corralito, todos los bancos cubiertos con vallas, los informativos en la puerta de los bancos, la gente que iba a querer romper el banco.

Se veía mucho lo que pintábamos. Tuvimos la suerte de estar en ese lugar, en un momento muy especial del país.

Hasta la victoria

Enseguida, empezamos a ver cosas pintadas por la zona de Congreso, por ejemplo en Rivadavia entre Uruguay y Paraná. Y decíamos: “mirá, se nota que hay pibes que pintan acá también”.

Al tiempo nos conocimos. Nos contacta Guido Indij… de La Marca, que empieza a hacer el libro “Hasta la victoria, stencil“. Entonces se empieza a contactar con los artistas y de alguna manera él nos pone en contacto con los otros artistas, con otros colectivos: Run Don’t Walk, unos pibes que se llamaban 220, Burzaco Stencil, Malatesta…

HIC Crew

Con los Run Don’t Walk (Fede y Tester), nos dimos cuenta de que compartíamos muchas cosas. Escuchábamos la misma música, ellos habían tenido sellos independientes, yo laburé en un sello (Radio Tripoli Discos) que editaba bandas punk, teníamos amigos en común y terminamos amigos.

Ahora muchas veces pintamos todos juntos y no es ni uno ni otro grupo. Cuando pintamos todos juntos los de la galería (con Stencil Land y Malatesta) es Hollywood in Cambodia Crew, no es un grupo u otro. Y eso representa un poco la ideología de salir a pintar. Porque, sin conversarlo, no firmamos nuestras obras, otra cosa que compartimos. Cuando pintamos en la calle, yo no le pongo BsAsStencilabajo. Y RDW tampoco.

Después es algo que hablás. Para mí, es un poco demostrarle a la gente que cualquiera puede salir y expresar una idea o una emoción, lo que quiera, con dos mangos. Con una lata de aerosol o una de látex y un pincel y una plantilla. No hace falta tener millones como una marca para comprar backlights, o los políticos que les pagan a esos que hacen las letrotas gigantes. Podés salir y expresarte con dos pesos. Pero, si yo agarro y pongo mi nombre, es lo mismo que hace una marca. Mi mural o mi pintura pasarían a ser una propaganda de ese nombre. Y eso es algo que yo no quiero.

Cuando terminaste de pintar, pasó a ser de la calle. ¿Por qué le tengo que poner mi nombre? Y peor los que le ponen la página web. Eso es querer hacerse famoso. Yo nunca firmé y el que me quiere encontrar, me termina encontrando.

Muchos empezaron pintando letras y después evolucionaron

Hay muchos que empezaron pintando letras: piezas, bombas, graffiti más hip hop. Pero en definitiva lo que dice es siempre el nombre de un tipo. Todo bien, pero a mí no es lo que me gusta. Porque además hay como un código de tapar al otro. ¿Por qué no hacés algo mejor al lado, que llame más la atención y listo?

Muchos empezaron pintando así y después evolucionaron a otras cosas, encontraron un estilo, lo que querían decir. TEC empezó así. Blu, que es re-original lo que hizo después. Y tenés cosas como el neo-graffiti que hacen Jaz, Nerf, Mart, Poeta, Roma, que ya son formas abstractas y colores.

También puede ser una cuestión de edad. Supongo que después de un tiempo, te cansás de pintar siempre un nombre.

Cada vez pintamos menos por una cuestión de edad, tenemos más compromisos, yo tengo un hijo de cuatro años, otras responsabilidades.

Pero seguimos pintando en la calle. De otra manera. Ya no hacemos una plantilla chiquita un montón de veces sino que pensamos más lo que vamos a pintar, lo que queremos decir. Ahora me aburre pintar una sola cosa un montón de veces. Me quedo contento si pinto tranquilo algo de tres, cuatro metros y listo.

Y manejamos la galería que eso también nos sacó tiempo. Hace cinco años ya que estamos.

La galería

Nos llamaron del Post Street Bar. Los dos dueños, no sabían bien qué hacer, pero querían poner un bar. Tenían un amigo que les dice, “mirá, estos pibes están por todos lados”, les muestra el libro de Indij que la mitad era de RDW y la otra de nosotros. “¿Por qué no los llamás y que te pinten todo el bar? Y de paso tenés un bar temático: no va a ser un bar más.”

Estábamos nosotros, RDW, StencilLand, Burzaco Stencil. Éramos unos ocho. Nos dijeron que nos daban los materiales. La mitad querían hacerlo y la otra mitad no queríamos. Yo, si no me pagaban, no quería: el dueño del bar iba a lucrar con eso, y ¿decorarle el lugar gratis? No.

En un momento la novia del NN, mi socio, sube a la terraza y ve que hay dos habitaciones vacías. Eran para depósito. Y ahí salió: “¿y si ponemos una galería?” Y nos dijeron que sí. Igual, abrió el bar y estuvimos como un año antes de arrancar. Nunca nos poníamos las pilas, teníamos las energías puestas en la calle todavía.

Hasta que dijimos “vamos a poner la galería porque sino se va a diluir. O van a abrir otra galería. Va a venir alguien que no tiene nada que ver con el arte urbano o el esténcil, y vamos a tener que terminar yendo todos ahí, a negociar con un desconocido para hacer muestras y vender las obras. Ahí dijimos “pongamos una galería nosotros y ahí nadie nos va a poner reglas”. Y empezamos. A esa altura, en 2006, ya conocíamos a todos los que pintaban.

El 80% de las ventas son a extranjeros. Acá no hay coleccionistas, como en San Pablo, por ejemplo, de arte urbano. Y los turistas lo valoran de otra manera, creo que porque vieron cosas en sus ciudades, tienen otra atención y acá abundan. Lo que más valoran es el trabajo colectivo que se da muchas veces.

Las obras pintadas entre varios, que no es que hay ocho metros y repartimos, vos pintás hasta acá, otro al lado, por compartimentos. Acá se da que yo pinto algo y vos le agregás algo arriba, y otro mete otra cosa. Eso no se da así nomás.

Venga a vernos laburar

A los DOMA los conocí en 2004. Yo me fui a vivir un año a Nueva York y había una muestra en la que presentaban un libro. Los DOMA pintaban acá en la calle. Habían pintado esténcil ya en el año ’94, todavía debe quedar alguno: en el Pasaje Obelisco, cerca de las escaleras, había una vaca, un bebé, unas llamas, que los combinaban.

Ellos nos presentaron a los pibes de FASE, que también estaban muy activos en ese momento. Durante varios años organizamos entre todos unas reuniones que se llamaban Expression Sessions. Nos poníamos de acuerdo entre quince, veinte artistas, íbamos a una plaza que sabíamos que había un muro grande, hacíamos flyers y lo publicitábamos como un evento.

Invitábamos a la gente para que venga a vernos laburar. Para que no sea siempre eso de ves algo pintado y te preguntás: ¿cuándo lo pintaron? ¿quién lo habrá pintado? ¿cómo hizo? Hacíamos una por año, varios años lo hicimos.

Intercambios

Ahora se ve mucho pincel. Y trabajos grandes. En el 2002, 2003 hubo un auge del stencil. Todo el mundo hacía esténciles, te quedabas quieto en una esquina y te pintaban. Esto es como todo: hay modas. Después decayó un poco y empezó lo que nosotros llamamos Muñequismo. Los personajes, o caracteres. Desde el 2004, muchos dibujos de muñequismo, a escala humana, de dos metros.

Por esa época vinieron varios artistas de afuera. Algunos se quedaron. Vinieron los London Police, que eran de Amsterdam. Ellos les decían a los que pintaban murales acá: “¿Y por qué no los hacen grandes, de seis metros? Si alquilás andamios, nadie te va a preguntar si tenés un permiso”. Así se hizo el primer mural en la Central Eléctrica.

También vino BLU, que hace esas animaciones increíbles. Él trajo la técnica del extensor. Él, si pinta a seis metros, tiene un palo de seis metros, pone el tacho a seis metros de él, es un espectáculo verlo pintar. Y eso es algo que está bueno del espíritu de todo este movimiento. Que todo el mundo comparte lo que sabe, porque el otro lo va a usar para pintar en la calle.

De la calle a la galería

A mí cuando me dicen si no genera contradicciones pasar de la calle a una galería, no me parece. Creo que es lógico que, si hacés un trabajo en la calle y está bueno, con el tiempo a alguien le va a gustar, lo va a querer comprar y te van a venir a buscar. Es lógico. Es parte de un proceso.

Además hay que ganar plata y está bueno vivir de lo que te gusta. Si siempre estás haciéndolo porque te gusta, y dándoselo a la calle sin esperar nada a cambio, que no te lo tapen al día siguiente. Pero además, ¿cuántos somos los que pintamos en la calle? ¿Cien, trescientos? ¿Y los que pintan adentro, cuántos son? Miles. Eso sería loco. Sería una revolución si salen todos a pintar a la calle.

El arte urbano, intervenir en la calle, los murales, los esténciles, todo eso, es un movimiento artístico mundial, se da en todas las ciudades, por el modo de vida urbano y por la comunicación a través de Internet, que vos podés ver lo que pasa en otras partes del mundo, los artistas se pueden poner en contacto entre sí… Y además lo ve cualquiera, niños, gente a la que no le interesa la pintura, que ve obras cuando va y viene del trabajo, y tal vez algo le llama la atención y le queda…

Permisividad

Yo creo que la permisividad con pintar en Buenos Aires pasa mucho porque si la policía estuviera más aburrida, que no tuviera nada que hacer, seguro que nos correría a nosotros. Pero tiene otros problemas, unos pibes viejita chorro que andan cortando carteras o robando turistas, entonces a unos pibes, ya grandes, que están pintando… ¿qué les van a decir? Y si vienen y me dicen algo, me voy. Le digo: “disculpe, no sabía” y listo. Acá no es como en Berlín que te meten multa, o preso.

Que los pibes se guardan las latas vacías para que no les saquen las huellas dactilares. O que te lo borran al otro día. Ojalá que acá se mantenga así, que a estos bosta no se les ocurra empezar a perseguirnos. En San Pablo fui una vez y estaba todo bien. Después cambió el alcalde y te tapaban al día siguiente. Aunque también es un desafío, se empiezan a buscar formas ingeniosas, lugares más difíciles de tapar, otras variantes.

Presente y futuro

Ahora estamos pintando en el pasaje Casacuberta de Parque Patricios. Nos llamó un vecino, otros lo vieron, les gustó y de quince casas, estamos pintando unas diez. Todos juntos, ya no es un colectivo u otro. Y el próximo proyecto, como Buenos Aires Stencil, que estamos pensando para la calle es con la idea de “Legales”. Queremos pintar frases con aerosol, frases revolucionarias, y ponerle con un esténcil, chiquito, “legales”, como una revolución que se legalizó, como una A de anarquía con el símbolo de “Marca Registrada”, combinaciones contradictorias.

Entrevista: Fernando Aita

Fotos: GG / bs.as.stencil & graffitimundo

Más en www.bsasstencil.org / www.hollywoodincambodia.com.ar

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Paredes Robadas: el robo del arte callejero de Buenos Aires

Esto puede ser ya noticia vieja para las personas familiarizadas con la escena local pero para aquellos que no, la historia de como un artista conceptual se apropió del arte en las paredes de Buenos Aires, es muy particular.

Ya pasó unos años desde que algo muy extraño sucedió en las calles de Buenos Aires. Por toda la ciudad, comenzaron a desaparecer partes muy grandes de murales.

Unos pocos días antes que comenzaran las desapariciones, en medio de uno de nuestros tours, nos cruzamos con una persona que estaba aplicando una fina resina sobre un sector de un mural pintado por Bert van Wijk. Cuando nos acercamos para preguntarle de qué se trataba, nos respondió que la resina servía para proteger los murales y que estaba recorriendo la ciudad protegiendo las mejores obras. Nos llamó la atención que solamente la aplicara a una sección del mural, pero el hombre se negó a darnos más detalles retirándose rápidamente.

Días más tarde fue evidente que los murales no estaban siendo protegidos sino retirados de la pared. La resina aplicada, una vez seca, formaba una lámina que despegaba la pintura y una capa de yeso de la pared. La flor de un mural de Bert van Wijk ya había sido removida. Comenzaron a desaparecer otras secciones de murales y, en algunos casos, piezas completas.

Parecía difícil de creer pero era evidente que alguien estaba removiendo obras de arte callejero por toda la ciudad.

Sin duda no es nuevo que el arte callejero desaparezca de la calle para ser vendido: muchas obras de Banksy fueron removidas y vendidas por números que alcanzaron a las seis cifras. Mientras que Buenos Aires ofrece algunas de las piezas de arte urbano más increíbles del mundo, éstas sin embargo no han logrado captar la atención de coleccionistas y galerías internacionales. El dinero no parecía ser una explicación plausible. Quedó así, flotando en el aire, la pregunta ¿quién está haciendo esto y por qué?

La razón llegó semanas después: las obras habían sido extraídas por una artista conceptual para integrar su propia exposición de arte.

El concepto de la exhibición se construyó considerando al arte callejero como vandalismo y, por ende, estaban vandalizando el vandalismo. Curiosamente, su auto proclamado acto de vandalismo también fue anunciado como un acto de preservación de las piezas. Al vandalizar el vandalismo, se rescataban obras de su destrucción segura.

La promoción del evento ofrecía la siguiente explicación críptica:

El artista “se apodera de fragmentos de graffiti callejero – destinados a destruirse a merced de los elementos ó por varias capas de pintura – y los traslada a la galería en un ejercicio de preservación, que se asemeja más a una operación forense que a la simple conservación de fragmentos culturales.”

Claro está que dicha explicación no convenció a los artistas callejeros ni a los seguidores de sus trabajos.

Desde la perspectiva del artistas local, un extraño había irrumpido en la escena destruyendo las paredes al persiguiendo sus propios objetivos artísticos. No intentó contactarse con nadie ni había hecho ningún intento de pedir permiso. Simplemente llegó al país y comenzó a sustraer las piezas que necesitaba para curar su propia exposición.

La noche de la inauguración fue apenas publicitada. El montaje de las obras en la galería consistía en exponer los fragmentos de los murales apropiados, embebidos en la resina, colgando del techo. Las obras, tasadas de acuerdo al tamaño, valían aproximadamente miles de dólares. Mozos de guantes blancos servían exquisitos vinos en bandejas de plata. El artista estaba rodeado por sus admiradores.

Poco se sabe con exactitud de lo que sucedió después. En algún momento de la noche, se detonó un extinguidor y la gente evacuó la galería. En medio de la confusión general, las obras vandalizadas fueron metódicamente destruídas y los responsables se dieron a la fuga.

Este fue el final abrupto de la exposición.

Cabe pensar que el artista esperaba algún tipo de reacción. Los comentarios que consecuentemente realizó en Facebook sugerían que consideraba la destrucción total de las piezas de la galería como una respuesta que legitimaba su ejercicio conceptual. Su intento de vandalizar el vandalismo había sido vandalizado.

Por varias razones, aquel ejercicio plástico simplemente no dio resultado en Buenos Aires. Varias de las piezas consideradas como “vandalismo” habían sido pintadas con los permisos correspondientes. Lo que él había reducido a pintadas callejeras, eran piezas de valor para los artistas, los dueños de las paredes y el público.

Un caso en particular se destacó entre los demás: un mural había sido usurpado de una propiedad privada. Como muchas de las otras piezas, había sido pintada con permiso de los propietarios: una mujer le encargó el trabajo a unos artistas que había visto pintar en las cercanías de su casa y les pidió que le realizaran un mural para su hijo. La mujer estaba notablmente furiosa ya que se despertó un día y una parte considerable de la pared había desaparecido.

El artista debería haber investigado seriamente sobre la escena local antes de embarcarse en semejante proyecto. De haberse comunicado con los artistas, hubiera entendido que su trabajo no es generalmente considerado como vandalismo. Una de las características que definen la escena porteña, es la aceptación pública construida, en parte, por las buen relación del artista con la comunidad. Es normal que los artistas toquen la puerta de las casas para pedir permiso, así como también, las casas ofrecen sus muros felizmente.

En los días siguientes a la breve exhibición, el artista fue enfrentado por un público enojado y denunciado en los medios. Una exposición de características similares que se había proyectado para San Pablo, fue cancelada. Muchos de los artistas afectados hicieron públicas sus demandas de que se restauren los murales dañados e incluso algunos propietarios de las paredes removidas consideraron tomar acciones legales.

En otros países es posible que se tolere no sancionar a los responsables de remover arte de paredes públicas, pero no puedo pensar otro lugar donde éstas acciones sean moralmente objetables como en Argentina, sin mencionar la violación a los derechos de autor de los artistas.

Comentamos el incidente con una abogada argentina especialista en propiedad intelectual. Nos explicó que en Argentina la ley considera al artista como el dueño de su trabajo: solamente ellos pueden decidir quien utiliza sus obras y cómo. Para la ley, pintar en el espacio público es irrelevante. Incluso no interesa que las obras hayan sido creadas sin permiso: un artista que pinta sin consentimiento puede ser denunciado por daño a la propiedad pero aún así, poseen el derecho sobre sus piezas. Sus obras no se convierten en propiedad pública simplemente porque hayan sido concebidas sin permiso. Los artistas pueden querer que el público vea sus obras, pero eso no significa que les pertenezcan ó que éste pueda hacer lo que quiera con las piezas.

La técnica usada en este caso, para remover las piezas de la pared fue inusual pero sin embargo, no es el primer intento de apropiarse del arte de las calles.

Muchos artistas argentinos demandaron, en el último tiempo, a varias empresas multinacionales que utilizaron sus piezas en avisos publicitarios sin permiso.

Mientras tanto, en Estados Unidos, un comerciante fue condenado a pagar daños y entregar el stock completo de una serie de remeras que reproducían el diseño de un artista urbano, sin su consentimiento.

Algunos años atrás, el New York Times publicó un artículo muy interesante sobre el juicio hecho contra un fotógrafo quien publicó un libro sobre arte callejero. Los artistas implicados no solo no estaban contentos con el hecho de que su trabajo había sido comercialmente reproducido sin su consentimiento, sino que tampoco les gustaba la manera en la que era presentado. Tras la reacción de los artistas, el libro fue sacado de circulación un mes después de su lanzamiento y los daños están siendo reparados.

Irónicamente, varios de los artistas cuyas piezas fueron robadas apreciaron el concepto de la exposición. Lo que no apreciaron fue no haber sido incluidos ni consultados.

Al valorarse cada vez más el arte callejero, sus artistas toman conciencia de sus derechos. Su arte puede ser compartido públicamente, puede ser efímero, puede incluso tratarse de vandalismo. Pero es, a fin de cuentas, su arte.

El Padrino del stencil: Entrevista a Blek le Rat

La entrevista nos llega como cortesía de escritos en la calle, un extraordinario proyecto que recopila meticulosamente piezas de graffiti escrito encontradas por la ciudad.

Las calles de Buenos Aires fueron usadas como un medio más de comunicación antes que fueran concebidas como soporte de arte. Las paredes están repletas de mensajes políticos, de amor, furia y chistes; todos ellos articulados de la misma manera, con el simple hecho de una persona escribiendo en la calle.

El foco de escritos en la calle está puesto en el graffiti escrito, sin embargo, han realizado entrevistas a artistas de stencil. Buenos Aires posee una rica tradición de stencil mayormente utilizado por los políticos, activistas y por personas que simplemente buscan expresar su punto de vista sobre un asunto

En esta entrevista tenemos el placer de leer al primer artista en utilizar la técnica de stencil para transmitir su punto de vista: el famosísimo Blek le Rat. Muchas gracias nuevamente a nuestros amigos de escritos en la calle por permitirnos re publicar esta entrevista cuya traducción al español está recién sacadita del horno.

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En 1981, las plantillas de Blek le Rat empezaban a aparecer en las calles de París. Hoy, este artista francés prepara tres exposiciones de sus esténciles en San Francisco, Londres y París. Con el entusiasmo y la inspiración intactas, sus palabras nos iluminan en esta entrevista exclusiva, donde habla de su carrera, de la transición de artista callejero a las galerías de arte, y… de su visita a Buenos Aires.

Por Laurent Jacobi, desde Francia / laurent.jacobi@gmail.com / Fotos: Blek le Rat

¿Cómo fueron tus comienzos?
Estudié Bellas Artes y Arquitectura en París. En el marco de mi graduación, en los años 80, trabajaba con adolescentes en solares abandonados alrededor de espacios llamados “libres”. Un día, los niños pintaron un graffiti en nuestra cabaña. Una buena idea. Un verdadero disparador. Con mi amigo Gerard, nos dijimos: “vamos a hacer lo mismo” en las paredes de París… Compramos pintura para carrocería de autos y nos fuimos al barrio 14. Hice una especie de graffiti inspirado en los modelos americanos. No era muy terrible, si no recuerdo mal.

¿Habías visto algo así antes?
Sí, claro. En 1971, durante un viaje a Nueva York, me quedé muy impresionado por los dibujos en el metro. En los 80, todavía eso seguía dando vueltas en mi memoria, algo estaba en gestación. Y si voy más atrás en el tiempo, de joven, durante un viaje a Italia, había visto en las paredes vestigios de esténciles fascistas. A pesar del tema, me encontré con estas plantillas hermosas. Y además, claro, la influencia de las pintadas políticas en la Argelia francesa o en mayo del 68.

El graffiti está en todas partes: en Roma, Pompeya o el Partenón. Es una forma de arte que siempre ha existido, un fenómeno social que permite pasar de la expresión individual a lo colectivo. Uno puede decir todo, su amor o su odio.

Tu carrera comienza con la llegada de la izquierda francesa al poder…
Sí, pero no puedo decir que me sentí muy apoyado… Yo hice una gira por Francia en una 4L y eso me dio notoriedad en la prensa. Incluso, en 1983, publicaron un artículo en Télérama. Durante los 80 y los 90, el graffiti explotó. Había por todas partes. Una verdadera aplanadora. No quedaba un milímetro de pared libre, había tags por todos lados.

¿Cuáles son las influencias de tu trabajo?
A nivel conceptual, somos una prolongación del Pop Art. El trabajo del inglés David Hockney me marcó bastante. En 1972 o 1973, vi una exposición suya y quedé fascinado por sus dibujos con crayones de colores. En A Bigger Splash, una película que vi 5 o 6 veces, se lo ve pintar un personaje de tamaño natural en las paredes de un departamento en Londres. Eso me pareció magnífico.

Y también Richard Ambleton. En 1983, estuvo en París donde pintó unos personajes de 2 metros de altura: unas sombras hermosas. En ese momento, yo hacía las ratas pequeñas y decidí probar con un tamaño mayor.

¿Y qué nos podés decir de tu técnica?
Desde el principio, trabajé con esténciles. Si se excluyen los graffiti políticos, soy el primero que los usó para una obra de arte. No hay azar. La imagen es limpia y hermosa. La preparás en tu estudio y podés reproducirla indefinidamente. No soy lo suficientemente bueno como para trabajar a mano alzada. La plantilla es una técnica muy apropiada para la calle porque es rápida. No tenés la angustia de que te agarre la policía.

¿La idea del riesgo condicionó tu forma de trabajar?
No, en absoluto. A principios de los años 80, la policía no decía nada. Me preguntaban si era algo político. Yo respondía: “es arte” y eso era todo. Los problemas comenzaron con los tags. En un primer momento, la policía pensaba que eran sectarios… La represión vino después, cuando se dieron cuenta de que eran sólo personas que escribían sus nombres. Ahí también empezaron los problemas con la policía para mí. Me atacaron en Nueva York y terminé en la corte criminal de París…

Nunca fue placentero trabajar en la calle. Soy paranoico e intranquilo. Hoy en día, incluso cuando pido permiso, siempre estoy un poco asustado.

¿Volvés a ver cómo quedó lo que hiciste?
Sistemáticamente. Saco fotos, hablo con la gente, observo sus reacciones sin decir que soy el autor. Es lo más agradable del graffiti: un momento de verdadera felicidad.

¿Qué te gusta provocar en el espectador?
Placer, antes que todo. No me interesa agredir a la gente. Mis imágenes son frescas y visibles para todos. Quiero que me amen, no que me odien.

¿Cómo está considerado el graffiti hoy día?
En Francia, un graffitero sigue siendo un vándalo. Siempre hubo algunas galerías, pero marginales. En Inglaterra, en Estados Unidos o en Australia, el apoyo de los medios de comunicación, la política y el mercado del arte son mucho más fuertes. Por mi parte, soy mucho más conocido en el extranjero que en mi país.

¿Qué te interesa hoy del graffiti?
Después de períodos de plantillas, tags y graffiti, estamos en una fase de intervenciones en espacios urbanos. Me gusta, por ejemplo, Space Invaders, Jerome Mesnager, Costa o Zeus con sus intervenciones de carteles. En Francia, por desgracia, es bastante pobre. Nos falta imaginación y creatividad. Somos lentos y nos lleva asimilar algo nuevo. Tenés que ir a Londres, a Australia o a China, para ver cosas realmente diferentes e innovadoras. Pienso en un estadounidense que hace moldes con cinta scotch que pone en la ciudad. También hay un inglés que hace personajes pequeños y los mete en situaciones dentro del espacio público.

¿Sos consciente de haber tenido una influencia sobre el graffiti?
Sí. Desde el comienzo, vi a muchos que estaban interesados en mis plantillas. Eso se tranquilizó hasta que Banksy volvió a poner de moda esa forma artística.

Recibo muchos e-mails, casi 40 o 50 por semana, donde me preguntan acerca de mi técnica o me piden un consejo sobre creatividad. Eso me da placer e intento ser amable. A los sesenta, soy como un abuelo. De hecho, me llaman el Padrino del esténcil…

¿Qué sabés de la Argentina?
En 2006, me contactaron para un documental y estuve 10 días en Buenos Aires. Llegué en diciembre y me quedé en lo de una señora mayor de clase media, que murió tiempo después. La arquitectura es muy europea. Tuve la impresión de haber hecho un viaje en el tiempo. Era como mi juventud en Europa.
Pinté barcos abandonados en La Boca. También intervine un terreno baldío entre dos inmuebles habitados por una pareja y unos perros. Ellos habían acumulado miles de cosas recuperadas de la basura y yo añadí un personaje encima. También pegué afiches en Palermo. Y, sobre todo, tuve muchos problemas…

¿De qué tipo?
En Palermo, precisamente, una mujer se molestó y despegó todos mis carteles. Un domingo a la mañana, fui denunciado por la gente del barrio y me arrestó la policía. Me llevaron a una comisaría, tomaron mi pasaporte y me interrogaron. No me creían que yo no hablaba español y pasé un día entero en la cárcel…

¿Qué notaste en los graffiti de Buenos Aires?
Son mucho más políticos, con mensajes muy específicos. Es el mismo caso que en la Ciudad de México, donde hice también un Víctor Hugo enorme en una casa que pertenecía a unos trotskistas.

¿Hay un discurso político en tu obra?
En el caso de Víctor Hugo, por supuesto. Pero no tengo el discurso político de la izquierda o la derecha. Hice un David que lleva un rifle Kalashnikov, lo cual me metió en problemas. Sólo estaba diciendo “no quiero la guerra entre Israel y Palestina”, si no el derecho de los palestinos a un Estado y de ir y venir libremente y, por otro lado, el derecho de Israel de estar en paz.

¿En qué estás trabajando ahora?
Se cumplen los 30 años de le Rat. Estoy trabajando en tres exposiciones para 2011-12, que se harán en San Francisco, Londres y París. Estoy preparando los cuadros. Habrá una mezcla de personajes antiguos y nuevos.

¿Creés que le Rat ha evolucionado?
No, es siempre el mismo. Sólo que envejece mucho… Tengo sesenta años. Mi historia está hecha. Espero parar un día porque estoy un poco cansado. Marcel Duchamp abandonó su carrera para jugar al ajedrez hasta el final de su vida. Es sólo una cuestión de dinero. Los artistas no tenemos jubilación…

¿Cómo es tu forma de trabajo ahora?
Pido permiso y autorización antes de invertir en una pared. Trabajo con galerías de Los Ángeles y San Francisco, que reciben pedidos de personas, instituciones o marcas. Ahora creo imágenes en función de los lugares disponibles. Y sigo trabajando “ilegalmente”, pero ya no más en París. No me gusta esta ciudad.

¿Un consejo para alguien que recién empieza?
Tengo un hijo de 18 años, a quien le dije: “nunca seas artista, es muy duro”. La vida de un artista no está hecha de amor, de creatividad y de agua fresca. Hay que conocer ciertas recetas. Uno tiene que saber cómo funciona el mercado del arte. También hay que hablarle al público, halagarlo, darle cosas comprensibles. El mercado del arte es una cocina muy similar a la bolsa de valores. Yo aprendí trabajando. El arte es un negocio verdadero y complejo, con reglas y leyes, formas de exposición y de poner en valor el trabajo de uno para obtener un valor de mercado. Pero no era conciente de eso cuando empecé.

En tus comienzos, ¿pensabas en vivir de tu arte?
La verdad, no. Yo era muy consciente de que esta es una nueva forma de arte, una expresión diferente. No sabíamos cómo se iba a desarrollar, pero sí nos dimos cuenta de que traíamos una novedad. Nunca pensé que iba a vivir de esto y que sería reconocido en Estados Unidos, o en Inglaterra gracias a Banksy… Yo veía la ruptura: pintar en tu propio estudio y exhibir en una galería ya no era el futuro. Fue una transición. El arte devino público, ya no está reservado a una elite. Hay una verdadera democratización. De hecho, no hay ninguna contradicción entre un trabajo expuesto en una galería y otro gratuito hecho en la calle.

¿Cómo manejás el hecho de que el arte callejero es efímero?
Es efímero y, sin embargo, la huella que se deja es importante. No queda nada de los años 80. Por ejemplo, los graffiti de Keith Haring han desaparecido y ya no son palpables. Al principio, yo no hacía cuadros y ni siquiera sacaba fotos de mis plantillas. Nunca me imaginé que lo que hago, iba a ser considerado una obra. Es triste porque parte de mi vida se perdió y es bueno dejar un recuerdo de nuestro paso. Sí, conservé algunas plantillas. El único medio de trabajar es sobre soportes, tela, pedazos de maderas. Empecé a tomar fotos cuando sentí la consistencia de lo que hacía. Durante 20 años, he dejado cuadros y obras en casas de coleccionistas, y allí se mantendrán.

¿Cuándo empezaste a sentir que creabas una obra?
Es horrible decirlo, pero recién me di cuenta cuando la gente me ofreció dinero. Mi trabajo ha tenido un valor diferente. Cuando se vendió en Christie’s o en Sotheby’s por 40.000 dólares, algo pasó, la dimensión cambió. Especialmente, para las personas que no consideraban el graffiti como una forma de arte en sí mismo.

Es triste, pero todo tiene un precio. Al principio, yo tenía un discurso: quería estar fuera del sistema, engañar al mercado del arte. De hecho, es imposible. Nunca salís del sistema, no podés escaparle si querés vivir. A los sesenta, ya no quiero engañar a nadie. Yo no hago la revolución. Entendí que no voy a cambiar el mundo. Sin embargo, sigo trabajando de forma gratuita en la calle. Doy acceso a imágenes que la gente no suele ver en los museos. Es el arte de la esquina de la calle. Es el regalo que le hago al mundo.

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Para leer la entrevista en francés, hacé clic acá.

Si querés ver más imágenes de Blek le Rat:

http://blekmyvibe.free.fr
http://bleklerat.free.fr

Jaz – acueralas urbanas

Durante las últimas semanas, Jaz estuvo pintando varias piezas espectaculares alrededor de Buenos Aires.

El zoológico pintado en las calles porteñas adquirió un león y un extraordinario par de osos polares gigantes, de tres metros cada uno. Jaz creó una pieza similar en la reciente exposición Fuera de la Linea de Rosario, en la que sus osos polares dominaban el espacio de la galería.

Sus dos obras más recientes presentan un tema que Jaz comenzó a desarrollar en su último viaje a Estados Unidos. Sus obras expuestas en Ritual Exhibition en Brooklyn y en la conferencia Living Walls de Atlanta, exploran de forma surrealista la manera en la que animales y humanos se funden por la cabeza.

Jaz concibe la calle como su cuaderno de bocetos. Todas sus ideas comienzan en las paredes y algunas son luego transformadas a piezas de galería. Uno de los artistas más prolíficos de la escena porteña, Jaz cuenta con una increíble habilidad para trabajar cómodamente y rápido a grandes escalas, plasmando su inagotable imaginación de temas nuevos y estilos.

Además de sus notables composiciones y la imponente escala de sus piezas, uno de los aspectos más inusuales de Jaz es los materiales con los que trabaja. Sus piezas más recientes utilizan un medio artístico muy poco convencional: pintura asfáltica. También conocida como betún, este material es un líquido negro viscoso ccomúnmente utilizado en la realización de calles y como material para techos. Mezclada con gasolina y con una emulsión industrial blanca, la pintura asfáltica provee de un complejo matiz de tonos sepia que dotan las piezas de Jaz de texturas increíbles.

Pintar con pintura asfáltica es realmente económico. Un pequeño contenedor de asfáltica le está durando al artista casi dos años y tan solo usó la mitad. La emulsión industrial blanca, que se vende en cubos gigantes, es sin duda la pintura más económica para adquirir (la gasolina es más accesible pero de trazo más delgado) y le brinda a Jaz los pigmentos necesarios para construir sus obras de grandes escalas a costo mínimo.

Una vez aplicada a la pared, la mezcla brillante de gasolina y alquitrán, dotan a la pieza de texturas que reflejan la luz de forma completamente diferente a la del aerosol. La mezcla cubre la pared casi sin esfuerzo en trazos que se acumulan en capas. Las obras urbanas de Jaz le dan al espectador la impresión de estar frente a una pared de concreto que fue pintada con acuarelas.

Roma explicó en una entrevista reciente que varios artistas se vieron forzados a improvisar con los materiales tras la crisis del 2001, cuando los costos de los aerosoles importados se elevaron por las nubes, dejando a los artistas libres para improvisar con nuevos materiales en su arte callejero. Sin embargo, en el caso de Jaz, esta elección es principalmente estilística.

“Estoy usando exactamente los mismos materiales de los que están hechas las calles, para usarlo en mis pinturas”, explica Jaz, “me gusta mucho esa conexión.”

“Conciencia Mágica” – mural premiado en Caballito

Felicitaciones a Federación de Stickboxing por ser las ganadoras en la categoría mural del Premio Itaú Arte Urbano.

La agrupación femenina fue elegida para transformar un muro de 70 metros de largo en el Parque Rivadavia, Caballito. Juntas cubrieron cada centímetro del muro de ladrillos con una serie de stencils psicodélicos, pegatinas y figuras pintadas.

Nuestras felicitaciones también a Pedro Perelman (PMP), ganador en la categoría graffiti 3D. Su pieza será muy pronto en Puerto Madero.

Los organizadores del evento fueron el Banco Itaú y & Estilo Libre, el ministro de Ambiente y Espacio Público acercó para felicitar a los participantes.

Lo que se viene: Estilo Libre y el Ministerio de Ambiente y Espacio Público unieron fuerzas para traer el prestigioso festival de arte urbano Meeting of Styles a Buenos Aires, el próximo mes de noviembre. El festival contará con la presencia de artistas consagrados locales e internacionales, para intervenir el espacio público de la ciudad. Muy pronto, más detalles!

Interview: Mart

Un día de sol, previo a la llegada de la primavera, graffitimundo se encontró con Mart que se disponía a pintar un mural. Entre latas de aerosol y amigos que pasaban a saludarlo, Mart charló con nosotros mientras pintaba.

¿Cómo arrancó tu carrera artística?

Ya en el colegio escribía mi nombre en todos lados, sin saber lo que era el graffiti. Después conocí a Dano, que era el novio de mi hermana mayor, él me introdujo al mundo del graffiti y me enseñó sus técnicas. Empecé a acompañarlo a pintar. Yo era muy chico todavía, tenía 12 años. Era una aventura increíble.

Era muy gracioso, porque volvías de vacacionesy la maestra nos preguntaba “¿Qué hicieron durante las vacaciones?”. Y, mientras que los otros decían, “me fui a… nos é dónde con mi familia”, yo contestaba “pinté un tren con un amigo”. La maestra me miraba como un delincuente.

Cuando empezaste, ¿tenías ambiciones de pintar en serio?

No, jamás. Nunca estudié pintura así que nunca imaginé algo. Seguí pintando y un día alguien me ofreció hacer una muestra y acepté. Después, otros más me ofrecieron proyectos que también acepté.

Hasta el día de hoy me sigue pasando, recibo emails con ofertas de laburo sin que los busque yo. Tengo una buena pagina de web y más que eso, es dejar que la situación se dé naturalmente.

¿Hubo un momento en el que dejaste de ver la pintura como un hobby para tomarla más en serio?

Las cosas cambiaron cuando salió mi primer laburo grande, con Cartoon Network. Ese fue un quiebre para mí, pero no por el trabajo en sí, sino porque en ese momento vi a muchos amigos caer presos y entendí que no quería terminar igual, que me gustaba pintar y podía hacer plata con eso. Incluso pintar me hacía muy bien, entonces todo resultó en una muy buena ecuación para mí.

¿Cómo es la conexión con tu barrio?

Este es mi lugar, acá estuve siempre. Encontré mi manera de hacer lo que me gusta y estar en la calle todo el tiempo, pintando y saludando amigos. Sigo haciendo lo mismo, es genial.

Encontré una forma de seguir siendo un chico y es increíble.

Tus murales varían entre lo figurativo y lo abstracto, ¿por qué? ¿Cómo decidís qué es lo correcto para un mural?

El subjeto va cambiando porque soy una persona muy cambiante. No puedo hacer lo mismo siempre. Cuando hago algo, ya no lo vuelvo a repetir.

Dibujo mucho, solo blanco y negro con lapicera. No puedo parar de dibujar. En un día puedo hacer 20 dibujos, es una constante. Entonces cuando veo una pared, me acuerdo de un dibujo que hice y pienso, “esto puede ir acá, el lugar lo merece”.

El lugar es muy importante a la pintura, tanto como la pintura lo termina siendo para el lugar.

Tus personajes siempre visten ropa muy interesante, con mucho estilo.

Algún día me gustaría tener una marca de ropa, es un objetivo que tengo. Siempre me gustó y diseñar una línea sería buenísimo.

¿Qué te incita a pintar?

Que sale el sol, eso es fundamental. Juntarme con amigos, armar esos encuentros son mi motivación. Cuando lo estoy viviendo me pregunto cómo seguir haciendo eso para siempre.

¿Alguna vez pensás por qué pintás?

No, no. Si me pregunto por qué pinto, voy a dejar de pintar, porque no sé por qué pinto. No me gusta lo que dibujo, nunca me gustó. Entonces eso me genera seguir pintando. El día que me guste lo que dibuje voy a dejar de pintar. Es como un ciclo. Pero sí sé que pintar me mantiene sano. Que tengo que seguir pintando para quedarme bien.

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More from Mart: http://flavors.me/airesmart

Banksy – perdido en la reproducción?

Un edificio de dos pisos, abandonado de San Telmo amaneció repentinamente cubierto con numerosos stencils pertenecientes al artista Banksy. Las imagenes son reproducciones fieles de los originales que Bansky creó en Nueva Orleans, tras los destrozos del huracán Katrina.

La imagen de la derecha del edificio muestra a una niña cuyo paraguas parece lloverle encima. En el contexto de las inundaciones en Nueva Orleans, esta era una imagen conmovedora.

El extraño personaje del pintor que aparece en la parte inferior izquierda de la mansión es otra pieza originalmente pintada por Banksy en Nueva Orleans. Esta imagen representa a una leyenda local conocida como “el fantasma gris“, un señor que se tomaba el trabajo de cubrir con pintura gris cada graffiti que encontraba a su paso, sin importarle el color original de la pared. Pueden leer más sobre el Fantasma Gris acá.

Puestas contra la enorme mansión, las reproducciones toman un tinte dramático, especialmente las figuras con las máscaras de gas subiendo por la escalera pintada. Pero fuera de contexto, estas imágenes pierden consistencia.

El éxito de Banksy radica en su habilidad de utilizar arte callejero para hacer una declaración en un lugar determinado. Mientras que estas reproducciones lucen interesantes, su esencia se pierde fuera del contexto original.

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Entrevista: Roma

Roma podría considerarse una leyenda en el mundo del graffiti & street art, especialmente por en su barrio: Villa Ballester.

Fue uno de los primeros en experimentar con el graffiti en los años 90 y, como muchos artistas de su generación, su estilo evolucionó con el tiempo del graffiti letras hacia una combinación de diversas técnicas y materiales.

Melissa Foss entrevistó a Roma acerca de su estilo único y su cambiante relación con el arte y las calles.

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gm: ¿Planeás lo que vas a pintar en tus murales ó improvisás? ¿Qué papel juega el boceto en tu proceso?

ROMA: Personalmente disfruto mucho más la práctica del freestyle. Aplicado a todos los planos, digamos que en letras es muy divertido, los trazos suelen ser más ligeros y la actitud frente al muro es espontánea, el contexto influye al 100%.

En muros grandes que llevan mayor dedicación y detenimiento el freestyle es muy divertido. A diferencia de las letras, el proceso me resulta más introspectivo, digamos que encamino una busqueda interior donde están más en juego los sentimientos y el pensamiento, el alma. El YO en su maxima escencia.

Esto me provoca la mayor atención, ya que me enamoro de la composición y no de la impronta en sí; es lo que me hace investigar dentro de mí. Los bocetos son muy útiles para trabajos en los que necesito un firme patrón de lo que quiero hacer. Es muy bueno hacer bocetos.

gm: ¿Con qué materiales trabajás?

ROMA: Mi herramienta principal es el aerosol. Desde un principio lo que me impulsó a pintar en la calle fue el empleo del aerosol; simplemente es mágico, trazar, rellenar, esfumar. Crear con una sola herramienta es interesante.

Mas allá de eso, me resulta muy interesante experimentar con materiales: las acuarelas son muy buen recurso como la pintura asfáltica, látex, oleos. También lo es la grasa de auto, el té, orina o la sangre de toro.

El empleo de otros materiales que no sean Spray en el graffiti, comenzó debido a la crisis económica que se vive en gran parte de la sociedad argentina. El spray es y fue siempre costoso y nos encontramos en un pais sub desarrollado en el cual nos cuesta encontrar materiales de primera calidad y bajos en contaminacion. Actualmente, contamos con marcas que importan Sprays pero no le otorgan facilidades a los artistas.

gm: ¿Estás involucrado en otros proyectos artísticos?

ROMA: Diferentes propuestas laborales nacen a partir del encauce con la pintura, se nos considera grandes creativos y para ser sincero no me cuesta pensar en soluciones estéticas. Disfruto muchísimo trabajar en cosas como tapones de fotografía, cine y demás.

Recientemente realicé unos estantes para el lanzamiento del local de una importante marca de ropa femenina. La temática era clara, “el mar“. Trabajé en la ambientacion del local siguiendo este concepto. Mi mayor participación fue el diseño, idea y realización de la pintura. Un equipo de carpinteros, encabezados por mi primo, se encargó de la construcción.

En la actualidad trabajo en un bike park donde hago señalética, diseño de ambiente, propongo sponsors. Son 3 hectáreas de tierra y diversión.

gm: ¿En qué cambia el proceso cuando pintás sobre lienzo, objetos o paredes?

ROMA: Me gusta pintar objetos, cada uno tiene su naturaleza. Los muebles quedan impactantes en ambientes, llegan a tomar caracter y cobran una fuerte presencia en escena.

El lienzo tiene para mí un vuelco totalmente anímico y espiritual. Bendigo cada uno de ellos y espero que sobrevivan en el tiempo. Los lienzos contienen mi vida desnuda. El proceso es otro, claramente, puedo pintarlo desnudo, tomando mate, escuchando Bill Evans en mi casa, mientras que las paredes no me permiten tal relajo.  Las paredes se cargan de amor y odio, los muros en la calle reflejan lo que somos y lo que queremos.

gm: A nadie le gustan las etiquetas pero, ¿te considerás grafitero ó muralista?

ROMA: ¡Soy graffitero desde el jopo hasta el juanete! Yo nací grafitero y viví esa escuela; tuve la suerte de formar parte de los primeros 30 artistas locales poniendo mi primer bomba por el año 96, con 13 años de edad. No había Internet, tampoco revistas, apenas nos conformabamos con ver graffitis en videos de los Beastie Boys. Pintar y pintar era lo único que entraba en mi cabeza: trenes, techos, tags, música hardcore, Punk, Rap y mucha calle.

Sé que mis obras hoy en día ya no entran en esta categoría pero contienen esa impronta. De hecho, a veces me critican por esto. Algunos grafiteros consideran que deberíamos habernos quedado en los 90, pero yo soy cambiante, tal vez mañana termine esculpiendo y la pintura sera una anécdota, como lo es hoy la época de los trenes.

Lo que vemos como resultado en mis obras es una marcada evolución, tanto en mí como en la tecnología misma. Es normal y razonable hacer algo diferente con el paso del tiempo, como dije antes, incrementar conocimientos nos hace más objetivos en lo que buscamos, nos provoca transitar diferentes movimientos.

En los 90 fueron las letras, el impulso. Luego los caracteres, el realismo, fileteado porteño, fondos, las tramas. Hoy, lo abstracto.  A veces me pregunto que será lo próximo, por lo pronto me interesan las esculturas y conocer mujeres.

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Las imagenes fue extraídas del Flickr de Roma – www.flickr.com/rojoroma

Proyecto urbano Garibaldi Pum

En el mes de agosto un grupo de artistas callejeros ( rundontwalk, Stencil Land, Mart, Nerf, Pastel, Malatesta, Pum Pum, Triángulo Dorado & Maria Bedoian), fueron convocados para el proyecto de regeneración urbana ‘Garibaldi Pum’.

El proyecto tomó lugar en el tradicional barrio de La Boca, ubicado al sur de Buenos Aires. Con un alto índice de pobreza y marginalidad, La Boca es igualmente conocido por atraer diariamente a centenares de turistas a comprar coloridos souvenirs en su tradicional paseo El Caminito.

“Garibaldi Pum“ fue organizado por Fundacion X La Boca, una organización que desarrolla y promueve proyectos culturales, sociales y ambientales para mejorar las condiciones de los vecinos del barrio. Su objetivo fue regenerar el Paseo Garibaldi, un área descuidada que se ubica entre dos puntos de alta circulación turístca: “El Caminito” y la cancha de Boca Juniors. Anteriormente el pasaje había funcionado como basural pero los trabajadores de la cancha de La Boca colaboraron limpiándolo y preparando el espacio para la intervención de los artistas.

El pasaje se llenó de colores. Los artistas plasmaron una variedad de estilos: muralismo abstracto, graffiti letras y obras en stencil y muchas de estas piezas encontraban su inspiración en La Boca misma, haciendo referencia a íconos culturales locales como de los colores azul y oro, característicos del equipo de futbol.

Los murales terminados actúan como interesante contrapunto visual a los signos de abandono de los alrededores del barrio. La iniciativa de Fundación X La Boca logró la transformación a un área comunitaria de aspecto amigable, atrayendo la curiosidad de tanto los turistas, como de los vecinos de la zona. Cualquiera sea el caso, arte urbano ó graffiti, murales cómo éstos pueden ser clave para instrumentar cambios en los comportamientos sociales hacia un área determinada. El proyecto “Garibaldi Pum“ es un claro ejemplo de cómo el arte puede contribuir a revitalizar los espacios urbanos.

(Melissa Foss)

Tecnópolis

Tecnópolis es la radiante y nueva feria de ciencia, arte y tecnología de Argentina, ubicada en las afueras de la Capital Federal en Buenos Aires.

El impactante predio de la feria cuenta con un sinnúmero de instalaciones y exposiciones, junto con increíbles murales realizados por artistas argentinos y colectivos de artistas. Siguiendo el rotundo éxito de la exhibición “Fuera de la Linea” organizada en Rosario, Lucas Zambrano & Soledad Zambrano fueron invitados a curar lo que terminó siendo la exhibición al aire libre de mayor envergadura de los artistas de Buenos Aires.

Las paredes de un amplísimo hall de exhibiciones sirvieron de lienzo para Pastel, Poeta, Mart, Roma, Nazza Stencil, Ever, Triangulo Dorado y Jaz; junto con Defi, Tec & PMP del colectivo FASE. Juntos transformaron un almacén abandonado en una extraordinaria galería al aire libre, una clara prueba de su talento y habilidades para trabajar en grandes escalas.

Un segundo espacio de proporciones menores, que rodeaba la exhibición del Cirque du Soleil, fue intervenido por los artistas rundontwalk, bs.as.stncl, Cabaio Stencil, Stencil Land, Vuala, Proyecto Fauna & the Federación de Stickboxing pero accidentalmente escondidas de la vista del público al ser tapados por el backstage del staff del Cirque du Soleil. Sin embargo, nosotros logramos escabullirnos para sacar algunas fotos.

A continuación podrán ver una pequeña selección de fotos, pueden ver más en el flickr de graffitimundo.

Espíritu de colaboración

La colaboración jugó un rol vital en el desarrollo de la escena de arte callejero de Buenos Aires. Incluso en una época anterior a la explosión del graffiti que siguió la crisis del 2001, los grafiteros de los años 90 se unían en equipos para intervenir calles y trenes. Este espíritu perduró gracias a la actitud de los artistas locales quienes privilegian el amor por lo que hacen y las ganas de compartirlo con los demás, por sobre cuestiones de competitividad y exclusividad. Un claro ejemplo de ésto son los Colectivos de artistas que se desarrollaron muy tempranamente en Buenos Aires, como DOMA y FASE, quienes basan su identidad y la enriquecen con la sinergia alcanzada al unir esfuerzos.

Este sentido de comunidad abierta y espíritu colaborativo puede verse en murales alrededor de la ciudad. Por muchos años la plaza en Córdoba y Bonpland ha sido un clarísimo ejemplo del trabajo en conjunto de grafiteros pertenecientes a distintos colectivos de artistas como Tec de FASE, Chu de DOMA y rundontwalk. Con su reparto de simpáticos personajes creados a partir de distintas técnicas, los artistas amalgamaron sus estilos inventando un mundo común a sus criaturas adorables que adornaron la plaza por años.

Mezclar estilos parece nunca haber sido un problema en Buenos Aires y la mayoría de los artistas están más que contentos de compartir pared con otros talentos de estilos totalmente diferentes. La combinación Nerf y Pum Pum es un excelente ejemplo de esta dinámica: Nerf es conocido por su increíble habilidad con el aerosol y sus inigualables cubos en 3D. Pum Pum por el contrario, proviene del diseño gráfico y la ilustración, trabaja casi exclusivamente con látex, usa pinceles y rodillos y sus piezas son en 2D, muy femeninas y adorables. Otros artistas pensarían dos veces antes de trabajar juntos pero Nerf y Pum Pum han funcionado muy bien como dupla creando murales inigualables.

Los grafiteros porteños probaron ser cálidos anfitriones al recibir visitas de colegas internacionales que llegan al país pincel en mano. Los artistas porteños ven en este hecho una oportunidad única de desarrollar trabajos en conjunto aprendiendo nuevas técnicas, compartiendo trucos y cultivando amistades. Cuando el artista canadiense Other llegó a Buenos Aires a pasar varios meses fue bienvenido por Jaz y Ever, entre otros. Los argentinos le mostraron la ciudad, compartieron anécdotas y colaboraron en varios trabajos donde Other pudo experimentar la libertad que gozan los grafiteros de Buenos Aires, lo completamente opuesto al ambiente de su Toronto natal.

El espíritu colaborativo de la escena urbana de Buenos Aires es uno de sus rasgos más característicos, especialmente dada la competitividad inherente del ámbito artístico y grafitero internacional. Siendo una de las ciudades del mundo más accesibles para pintar, la colaboración dio origen a material único, producto de las más variadas influencias y un singular deseo de colaborar.

(Melissa Foss)

Casacuberta: proyecto de arte en stencil

Casacuberta es un inocuo pasaje de dos cuadras en Parque Patricios (Buenos Aires) que está siendo transformado lentamente en una galería de arte en stencil al aire libre, por bs.as.stncl, rundontwalk & Stencil Land.

Los residentes de Casacuberta invitaron a los artistas a pintar las fachadas de sus casas, inspirados por sus trabajos en stencil que habían visto en la calle. Los dueños aportaron los materiales que los artistas necesitaban: pintura, aerosol, té y galletitas y, a cambio, los artistas obtenían libertad absoluta para crear lo que quisieran en el pasaje.

En otras partes del mundo, los dueños de las propiedades carecen de la libertad de pintar las fachadas de sus propias casas de otro color que no sea blanco. Barrios enteros y hasta sectores completos de las ciudades deben seguir normas estrictas de urbanismo. En cambio, aunque existan normas específicas para cada barrio, los propietarios en Buenos Aires cuentan con la libertad de disponer de sus paredes a su antojo.

Existen pocas ciudades en el mundo en la que los propietarios cuenten con estas libertades, pero aún menos podrán jactarse de tener una escena de arte urbano similar a la de Buenos Aires. En última instancia, es la relación entre el artista y su público lo que define una escena de arte callejero. En este sentido, el proyecto Casacuberta sirve de claro ejemplo de lo conseguido cuando los artistas son motivados por un público receptivo y ávido de cosas lindas.

Blu – Megunica documentary

El artista italiano Blu emprendió varios proyectos increíbles en Buenos Aires aprovechando la abundancia de paredes en blanco y el respeto que la ciudad le tiene al arte urbano.

Su extraoridinario corto animado MUTO muestra una animación en stop motion pintada completamente en paredes anónimas de Buenos Aires y Baden. Para crear el corto, Blu se la pasó pintando prácticamente todos los días por tres meses, en plena luz del día, a la vista de cualquiera.

La secuela de MUTO fue aún más ambiciosa, su segundo corto animado en stop motion “Big Bang Big Boom” muestra la evolución (y el final) de la vida tal como la conocemos.

Por un corto tiempo, Wired.It puso a disposición el documental de Blu & Lorenzo Fonda:Megunica, ahora disponible para mirar online. El documental muestra a Blu en su recorrido por Latinoamérica y ofrece una mirada única al contexto particular de cada país y las obras increíbles creadas en el camino.

El documental mezcla imágenes de murales, animaciones, ilustración y stop motion; disponible hasta el 22 de Julio.

Lo adjuntamos el trailer a continuación

Megunica documentary – Excerpt from lorenzo fonda on Vimeo.

JR en Buenos Aires

El fotógrafo y artista urbano francés JR anduvo recientemente por Buenos Aires y pegó un gran afiche de 3m x 10m sobre una pared que contenía pintadas políticas en el barrio de San Telmo.

Los carteles pegados con engrudo no son muy frecuentes en Buenos Aires, es por esto que nos llamó la atención que dos artistas de calibre internacional utilizaran este método en tan poco tiempo – pasaron tan sólo unas pocas semanas desde que Yola pegara su increíble interpretación de “El Circulo Vicioso“.

El proyecto fotográfico de JR dio la vuelta al mundo al cubrir los techos de barrios marginales en Africa, el Muro de Gaza, en la favela de Río de Janeiro y a orillas del Sena. Su inmensa creatividad fue reconocida este año al ganar el premio TED 2011; el artista eligió utilizar su premio de $100k para financiar su próximo proyecto que contará con la participación del público.

Su pieza en Buenos Aires no posee la escala o el impacto de sus obras anteriores y nos gustaría saber un poco más, pero sí sabemos que es parte de una producción televisiva alemana, de modo que tendremos que esperar a ver el programa para saber de qué se trata realmente. Si alguien puede aportar algun dato más sería genial!

Pueden verlo a JR acá en su discurso de agradecimiento del premio TED ó leer más sobre el proyecto Inside Out acá.

Yola – El Círculo Vicioso

En cualquier ciudad del mundo encontraremos pósters encolados a las paredes. Esta técnica le significa al artista una manera rápida y económica de poner sus obras en la calle. En ciudades donde los controles anti graffiti son muy estrictos, pegar las obras resultó ser la mejor alternativa a la pintura. Pintar una imagen que puede tardar horas, puede ser pegada en cuestión de minutos y esto no es detalle menor para los artistas que desean evitar confrontaciones con transeúntes y autoridades. Todo lo contrario sucede en Buenos Aires, donde rara vez se encuentran afiches encolados ya que la policía como el público en general es más tolerante con el arte urbano, por lo que no hay necesidad aparente de pegar algo y darse a la fuga. Además, imprimir es costoso en la capital porteña.

Con relativamente pocos artistas que realicen posters para pegatinas callejeras, nos alegramos cuando Yola nos contactó para contarnos algunas de sus ideas. Yola es una artista muy inusual e innovadora cuyas obras recrean pinturas clásicas con modelos contemporáneos, incorporando su pasión por el Renacimiento, su sentido del humor y talento formidable para la manipulación digital de las imágenes a sus trabajos.

A través de los años, su carrera artística progresó desde pegar ilícitamente pósters por todo Paris, hasta ser citada por el Ministro de Cultura polaco para otorgarle permiso de hacer lo que quisiera en cualquier edificio público de Varsovia. Aprovechando esta oportunidad, Yola creó una serie de trabajos ambiciosos que requirieron de grúas y un equipo especializado para ubicarlos en las paredes de altos edificios. A gran escala, sus trabajos se tornan altamente provocativos. El público no puede escapar de sus piezas y eso a menudo puede convertirse en un problema ya que varias partes de su obra han sido arrancadas por sus detractores.

Su obra en Buenos Aires recrea una pintura llamada “El círculo vicioso” de Jacek Malczewski, un artista polaco que retrató una danza circular como representación de las vidas humanas y de cómo se enredan en la Historia. La obra de Yola reinterpreta esta pieza explorando el rol de la inmigración en dicho “embrollo”. Los modelos que posaron para la pintura provienen de todas partes de latinoamérica y del mundo, así como los tres artistas con los que Yola compartió pared: Jaz (Argentina), Other (Canadá) & Corona (Francia).

La obra monumental de Yola se ubica entre uno de los leones enmascarados de luchador de Jaz, una creación diabólica de Other y un conjunto de rostros serenos pintados por Corona. Algunos elementos del poster de Yola se superponen con las pinturas de los otros artistas, pero esto fue anticipado por sus colaboradores quienes prometieron regresar la próxima semana para realizar los toques finales que terminen por integrar completamente las cuatro piezas.

Existen muy pocos artistas con las habilidades técnicas necesarias para crear una obra como esta – aparte de sus pegatinas callejeras, Yola también trabaja en composición digital para grandes producciones de Hollywood. Pero aún un menor número de artistas se financiarían un viaje del otro lado del mundo para recrear una obra maestra de un artista polaco.

El Circulo Vicioso de Yola, de escala monumental, técnica y concepto inusual fue muy alabada por su público. Fiel al estilo porteño, la artista se conectó con los grafiteros locales para darle vida al mural que terminó siendo una impresionante pieza de arte colaborativo, conectada con su público de una forma que solo es posible hacer en la calle y no dentro de un museo.

El mural está ubicado en Charcas y Sanchez de Bustamante en Palermo, Buenos Aires

Podés ver más trabajos de Yola acá: http://yolastreetart.blogspot.com/

Fuera de la Línea

Fuera de la Línea se inauguró el mes pasado y permanecerá abierto hasta el 28 de junio en el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRo), un espacio extraordinario construído dentro de un silo de granos en desuso, al margen del río Paraná en la provincia de Rosario, Argentina.

La exhibición se extiende por sus seis pisos y presenta trabajos de artistas argentinos como Nerf, Pum Pum, Jaz, Ever, Georgina Ciotti, Poeta,Roma, Andrés Bonavera (Larva), Lucas Lasnier (Parbo), Pedro Perelman (PMP), rundontwalk& Nazza Stencil; de colectivos de artistas argentinos tales como federación stickboxing, DOMA & FASE junto con los brasileros Gen Duarte, Zezau, Fefe Talaveray Highraff.

Con un reparto impecable de los mejores artistas de ambos países, era inevitable que Fuera de la Línea sea considerado como “una muestra de graffiti” en la prensa local. Sin embargo, los hermanos y curadores de la muestra, Lucas Zambrano & Soledad Zambrano presentaron la exhibición haciendo foco en el concepto detraspasar los límites, planteando una clara referencia al trabajo que este tipo de artistas realizan hace años, empujando las barreras del arte tradicional, desafiando todo convencionalismo.

La realización de la exposición llevó dos años y para los curadores representó una progresión del trabajo que comenzaron cuando citaron a los artistas callejeros para que realizaran los murales colaborativos de las estaciones de subte Carabobo y Puán. Aquel proyecto constituyó un momento crucial del arte urbano porteño ya que significó el reconocimiento institucional de los principales estilos de arte callejero porteño.

La inclusión de artistas brasileros al line-up de vanguardistas argentinos fue una jugada por demás interesante. Los curadores explicaron que con esto buscaban resaltar el perfil internacional de los artistas y su trabajo. En el arte, siempre existió una relación muy especial entre artistas brasileros y argentinos. Para muchos, Sao Paulo es la ciudad número uno de arte callejero de Latinoamérica. Los artistas brasileros jugaron un rol muy importante durante la época de formación de los artistas argentinos y los lazos entre ambos movimientos se conservan hasta hoy en día.

La exhibición fue impactante tanto en los estilos representados como en la variedad de trabajos expuestos. DOMA & FASE (quienes unieron fuerzas convirtiéndose en FAMA) crearon una extraordinaria instalación: un golem gigante de madera. Sentado en el piso con el torso apoyado contra un mural que representa la ciudad y su ritmo vertiginoso, el contorno del Golem había sido pintado con pintura fosforescente que brillaba cuando las luces se apagaban, mostrando el implacable esqueleto en exhibido en la sala.

Dos pisos de la exhibición fueron dedicados a murales mostrando un maravilloso abanico de diferentes formas y técnicas, con artistas brasileros y argentinos trabajando en conjunto haciendo uso muy particular del espacio otorgado. Otros dos pisos de Fuera de la Línea fueron dedicados a instalaciones de video, fotografía y un sector para los sponsors. El piso superior del museo se lo transformó en una galería con obras enmarcadas junto con una instalación espectacular de Kid Gaucho & Federico Felici. Esta galería demostró ser el espacio usado más convencionalmente, dejando en claro que los artistas urbanos también pueden trabajar “dentro de la línea” cuando así lo desean.

Fiel a su nombre, los elementos que más se destacaron de la presentación fueron las ocasiones en las que los artistas traspasaron los espacios convencionales como lo hizo el colectivo Federación Stickboxing al cubrir las escaleras que unían los pisos con stickers, pegatinas y stencils.

La exposición fue visualmente espectacular y conceptualmente intrigante. Debido a que la mayoría de los artistas son representantes del movimiento de arte urbano, hubiera sido muy simple asumir que se trataría de una muestra de street art argentino. Pero al evitar la categoría “artista callejero“ los curadores resaltaron algo diferente e infinitamente más interesante: la relación cambiante que el artista posee con los materiales, técnicas, ámbitos y audiencias.

Las fotos a continuación pertenecen al flickr de graffitimundo: http://www.flickr.com/graffitimundo/

POP UP Gallery

Por tan sólo un fin de semana, una casa abandona del barrio Las Cañitas fue transformada en una instalación de arte gracias a la intervención, en sus paredes exteriores e interiores, de artistas como Jaz, Roma, Poeta,Tester, Triangulo Dorado, Mart, Dardo Malatesta, Whiskii, Mar del Plata & Estudio Tokyo. Cada ambiente de la casa mostró el trabajo de un artista en particular y cada uno de ellos abordó la propuesta de manera diferente. Mientras que algunos sectores fueron restaurados por completo, otros fueron dejados tal como se los encontró: la textura del yeso y las sombras proyectadas por la pintura descascarada contribuyeron a la obra de muchos de los artistas que allí se encontraban.

La instalación formó parte de la programación de eventos “House of Art” que organiza Red Bull por varias ciudades alrededor del mundo y que cuenta con el apoyo de los artistas locales. Varias marcas han dedicado sus esfuerzos a trabajar con artistas callejeros, gestionar murales a pedido y hasta crean sus anuncios en un estilo “grafitero”. Sin embargo, la gente de Red Bull parece tener más éxito que otras organizaciones principalmente por su actitud encomiable de generar oportunidades creativas interesantes y luego darle total libertad a los artistas para desarrollar sus ideas. Con una mínima presencia de marca, “House of Art” en Las Cañitas nos recuerda a la exhibición en CCEBA en la que los artistas transformaron completamente un ex orfanato, que se encontraba prácticamente en ruinas, en un extraordinario espacio de arte colaborativo.

Turbo parade

En un día nublado de mazo, el colectivo de artistas Doma dio cita en Palermo para hacer lo que mejor saben hacer: transmitir optimismo, energía y vida a las calles. El Turbo Parade celebraba el final de una era y el principio de nuevas aventuras para los Doma que concluían su trabajo en la Galería Turbo que manejaron por 3 años para formar su galería online y dedicarse a proyectos nuevos.

El desfile parecía un carnaval con amigos y artistas que, desafiando la lluvia, se acercaron para celebrar encapuchados en disfraces increíbles que a los Doma les llevó semanas confeccionar especialmente para la ocasión. Con disfraces, en bicicletas y banners colgando por todos lados, el desfile pasó por Palermo para culminar en Plaza Mafalda bailando en medio de los fuegos artificiales y aplausos.

La Galería Turbo estuvo incluida en el recorrido del tour de graffitimundo, desde nuestros comienzos en el 2009. Una de las únicas galerías en mostrar casi exclusivamente los trabajos de los artistas callejeros, contribuyó a la visibilidad de los artistas más jóvenes dándoles la oportunidad de exponer en sus paredes. Les agradecemos profundamente a los Doma y a Paula y a Leo por su trabajo en la galería y les deseamos lo mejor en sus nuevas aventuras.

Viva el espíritu de Turbo! Qué siga el baile!

Gracias Doma por permitirnos usar sus fotos. Más en el flickr de Turbo acá

El Nestornauta

Las paredes de Buenos Aires rindieron homenaje a la figura de Néstor Kirchner de varias maneras. En los días inmediatamente posteriores a su muerte, la frase ‘Siempre Néstor’ cubrió la ciudad. Para conmemorar un mes de su fallecimiento, el grupo político La Campora distribuyó stencils por los barrios porteños y así la imagen de ‘El Nestornauta’ apareció por la ciudad y sus alrededores.

El Nestornauta es el resultado de la combinación de dos imágenes: la cara de Néstor Kirchner enfundado en el traje del clásico personaje del comic argentino “El Eternauta“.

La historieta El Eternauta retrata una Buenos Aires apocalíptica en la que su población, sobreviviente a una nevada tóxica, debe resistir un ataque extraterrestre. El guionista de historietas Héctor Germán Oesterheld exploró temáticas como la guerra, la política, el heroísmo y el sacrificio a través del cómic y, en series posteriores como “El Eternauta Parte II“, la historieta cobra un tono notablemente más politizado. Osterheld comenzó a tomar un papel dentro de la narrativa del cómic y el Eternauta se convirtió en una alegoría de la Argentina contemporánea y una dura crítica a la dictadura militar del momento.

En 1977 Osterheld desapareció y sus cuatro hijas le siguieron un año después. Junto con decenas de miles de argentinos desaparecidos durante ese período conocido como “la guerra sucia“, fueron secuestrados, asesinados y su paradero es desconocido.

Néstor Kirchner personificando al Eternauta es un claro tributo a su labor como dirigente que rescató a una Argentina en crisis. Pero esa imagen envuelve también otro tributo que alude al rol activo que el ex Presidente tomó con respecto a juzgar a los responsables de la dictadura. La derogación de las leyes “Punto Final“ y “Obediencia Debida“ durante su gobierno pusieron fin al perdón y las protecciones que prevenían que los represores fueran enjuiciados y castigados.

Sin embargo encontramos una triste ironía en el hecho que Oesterheld retrata a las fuerzas alienígenas en El Eternauta como criaturas nobles sujetas a las órdenes de comandantes despiadados. Simplemente podemos especular dónde el autor marcaría el límite de la responsabilidad de aquellos que ordenaron, ejecutaron y llevaron a cabo las desapariciones de miles de personas.

HONEYCOMB present 500 CON

El proximo 15 de enero de 2011, HONEYCOMB estaran llevando a cabo un evento de dia completo para la difusion de arte joven en Buenos Aires, y la recaudacion de fondos para la organizacion de beneficencie ecologica Wild Again (www.wild-again.org)

El event va a incluir un proyecto de arte en vivo con veinte artistas de primer nivel van a pintar un mural sobre 500 hojas de papel en vivo durante 8 horas. Al fin de evento vamoas a sacar el mural y transformar la pieza grande a 500 posters para presentar y vender al publico. Despues, vamos a donar 1 peso cada poster que vendemos a wild again. Tambien hay un recital acustico con la banda Recovek, un estacion entre 5 artistas que van a pintar obras sobre zapatillas de la empressa Puro, un concurso de diseno para el publico, un juice bar con cosas refrescantes, sorteos y otras actividades. Se espera que este sea un acontecimiento veraniego muy divertido!

Despues de la dia, JUANELE se hice un afterparty privado en su espacio con DJ Mr. Blax para los participantes, Prensa & VIPs.

Para obtener mas informacion por favor contactar Bradley James a prensa@inthehoneycomb.com

www.inthehoneycomb.com

http://www.facebook.com/event.php?eid=139308609459082

"Ermelinda" by Clavahead

La mujer en el imagen se llama Ermelinda, y tristemente sufre de alzheimer. En estos momentos ya no recuerda casi nada sobre la ciudad que la vio crecer.

Clavahead decidio pintarla en las calles de Buenos Aires para que de esa manera la ciudad no la olvide.

"Aguante" by Jaz @ HIC

(English) rundontwalk @ Popup! Festival

“Buenos Aires Calling” en Londres

graffitimundo presents: BUENOS AIRES CALLING!

London’s first collective exhibition of work from Buenos Aires street artists will take place at Pure Evil gallery, from Thursday 26th August until Sunday 12th September.

Showcasing pieces from Federico Minuchin & Tester of rundontwalk, the FASE collective, Buenos Aires Stencil, Malatesta, STENCILLAND, Chu, Defi, Orilo, Pum Pum, Cabaio Stencil and Jaz, the exhibition will feature some of the eclectic styles that make up the thriving Buenos Aires street art movement.

Pure Evil Gallery 108 Leonard st London EC2A 4XS
Gallery Opening Hours: 10am – 6pm everyday

www.pureevil.me

Turbo Gallery in Arte BA 2010

The Turbo gallery at Arte BA 2010 managed to successfully convey the impact of street art in an indoor setting.

Dominating the outside of the Turbo area were huge pieces by Tester, rundontwalk, Tec and Buenos Aires Stencil. The artworks made such an impact not just because of their size, but also as they’d been created on found objects – metal grids, wooden doors and slats. The pieces were a hit with buyers with several works being snapped up straight away.

Doma and HIC crew, the art collectives who run Turbo Gallery and Hollywood Cambodia respectively, continue to produce artwork at a prolific rate and represent some of the finest young artistic talents in Buenos Aires.

Their growing success in the contemporary art world is testament to their talent, energy and determination to bring their art to the public through streets and galleries, without compromising their vanguard principles.

Blu – Big Bang Big Boom

An unscientific point of view on the beginning and evolution of life … and how it could probably end

Direction and animation by BLU
Production and distribution by ARTSH.it
Sountrack by ANDREA MARTIGNONI

(English) Tec – Ruta 9 project

(English) “Multiple personalities” by rundontwalk

“Scream” by rundontwalk

Jaz in Madrid

here’s a little glimpse of what jaz has been up to on his travels in Europe

Artists involved: Jaz(Buenos Aires) – Martin (Polonia) – Laguna – E1000ink – Ruina – Kid Chalao – Sakristan- Alberto de Pedro

see more photos on Ekosystem + jaz’s flickr

COMBO – new collaborative work from BLU and David Ellis

Buenos Aires Photographer

We were very privileged to have Thomas Hobbs on our tour last week. He is a very talented freelance photographer living in Buenos Aires and he took some great photos of the tour and our recent exhibition at Casa L’Inc. You can find more of his photos here: