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GraffitiMundo20185929!

Intervención de Julián Manzelli / Chu en Planta Avellaneda, para Fundación Andreani

El sábado 27 de marzo de 2021 quedó inaugurada la última intervención del artista visual Julián Manzelli, alias “Chu”, en la Planta de Operaciones Logísticas Avellaneda de Andreani. Las intervenciones constan de un mural (de 34 metros de ancho por 18 metros de alto) sobre la fachada de Av. Pienovi 104 y una intervención sobre un tanque de agua que se eleva a 13 metros de altura.

Las obras forman parte de la iniciativa “Intervenciones” de Fundación Andreani, que busca impulsar la difusión del arte contemporáneo en diversos formatos y plataformas no convencionales. El mural se suma al Corredor de murales existentes de la calle Pienovi, en el barrio porteño de Avellaneda.

Para la ejecución de sus intervenciones a gran escala “Chu” cuenta con un equipo de colaboradores que lo asisten hace ya muchos años. Para este mural en particular, contó con la asistencia de dos jóvenes artistas Joaquín Longinotti y Nicolás Germani.

Para la composición de ambas intervenciones, Manzelli dispuso un mapa de elementos interrelacionados que construyen una gran articulación abstracta “pero que juega con lo figurativo y funciona muy bien con el contexto”, afirmó Chu. “Desde hace años vengo incorporando a mis piezas un sistema gráfico de puntos interconectados que se articulan y generan, no solo composiciones mecánicas ó procesos, sino interrelaciones, constelaciones, conflictos, vínculos. La utilización de este sistema me pareció perfecta para este mural, sugiriendo una composición a modo de gran meta-mapa con todos sus elementos”.

Proceso intervención sobre tanque de agua
Proceso intervención sobre tanque de agua
Julián Manzelli Chu arte urbano
Intervención en Tanque de Agua por Julián Manzelli “Chu”

El Documental de Juan Ignacio Zevallos

El proceso de las intervenciones y los testimonios de los protagonistas fueron registrados por Juan Ignacio Zevallos en un bellísimo documental de 18 minutos de duración. El documental no solo muestra el detrás de escena de la realización sino también captura al artista en su estudio, recopila los testimonios de los asistentes así como el de Francisco, el artista encargado del mantenimiento de los jardines de la planta de Andreani hace 25 años.

El documental se encuentra disponible en el canal de YouTube de Fundación Andreani.

Fotos cortesía de Grow Up Art Films.

Intervención
El último trabajo de “Chu” para Fundación Andreani
Detalle del mural de Julián Manzelli
Detalle del mural de Julián Manzelli

HIC Crüe

HIC Crüe es el colectivo de artistas de stencil a cargo de Hollywood in Cambodia, la legendaria galería especializada en arte urbano ubicada en Buenos Aires. El grupo está conformado por BsAsStencil, Malatesta, Run Don’t Walk, Stencil Land y, hasta recientemente por Tester Mariano.

El colectivo de artistas se fundó en el año 2006, cuando sus miembros fueron convocados para pintar Post Bar, un nuevo espacio ubicado en el corazón de Palermo Soho. A los artistas se les dió total libertad artística para diseñar y pintar murales en cada pared del bar, de techo a piso. A cambio de su trabajo, se les ofreció una parte del bar para su proyecto personal. Así nació Hollywood in Cambodia, convirtiéndose en la primera galería de street art en Buenos Aires, manejada por sus propios artistas: HIC Crüe.

Lo que finalmente tomó forma tras esta colaboración indoor se comenzó a gestar años atrás, en las calles de Buenos Aires. Fue allí donde cada uno de los artistas se toparon con stencils ajenos y, en vez de taparlos, pintaban los propios a su lado. Entablaron así un diálogo entre ellos, generando murales colaborativos y dinámicos. En las calles, ningún artista firmaba su trabajo; todos compartían la creencia fundamental de la importancia del trabajo colectivo y entendían su aporte individual al servicio del diseño.

Estas fueron las raíces de HIC Crüe y, hasta hoy, cuando alguien les pregunta de quién es una obra su respuesta es ‘Fuimos Todos’.

Para más de HIC Crüe:
Obras disponibles en Galería UNION

Bajo Flores, un mural por Pastel

El presente artículo fue publicado en  SOBRE BUE del mes de  Julio, una publicación gratuita.

En uno de los barrios más antiguos de Buenos Aires nos encontramos con “Bajo Flores” el mural realizado por el artista Francisco Díaz, también conocido como PASTEL.

El trabajo de Pastel está profundamente relacionado con el lugar donde está ubicada la obra, tanto desde el punto de vista temático como estilístico. La trama y la composición se interconectan desarrollando una temática basada en la experiencia personal del artista, los eventos históricos y sociales del lugar, y sus elementos naturales como la flora. Esta última obtiene entonces un rol esencial como elemento descriptivo y herramienta conceptual. Representa un lugar y simboliza los eventos que allí acontecieron, abriendo un diálogo entre la reflexión personal del artista, el espacio y su gente.

Aunque a simple vista la elección de la temática del mural pareciera tener solo un fin representativo, ésta es la forma en que la obra de Pastel se enfoca en la identidad local. No se impone sobre el espacio, sino que intenta comprender su entorno y luego representarlo. Según Pastel, al trabajar con la flora como simbolismo social, las obras comienzan un diálogo sobre la naturaleza del hombre y su entorno. Lo existencial, lo real, lo puro y lo trágico, casi olvidados en la sociedad moderna.

El mural se despliega entre los diferentes estilos arquitectónicos del barrio de Flores, donde art decó, art nouveau y edificios modernos coexisten como representación del eclecticismo porteño. Pastel ha realizado otros imponentes murales en numerosas ciudades alrededor del mundo, que en lo que va del 2017 incluyen Paris, Oslo, Oostend y Albuquerque.

// Mimi Carbia

Esta obra se encuentra en Av. Alberdi y Carabobo, en el barrio de Flores.
IG: Pastelfd
Web del artista

 

 

 

Hermandad, mural por Nicolás Romero

El presente artículo fue publicado en SOBRE BUE del mes de Agosto, una publicación gratuita.

En el barrio de La Boca, nos encontramos con la obra “Hermandad” realizada por el artista argentino Nicolás Romero, también conocido como Ever.

La carrera de Nicolás tuvo sus inicios en el ámbito urbano en los 90s, como graffitero de letras. Muy pronto comienza a desarrollar su estilo al retratar a sus ex-novias y a su hermano, lo que le permite encontrar, a través del retrato, una herramienta fundamental que luego será una de las características más importantes de su obra. Ever utiliza la calle como lienzo, un punto de conexión con la gente, y plasma sus mensajes a través murales de gran escala por todo el mundo. Aunque a simple vista su estilo se acerque más a la pintura tradicional, con una paleta de colores vibrantes, domina tanto el aerosol como la pintura látex, y utiliza su conocimiento del cuerpo humano como vehículo para trasmitir temáticas como la política, la religión, y sobre todo la crítica social.

La obra “Hermandad” retrata a Brian y Araceli, dos niños que viven en el barrio de La Boca y asisten al comedor comunitario “Pancita Llena, Corazón Contento”. Al Comedor asisten más de 20 niños, que son alimentados y cuidados por madres y abuelas que estimulan el sentimiento de hermandad entre ellos. Es por esto mismo que el mural los presenta cuidando el uno del otro, aunque no sean familiares. El artista quiso resaltar este concepto como fundamental para el progreso de cualquier sociedad, frente a la fuerte gentrificación del barrio de La Boca, el barrio porteño con mayor porcentaje de inquilinos. El artista afirma que la condición social del barrio, que se alza en los márgenes del Riachuelo, es uno de los factores por los cuales existen tantos comedores comunitarios.

// Mimi Carbia

Esta obra se encuentra en Av. Pedro de Mendoza y Martín Rodriguez, en el barrio de La Boca.
IG: Eversiempre
*Fotografía por Carlos Sarraf

 

[ENTREVISTA] Defi Gagliardo y la Inesperada Virtud de la Ignorancia

Hablamos con Defi Gagliardo antes de su última exhibición individual, RAW, en Galería UNION, sobre sus nuevos trabajos, la influencia de este último año, y algunos de sus proyectos novedosos.

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Siempre es un buen momento para una expo. Pero no siempre uno obtiene los resultados esperados, a nivel personal digo.  En esta expo en particular doy comienzo  a una etapa nueva que vengo desarrollando hace unos años.

RAW tiene que ver con la descripción estética de la obra, colores y composición, y el subtítulo “la inesperada virtud de la ignorancia” es más conceptual, abarca más que esta expo y tiene que ver con mi carrera de artista.

Nunca me interesó mucho el mundo del arte.  Creo que parte de mi ignorancia está ahí, me lo crucé por accidente. Empecé a trabajar en galerías a los pocos meses de empezar a pintar.

Creo que la relación entre mi comienzo y mi ahora es el constante movimiento.  Si ves una secuencia de obras desde la primera a la última, notarás un cambio lento pero muy marcado. Hay un cambio conceptual, un largo proceso que va del caos al caos ordenado. Los colores se acotan y también las formas. Imaginate el típico dibujo de la creación de los continentes donde de la masa misma se separan partes, bueno, lo mío fue el camino inverso.

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Sin título / Técnica mixta y luz 3v / 26 x 26 x 9cm

Generalmente la música me hace pensar mucho. De ahí surgen ideas para mis pinturas o alguna otra obra. Me pasa lo mismo cuando pinto. Siempre tengo mi taller cerca de mi estudio de música, lo que me permite tener un ida y vuelta.

Como diseñador grafico te diría que el dadaismo y futurismo me marcaron fuerte.  Las vanguardias, el suprematismo de Malevich.  Hoy en día algunos de mis artistas favoritos son Lolo y Zozacu, Momo, Mark Henkins, y el holandés Koen Delaere, entre otros.

La abstracción llegó junto con mis años de trabajo y búsqueda, fue un proceso, un estilo de vida que me llevó a ver los colores, formas y composición de otra forma.  Los trabajos abstractos me parecen más fáciles de digerir y convivir diariamente. Cuando comencé a pintar en el año 2000 aprox. mis cuadros vibraban de otra forma. Tenían otro mood. Eran cuadros que los podías colgar en salas de reuniones o museos, es decir, se bancaban que los mires un rato nomás, tenían mucha presencia, generaban tensión. No eran cuadros para casas, obviamente me di cuenta de eso cuando comencé con la abstracción. Sentí que esa tensión se acomodaba, empecé a relacionarme más con el equilibrio.

Los gatos fueron mi comienzo, los empecé a pintar en la calle cerca del año 2000 también y luego, los pinté en cuadros. Los gatos nunca se fueron, se tomaron un descanso de la calle, se asustaron un poco de la moda y se escaparon a la hoguera.

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Sin título / Técnica mixta sobre madera / 27 x 32cm

Empecé a diseñar mis cuadros y no a vomitarlos. Empecé a pensar a partir del blanco y no a partir de la mancha. Aprendí a manejar la austeridad. Esto me hace encarar las expos desde otro lado, ahora pretendo que la expo no haga ruido visual y sí que trabaje en tu cabeza. Antes buscaba el impacto a primera vista, me llevaba por delante a el espectador y ahora en cambio busco incorporarlo a la obra.   

Comence el año con una recidencia en  Oqubo en Alicante, durante un mes, en el medio del campo. Fue ahí donde empecé a definir esta nueva etapa de trabajo. Totalmente experimental y sin pretensiones descansé de mis viejas ideas durante 15 días. Sin pintar solo pensando y conectando con el hermoso lugar. Los otros 15 días pinté una serie de telas que verdaderamente daban comienzo a mi nueva etapa. Una vez llegado a Buenos Aires empecé a preparar una expo para la galería Chien Noir. Es ahí donde puse en marcha mi nuevo trabajo.

Estoy muy contento que me fui de la capital. Eso es lo más importante de mi proyecto nuevo. Ahora vivo en una quinta donde tengo mi taller, mi estudio de música, y próximamente un pequeño restaurante. Todo relacionado. Estudié cocina al mismo tiempo que diseño gráfico. Y cuando comencé a pintar también comencé a producir musica. Todo se relaciona. Ahora te cocino en mi casa.  Vas a poder comer una rica comidita dentro de mi taller. 

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50-50 / Acrílico sobre lienzo / 140 x 280cm

Catálogo de obras de HIC Crüe

HIC Crüe es un colectivo legendario Argentino, compuesto por BsAsStencil, Rundontwalk, Malatesta, Tester Mariano, y Stencil Land. Juntos fundaron Hollywood in Cambodia, la única galería de arte urbano en el país manejada por sus propios artistas. “Fuimos todos” aterriza en el marco de los festejos por el décimo aniversario de la galería y es una oda a la década de trabajo colectivo dentro y fuera de las calles.

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“Fuimos Todos” es una celebración del colectivo como concepto creativo, un elemento fundamental en la naturaleza propia del arte urbano. Como preparación para lo que es su tercera muestra, los artistas convirtieron su galería en estudio y encararon la producción de las obras como un trabajo cooperativo entre sus seis integrantes.

Las obras se componen de imágenes rescatadas del material de archivo compilado por los miembros del grupo, que incluyen libros de historietas, publicaciones de cocina, revistas viejas y publicidades. Las piezas resultantes se superponen en capas de imágenes nostálgicas, adulteración socarrona de propagandas y referencias históricas.

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Como parte de la muestra, los artistas han creado un mural in situ, representando un hombre solemne, ubicado de espaldas a una pared pintada y de frente a un grupo de hombres uniformados, alineados en un pelotón de fusilamiento. Esta obra fue inspirada en la ilustración de Carlos Vogt, titulada “Un hombre llamado humanidad”, del cómic publicado en la revista Skorpio en 1975.

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La muestra cuenta con 34 piezas creadas con técnica mixta sobre madera, en pequeños y medianos formatos. Para acceder al catálogo completo de obras aquí.
Hacemos envíos internacionales. Para consultas escribinos a info@galeriaunion.com

También pueden leer una entrevista que hicimos con HIC Crüe en nuestro blog aquí.

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Fotos por Catalina Romero

Tour en Castellano

Nuestros tours revelan las increíbles historias de la escena de arte urbano de Buenos Aires, descubriendo el tinte político de sus orígenes hasta el contexto actual en el que Buenos Aires se convirtió en una de las ciudades más emocionantes del mundo del arte urbano. Recorriendo galerías de arte al aire libre, visitas a murales, obras realizadas en stencil, pegatinas (o paste-up) analizando las motivaciones y las ténicas de cada uno de les artistas.

El recorrido de este tour puede incluir visitas a los ateliers de los principales artistas así como la visita a galerías especializadas en arte urbano, dependiendo de la disponibilidad de los espacios. A lo largo de un paseo que se realiza íntegramente a pie, se descubre el tinte político del origen del movimiento hasta el momento actual, en el que Buenos Aires se convirtió en una de las ciudades más emocionantes del mundo del arte urbano.
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Este tour es guiado en castellano y sujeto a cancelación y re programación en caso de lluvia.

– fechas: se organiza mensualmente, contactate con nosotros para conocer las próximas salidas
– de 14 a 16hs (horario de invierno)
– idioma: castellano
– contribución: $ 500 pesos por adulto / menores hasta 6 años abonan $ 250 pesos y de 0-6 años sin cargo.
– Podemos organizar este recorrido para grupos privados: escribinos a info@graffitimundo.com para conocer las tarifas grupales

La magia sigue intacta: 10 años de Hollywood in Cambodia Crüe

Nos reunimos con HIC Crüe para charlar sobre su muestra “Fuimos Todos”, que inaugura en Galería UNION el 2 Diciembre.

HIC Crüe se compone por los artistas BsAsStencil, Malatesta, RunDon’tWalk, Stencil Land y Tester Mariano y es la crew de artistas a cargo de la legendaria galería Hollywood in Cambodia. Su muestra aterriza en el marco de los festejos por el décimo aniversario del colectivo y es una oda a una década de trabajo colaborativo.

“Fuimos Todos” es una celebración del colectivo como concepto creativo; un elemento fundamental en la naturaleza propia del arte urbano y el ethos al corazón de este grupo inimitable.

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Detalle de obra / “Fuimos Todos”

Malatesta: Pintar con los chicos es como tener una banda. Uno puede salir a pintar solo, ningún problema: yo puedo tener una guitarra en mi casa y pasar todo el día tocando como me gusta, pero es muy diferente cuando te juntas con tu amigo Tester que toca el bajo, tu amigo Gonza que toca la batería.

GG: Es peor, porque todos tocamos la guitarra. Congeniamos porque todos hacemos la misma.

Malatesta: El individuo actúa como banda: Es un núcleo colectivo de verdad. La misma idea, las mismas herramientas, cada cual con su rol pero por un plan mayor. Como un transformer.

NN: Voltron.

GG: Pintar así te lleva a que dejes de ser vos en lo que hacés, ya sea en la pared o en un cuadro.

NN: Es como la disolución de un ego en un todo mayor.

Tester: Es el hecho de compartir y no pasa por decir: “Esto lo pinté yo, esto es mío”.

Malatesta: Es lo mismo que pasa cuando pintás en la calle porque una vez que está ahí afuera, deja de pertenecerte.

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Mural por RunDon’tWalk y Tester Mariano / Buenos Aires

Hablando a través de las paredes

Tester: Nosotros nos conocimos por pintar en lapsus distintos de tiempo, una noche uno, otra otro, etc.

Malatesta: Eran paredes espontáneas y conocí sus pintadas antes que sus caras.

Tester: Es un método colaborativo de veras.

NN: Si, eso era el diálogo. Hay algunas paredes a las que le tengo mucho cariño por eso. Porque fueron creciendo muchísimo y conozco mucha gente que luego me enteré que pintó ahí. Estaba bueno cómo, al verlas, realmente sentías el conjunto de quienes las habían creado.

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Foto: Emilio Petersen

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Foto: Emilio Petersen


Pintadas en espacios abiertos y en espacios cerrados

NN: A la hora de pintar en la calle casi siempre se dividen los espacios y, si bien uno interviene al otro, están más bien definidos. Lo que estaba bueno, a diferencia de las muestras, es que antes de conocernos nosotros ya hacíamos obras en conjunto sin quererlo porque pintábamos uno al lado del otro y venía un tercero e intervenía la pared. Eso rescato de cuando se puede hacer algo sin la filosofía del tapar, que es tan clásico en el graffiti.  Hay una palabra griega que es “palimpsesto” que refiere a reutilizar el mismo soporte una y otra vez creando así capas y capas de escritura.  Para mí está buenísimo renovar pero me da cosa cuando se tapan esos “collages del tiempo” a los que les tengo mucho cariño.

GG: Nosotros empezamos a pintar así en la calle y después cuando empezamos a pintar en soportes teníamos una relación distinta a una persona que del primer día pinta una obra y es sagrada, intocable. Nosotros estamos acostumbrados a la calle, entonces pintar en la calle y que venga otro que es un amigo tuyo y pinte otra cosa es común.

Pintar en anonimato
GG: Hoy en día la gente pinta para que la conozcan. Y hoy en día yo quizás firmaría por una cuestión de que que la gente sepa que lo hice yo. Pero al principio era un juego de salir a pintar, para qué querías que sepan quién eras, si no existía nada para “lo que”.  Por qué hacerse conocido, quiénes te iban a reconocer? Los otros cuatro que pintaban con vos?  
Hoy en día el reconocimiento se entiende porque pasás a hacer muestras, a vender obras, te llevan a pintar. Cuando empezamos a pintar nosotros no existía nada de eso, entonces cuál era el fin de que conozcan tu nombre si no existía un mercado?

Malatesta: Es más, teníamos más miedo que otra cosa de poner el nombre.

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Mural por RunDon’tWalk y Stencil Land / Buenos Aires

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Mural por BsAsStencil / Buenos Aires

10 Años

GG: Brindar por diez más? Que se vayan a la puta que los parió. Yo haría un casting de 5 artistas que quieran manejar la galería a partir de ahora, a ver si se la aguantan.

Tester: Nadie pensó en tener este espacio diez años. Yo pensé que no íbamos a durar tres meses, así que de por si es positivo.

GG: La mayoría de los pibes que han pasado y expuesto en HIC te hacen sentir que se sienten parte de alguna manera, más allá de nosotros 6. Y eso está bueno porque eso sí era un fin que teníamos: Que la galería sea un lugar al que todos sientan que pertenecen. Es un lugar donde pasa el movimiento, más que la muestra individual de cada uno. Y eso creo que se ha logrado con creces. Que nos quieran y que quieran al lugar. Y si no nos diviertiéramos no lo haríamos ni un segundo.

NN: Sabés que lo primero que le pusimos era “Galería de Imágenes” cuando abrimos. Porque ni siquiera nos queríamos comprometer con el “Arte Urbano” e incluso de la primera muestra que inauguramos, la mitad de los convocados no pintaba en la calle. No era necesario pintar en la calle para poder exponer en la galería.

Tester: El lugar siempre estuvo abierto y nunca fue demasiado ortodoxo. Somos seis y nos tenemos que poner más o menos de acuerdo. A su vez el espacio, en realidad, es de todos.

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Detalle de obra / “Fuimos Todos”

“Fuimos Todos”

GG: Al mismo tiempo que cumpliámos 10 años caímos en la cuenta que habíamos cerrado con UNION para hacer la muestra y que era todo muy cerca.  Hacía mucho que no pintábamos (N. del E: desde la muestra Toco Madera en galería Kosovo, año 2012), pero cuando empezamos a pintar te das cuenta que es como andar en bici.

Malatesta: La magia sigue intacta.

GG: Si bien el proceso creativo es el mismo, quizás lo que suceda es que cada uno encontró su propio estilo. De todos modos, ya sabemos en quién confiar para una cosa específica, en términos de composición o de colores y terminás confiando ciegamente. También existe un backround: Hicimos muchas cosas y siempre, a nuestro parecer, quedaron bien. Yo me cabreo y me pongo a patalear, pero confío plenamente.

Tester: Lo importante es que somos 6 tipos que piensan distinto pero… confluye en algo que está bueno y es divertido para nosotros.

GG: Lo que nos pasa como grupo es que no funcionamos en perspectiva. Creo que por eso duramos tanto, siempre fue el día a día, muestra a muestra y casi sin darnos cuenta llegamos. No lo planeamos.

NN: Cualquier excusa está buena para juntarnos.

Malatesta: La mejor manera de celebrar es pintando juntos.

GG: Nos mantenemos atados al mástil. Por ahí una de las cosas que más me copa es que en diez años hicimos y seguimos haciendo como el primer día.

NN: No aprendimos nada.

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Detalle de obra / “Fuimos Todos”

Catálogo de obras de Pedro Perelman

“Origen” es la nueva exhibición de Pedro Perelman en Galería UNION. Esta nueva colección está compuesta por obras originales de pequeño y mediano formato sobre lienzo y escultura en madera. En Origen Perelman trasciende las diversidades étnicas de sus protagonistas para indagar en sus orígenes como artista. La muestra representa un paso más en la carrera multifacética del artista que ha tomado forma a lo largo de los últimos 15 años.

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Exhibición en Galería UNION

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“Ramón, Robot Proletario” / Escultura en madera / 80 x 60 x 35cm

Pedro Perelman es miembro del colectivo artístico FASE, formado en Buenos Aires en el año 2000, que junto a otros artistas dieran inicio a la escena local del street art.

Tanto en sus murales de gran escala como también en sus pinturas de caballete y obras sobre otros soportes, sus trabajos poseen una clara impronta experimental y gráfica, y demuestran un equilibrio marcado entre lo orgánico y lo geométrico, lo pregnante y lo climático.

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Iguales pero Distintos (Díptico) / Acrílico sobre lienzo / 100 x 70cm cada una

Se puede visitar la exhibición en Galería UNION hasta el 21 noviembre. No se olviden de chequear la entrevista que hicimos con el artista, donde habla de sus inspiraciones para estas obras, su camino como artista y pasión por la docencia.

Ver y descargar el catálogo completo de obras de Origen aquí.

Hacemos envíos internacionales. Para consultas escribirnos a: info@galeriaunion.com

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El Carregador / Acrílico sobre lienzo / 100 x 70cm

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Exhibición en Galería UNION

Fotos: Catalina Romero

Entrevista con Pedro Perelman

Hablamos con Pedro Perelman en la previa a su exposición individual “Origen”, que inaugura el viernes 30 septiembre en Galería UNION. La muestra está compuesta por más de 15 trabajos originales que incluyen lienzos y escultura en madera. A través de una reinterpretación gráfica y personal, Pedro Perelman trasciende las diversidades étnicas de los personajes que componen su obra para indagar en su origen como artista.

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Origen es el nombre de la muestra porque más allá de los rasgos, etnias y diversidades de los personajes y situaciones que conforman mi universo, se trata de la propia búsqueda del origen como artista. Se funden el origen y el deseo por pintar. El origen y el rumbo de una corriente artística visual que va encontrando formas y cambios que carecen de sostén académico y se escriben como historia a base de trabajo y esfuerzo.

Nunca estudié dibujo ni artes plásticas y creo que carecer del bagaje del cual te provee el entorno académico me ayuda a aliviar el proceso de producir. El Diseño suministró muchas herramientas que luego utilizaría en la pintura, pero mi incursión al arte fue gracias a mi padre, que viene de un entorno artístico y naturalmente me rodeó de estímulos visuales, ateliers de amigos artistas, museos, hojas en blanco y lápices.

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“Mala Mía” / Acrylic on canvas / 50 x 40cm / 2016

Las primeras intervenciones en el espacio público se dieron en un momento muy complejo para el país que viví con mucha angustia. Sin bien eso no está reflejado en mi obra, se manifestó en la actitud a la hora de salir a pintar, como si el contexto fuera un disparador, o una suerte de acción-reacción, pero desde un lugar casi optimista. Busqué el impacto del color y las formas como el remedio a la crudeza, gris.

El arte es y será siempre un bien dispensable, y en un país en continua crisis e inestabilidad, se ve afectado inmediatamente. También considero que falta actualización, nuevas visiones para nuevos tiempos, de manejo de obra, de proyectos, de apoyo institucional. La escena precisa una legitimación más abarcativa. Sin embargo hay muchos artistas locales que están a nivel global muy bien posicionados, por propio mérito.

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Mural in Barracas, Buenos Aires / Pedro, Pol, MrL / 2016

Con el paso del tiempo fui encontrando varios estilos artísticos, pero soy inquieto y me encuentro en la constante búsqueda de otro, o creyendo que carezco de él. Maduré la forma de ver y pensar el arte y a medida que pasó el tiempo vi que del inicio gráfico clásico, y casi despojado de lo pictórico, me fui amigando con la luz, la sombra y los detalles, como también con la combinación de técnicas. Desde los elementos más sintéticos a la figuración y la combinación de recursos provenientes del diseño.

El contexto cambia mucho la forma y los tiempos de producción de una obra. En el estudio los plazos son distintos, no hay horarios, ni clima ni cosas externas. A la hora de pintar en la calle hay como una adrenalina dada por la escala, la gente, las reacciones, los comentarios, el trabajo físico. Hay una mayor optimización del tiempo. Desde lo técnico y lo concreto del trabajo, los procesos en ambos espacios son similares.

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“Piel de la Historia” / Barracas, Buenos Aires / Ph: Martin Tibabuzo

El año 2016 viene siendo uno muy productivo e intenso y estoy fundamentalmente enfocado en el proyecto Ruta de Murales. Junto a Poeta y Lion pintamos en muchas provincias de Argentina, dictando talleres, y intercambiando conocimientos con muchísima gente. Ha sido una experiencia genial junto a Montana y Sinteplast, y desde Octubre tendrá también su segunda parte en el sur del país.

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Mural in Santiago del Estero / Ruta de Murales / 2016

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Pedro, Poeta, Lion / Ruta de Murales / Buenos Aires / 2016

Me gusta mucho la docencia, y los años en la UBA me ayudaron mucho. Por ejemplo mi experiencia previa como docente seguramente influye en el desarrollo de los talleres con Ruta de Murales. Me gratifica transmitir entusiasmo y esfuerzo, y tanto en la UBA como ahora en los talleres de Ruta de Murales, el que aprende es uno. Más allá de los roles, los grupos numerosos te aseguran muchas ideas, mucha energía.

En mi vida la música y la pintura se alimentan todo el tiempo: Pienso sonidos y escucho colores, considero que los criterios compositivos de ambos mundos son bien parecidos y los procesos creativos también. Junto a dos amigos músicos y artistas formamos Kermesse, y este año viajamos a México presentando nuestro show live de música electrónica (house). Al mismo tiempo pienso que son universos sociales bien diferentes pero que me generan un sano equilibrio: la música y la pintura son como el día, la noche.