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INSTITUTO CULTURAL DE GOOGLE

Estamos orgullosos de habernos unido al Instituto Cultural de Google para colaborar en su proyecto acerca del Street Art que tiene como fin documentar el arte urbano de todo el mundo.

Hemos creado una colección de más de 300 imágenes que representan los mejores ejemplos de arte urbano de Buenos Aires, tanto del pasado como del presente, junto a una serie de obras realizadas para galerías de arte producidas por los artistas más destacados.

Las imágenes en alta resolución revelan detalles como por ejemplo, las pinceladas y la textura de las paredes. Estas imágenes no están disponibles con fines comerciales y la propiedad intelectual de las mismas les pertenece a los artistas.

La unión con Google nos permitió no solo crear una colección de imágenes sino también la realización de recorridos virtuales que exploran diferentes aspectos del movimiento y de su historia con guías en inglés y en español utilizando Google Street View.

Además, nos complace ofrecer una aplicación móvil disponible para Android (en breve estará disponible para IOS también)

Visita la colección de graffitimundo acá

GALERÍA UNION INAUGURA SU ESPACIO EN PALERMO

Luego de dos, felices, años en San Telmo, Galería Union se muda a un nuevo espacio ubicado en una calle tranquila del barrio de Palermo Hollywood. Este nuevo lugar le brinda un espacio de trabajo al equipo de graffitimundo, un lugar para exposiciones, para el aprendizaje de diversas técnicas y eventos también.

Este año organizaremos una serie de muestras, eventos y, también, ofreceremos talleres de esténcil, grafiti y muralismo dictados por artistas. ¡Pronto tendremos más novedades!

La exposición actual es una muestra colectiva de los artistas más destacados de la escena local de arte urbano.

Galería Union se encuentra en Costa Rica 5929 y podes visitarnos de lunes a viernes de 12 pm a 19 pm y los fines de semana con cita previa. A continuación podrás disfrutar una selección de los trabajos que se encuentran disponibles online: www.galeriaunion.com

Acá te mostramos algunas imágenes de nuestro nuevo espacio y de la inauguración:

Jaz en Morroco

Jaz, uno de los artistas argentinos más prolíficos, recientemente creó un nuevo mural titulado “The Shoe Thief” en Rabat, Marruecos para el festival Jidar.

En esta obra, de proporciones inmensurables, Jaz explora elementos relacionados con la identidad a través de un dinamismo que se desarrolla como producto de una serie de tensiones que representan una situación de lucha. La obra trabaja una estética que Jaz desarrolla en sus collages, donde crea sus obras por medio de diversas coloridas capas de papel. Esta forma de trabajar se hace presente en sus murales así como también en las obras que expone en galerías.

May Exhibitions

La primer semana de Mayo fue una semana muy importante para el arte urbano argentino, gracias a tres muestras en las cuales algunos de los artistas más talentosos del país exhibieron sus obras.

Elian, Pum Pum y Chu conforman el trio que exhibe en ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo la muestra titulada “Osmosis”, la galería, y fiel promotora del arte urbano, HIC presenta la segunda muestra individual del, magnífico, El Marian, “Retroceder Nunca” mientras que Ever se apodera de Dinamica Galeria con su ambiciosa obra “La Cabeza”.

ELSI DEL RIO unió a Pum Pum, Elian y Chu bajo la muestra titulada “Osmosis”, un término que en esta instancia hace referencia a la actual situación del arte urbano cuya existencia ya no se limita, exclusivamente, a las calles sino que ahora trasciende las barreras habituales para ser parte del circuito artístico tradicional. Estos tres artistas unidos por la cualidad urbana de sus obras, tanto en las calles como fuera de ellas, fueron elegidos para representar la separación de la idea de grafiti con la de vandalismo.

“Osmosis” muestra un lenguaje que los artistas aprendieron en la calle, y que como tales comparten, que se traduce a una serie de obras, como por ejemplo, las esculturas de Chu realizadas en madera laqueada con un carácter lúdico son un eco de las explosiones de formas geométricas que pinta en las paredes. Elian lleva sus explosiones de color al límite de un marco y si bien aparentan fluir libremente también es posible percibir el proceso creativo del artista y el control ejercido sobre el trazo. Pum Pum, por otro lado, comienza a trabajar un espacio cósmico en el cual podemos observar a sus ya famosos personajes rodeados de planetas y envueltos en anillos planetarios. La variedad en cuanto a las técnicas utilizadas nos demuestra que estos artistas no están limitados por la percepción de que el arte urbano debería estar confinado al espacio exterior.

Mariano Antedominico o El Marian, es un artista auto didacta cuya relación con el arte urbano comenzó hace 5 años. Estudió muralismo y desde entonces se dedica a pintar las calles.

Las temáticas de sus obras van desde la representación de caóticas escenas de protesta, a la realización de retratos de sus héroes musicales como por ejemplo, Beastie Boys, Adam Yauch y finalmente, inmortaliza a iconos de la cultura popular como Marty McFly.

Sus retratos realistas, inspirados en conceptos como la revolución social, la injusticia y la anarquía, generalmente se ubican frente a fondos borrosos que funcionan como una reminiscencia del típico camuflaje militar, técnica que utiliza en mayor o menor medida en sus obras.

En su muestra “Retroceder Nunca”, su segunda muestra individual, El Marian reinterpreta fotografías de diversas partes del mundo que muestran a una sociedad intranquila, que representan a niños rebeldes y a manifestantes en acción. A través de acuarelas, acrílicos, pintura látex e, incluso, tinta el artista logra crear piezas dinámicas que provocan al espectador, invitándolo a reflexionar. La fuerza de las mismas expresan las tensiones y el carácter físico de los disturbios, con la creciente multitud y la palpable adrenalina que colocan el drama en un primer plano.

A su vez, estas obras contrastan con aquellas que representan momentos delicados, como pueden ser besos entre los manifestantes o aquellas de carácter subversivo en las cuales podemos ver a los personajes cubriendo sus caras con pasamontañas de los colores del arcoíris. “Retroceder Nunca” es una muestra lograda con una intensa energía activista y realizada por un artista que, indudablemente, se transformara en un protagonista de la escena artística local.

“La Cabeza” es, sorprendentemente, la primera muestra individual de Ever (Nicolas Romero Escalada) en Buenos Aires. El artista, cuyo perfil internacional ha crecido gradualmente en los últimos años, ha demostrado su lado audaz con este trabajo. Con el apoyo de Dinámica Galería, Ever demuestra, una vez más, su preferencia por las instalaciones en galerías de arte a través de una imponente y cautivadora obra que cobra vida gracias a una hipnotizante performance de danza.

Ya es habitual encontrar la figura de Mao ocupando un espacio central en las obras de Ever y esta muestra no es ninguna excepción. La inmensa cabeza del dictador chino está suspendida en el aire y domina el espacio asomándose por encima del piso. Es un análisis conceptual de la ideología que era transmitida por medio de los tradicionales posters comunistas en China, en los cuales la cabeza de Mao siempre estaba suspendida sobre sus súbditos, el pueblo.

Ever, una vez más, recurre a la imaginería comunista para explorar su fascinación por la contradicción intrínseca de esta ideología. Entre alguno de los elementos se destacan, en el fondo, la cascada de libros que se superponen con el símbolo comunista para reforzar la estética. “La Cabeza” analiza el conflicto que surge cuando recae en un simple cuerpo humano la tarea de llevarle a toda una población un sistema de pensamiento, empapando de poder a la figura y creando una falsa idealización por parte de las masas. La performance va un paso más allá al exponer la obsesión a través del poder.

El acto involucre a 3 bailarines, amigos cercanos del artista, y una máscara de la cabeza de Mao, que, al ser utilizada por cada uno de los bailarines, produce una escalofriante transformación en el trio; aquel que tenga la máscara puesta mira bizarramente a los espectadores mientras que los dos restantes se encojen y se aferran a sus pies, manifestando su deseo y su sumisión a la cabeza comunista. Por medio de esta muestra, Ever nos muestra la magnitud de su ambición y como, aceptar lo controversial y tomar riesgos puede llevar a la creación de trabajos atrapantes y poderosos.

“Osmosis” podrá ser visitada hasta el 10 de Junio de Martes a Viernes de 13.00 hs a 19.00 hs, Sábados de 11.00 hs a 15.00 hs en Humboldt 1510.

“Retroceder Nunca” estará hasta el 6 de Junio de Martes a Domingos de 17.00 hs a 21.00 hs en Thames 1885.

“La Cabeza” hasta el 27 de Mayo de Martes a Jueves de 20.00 hasta medianoche en Gorriti 5741.

(Nota escrita por Sorcha O’Higgins)

Pol Corona & El Marian

Por segunda vez en las calles de Buenos Aires los artistas Pol Corona y El Marian se encontraron para fusionar estilos y técnicas inspirados en la fotografía de un hombre en situación de calle. El resultado es esta obra realizada en látex y aerosol posee una dimensión de tres metros de alto por siete de ancho de la ochava del barrio de Parque Chas y fue realizada con el permiso de los dueños de la propiedad pero sin boceto previo.

En el retrato podemos apreciar con claridad las expresiones de cada uno de los interventores; El Marian se destaca por su método pictórico mientras que Pol Corona despliega sus animales alegóricos en un diálogo que invita a la libre interpretación de los transeúntes. Mientras que El Marian se desprende del ámbito de la ilustración y el tattoo art, Pol Corona ha realizado la transición desde el graffiti tradicional al arte urbano. De todas formas, ambos artistas se han formado en la calle y sus inspiraciones provienen de la urbe, de su entorno.

Pol Corona y El Marian son dos de los artistas más prolíficos del movimiento que acerca el arte a los ciudadanos, ese que busca embellecer, reciclar y renovar nuestras paredes. A su vez también son recibidos en galerías de esta temática y ambos contarán con su segunda muestra individual este año en la galería Hollywood in Cambodia (ver Planeando n 53), en Palermo. El seis de mayo será el turno de El Marian, mientras que Pol Corona se prepara para el 21 de octubre.

Este mural se encuentra en la intersección de las calles Llerena y Combatiente de Malvinas, Parque Chas.

Sweet Toof en Buenos Aires

El artista británico, Sweet Toof, está cubriendo, hace ya varias semanas, la ciudad de Buenos Aires con sus calaveras y dentaduras. Fue invitado por la organización Res Non Verba y desde entonces, ha estado taggeando y pegando desde Quilmes hasta Saavedra. Sorcha O´Higgins habló con él acerca de su estilo característico, su carrera como artista urbano y como se siente al pintar en Buenos Aires.

Me acuerdo de ver el grafiti punk y mod en Inglaterra cuando era muy joven y preguntarle a mi mamá, ¿Qué es eso?, ella me dijo “Chicos traviesos que escriben en la calle”. En ese momento, me acuerdo que me entusiasmé, yo también quería hacerlo. Después, llegó el hip hop y empecé a hacer breakdance y todo eso en los 80. Además, películas como “Wild Stars” y “Style Wars” eran de culto en lo que a hip hop y grafiti se refiere.

Empecé a taggear con un resaltador o lapicera y escribía nombres como “Hovis” u otras palabras. Cuando tenía 13, con algunos amigos, solíamos robar la pintura hasta que agarraron a algunos de ellos y yo me asusté. Entonces, decidí ahorrar el dinero que tenía para la cena y con eso comprar latas de pintura y guardarlas en casa. Cuando mis padres se iban a dormir yo me escapaba por la ventana de mi cuarto, atravesaba un techo y luego bajaba por un tubo de desagüe. Tomaba prestada la bicicleta de mi vecino e iba a pintar las cajas eléctricas con personajes de los pitufos. Al día siguiente, mientras iba al colegio, los veía desde el colectivo.

A los 18 años dejé de hacerlo por un tiempo pero aun así el grafiti estaba presente. Fui a una escuela de arte en Bangor. Tenía dos valijas con dibujos en lugar de un porfolio, me mandaron a la escuela de Bellas Artes. Después, hice otra carrera en Coventry por tres años donde aprendí a trabajar con técnicas más primitivas como grabado por ejemplo, también aprendí la técnica de aguafuerte, etc. En aquel entonces, en la década del 90, la actitud prevaleciente era que la pintura había muerto, con lo cual todo sucedía en torno a las instalaciones o videoinstalaciones artísticas, yo, por mi parte, me rebele ante eso y elegí hacer pinturas al óleo, naturaleza muerta y calaveras. Solía ir al mercado y comprar pájaros muertos, conejos también y luego los colgaba en mi taller y los pintaba, estudiaba la naturaleza en mi casa de forma casi obsesiva. Todavía salía pintar y hacía obras que tenían como base letras, distintos personajes y ese tipo de cosas. Así que, en realidad, trabajaba haciendo ambas cosas; por un lado tenía la disciplina de la pintura pero la adrenalina y diversión de pintar en las calles. Luego, fui a la Real Academia de Arte en Londres, estudié pintura y también dibujo. Enseñe por un tiempo, pero no me gustó mucho.

La dentadura comenzó a aparecer en mis obras cuando llegué a Londres. Antes escribía “Spy” y en la S agregaba algunos dientes, pero al mismo tiempo también hacía auto retratos con una lupa entonces mis dientes parecían enormes. Hacía pinturas al óleo con unas bocas enormes, dientes por todos lados. Me acordé de las golosinas que comes cuando sos chico, los dientes gomosos y los huevos fritos. Miraba los grafitis y solo veía nombres, personajes, nombres, personajes y tenía ganas de crear algo rápido, crear “throw ups”. Los dientes son fáciles de hacer, tan solo unas líneas y después rosa/negro/blanco, solo tres colores y se prestaba para hacerlo al óleo también y esto llevo a que un estilo empezara a romper los límites del otro. El arte urbano se transformaría en uno de los temas para la pintura tradicional, reclinarse sobre una pared, ver el cielo de noche, todas esas cosas te influyen. Uno recuerda la luz y demás…

Amo pintar al óleo tanto como amo pintar en la calle. Todavía hago muchas calaveras pero también veo dientes por todas partes desde que empecé a hacerlos en el 2005. Es por esto que decidí no hacerlos por un tiempo. Siento que uno hace las cosas hasta que se aburre, como si tuvieras una esponja y paras cuando ya se escurrió todo.

Londres esta aburguesado muchas paredes, muchos tours de arte urbano y en su mayoría no son buenos. Las paredes están controladas por aquellas personas que lo hacen solo por lo que puedan sacar de esto, se suman a la movida solo por eso. Hay tantas reglas en los grafitis ahora, por ejemplo “tenes que hacer una obra, sombras, nubes, contorno, sin goteos, etc, etc.” el lenguaje está limitado. A mí no me gusta estar tan definido, así la gente no puede decir realmente lo que sos. Todavía disfruto de hacer “throw ups”, trabajar con rodillo o hacer bombas pero no me gusta que la gente me etiquete y diga “Si, es un artista urbano” o “Es un grafitero” No sé lo que soy, solo sé que me gusta pintar y como todas las personas que tienen energía y que disfrutan de hacer cosas… ¿eso te motiva, no?

Últimamente, no me gusta decirle a mucha gente donde voy, decir que voy a pescar y en realidad ir a viajar y pintar. La conocí a Belén de Res Non Verba, en un show que hice en Nueva York y ella me invitó a Buenos Aires. Realmente, no pensé que vendría pero de repente estoy acá. Me encanta pintar acá. Tenes cielos azules, el clima es increíble, podes pintar de noche, podes escuchar el ruido de los insectos, se siente realmente calmo, relajado. Claro que seguro debe tener sus cosas pero me gustaría quedarme. Estoy pensando en volver el próximo verano. Pinté algunas paredes durante el día e hice muchas cosas de noche también. Una vez vino la policía me asusté y empecé a correr, pensé que venían a buscarnos pero solo estaban pasando por ahí. En Londres hay cámaras por todos lados y así es como te agarran. Logramos poner alrededor de 100 posters de noche, eso fue divertido. Además, acá también podes conseguir muy buen papel. Pinté con Sonni, él es muy relajado y es agradable trabajar con él. También pinté con Malegria y El Marian en La Boca. Salí un par de veces con Perla, Raws y Borneo. Algunas paredes con permiso… y otras sin.

Mas de Sweet Toof en su sitio: sweettoof.com

Entrevista por Sorcha O’Higgins. Fotos por gentileza de Res Non Verba.

Entrevista: Zosen & Mina

El dúo de artistas residentes en la ciudad de Barcelona, Zosen Bandido (oriundo de Argentina) y Mina Hamada (oriunda de Japón) acaban de finalizar un tour que duró 3 meses en el cual visitaron Argentina, Perú y Bolivia. Los trabajos realizados en conjunto por estos dos artistas se caracterizan por la fluidez de las líneas, por ser coloridos y optimistas, reflejan su verdadera personalidad cargada de buena onda. Iniciaron su recorrido con una muestra llamada “Cultura Popular” en Club Cultural Matienzo, de allí fueron a Córdoba, pasaron por Mendoza y Salta antes de llegar a Bolivia y Perú, en donde finalizaron su viaje con “Nomadas” una exhibición que se llevó a cabo en Paraíso Galería en Lima. Sorcha O’Higgins conversó con ellos respecto a sus experiencias en América del Sur y las diferencias entre el arte urbano argentino y aquel que se desarrolla en Europa.

Zosen: Yo llegué al grafiti a través del skateboarding. Nací en Buenos Aires pero mi mamá es de España así que hace ya muchos años que vivo en Barcelona pero cuando era joven y vivía en Buenos Aires solía andar en skate. En Buenos Aires todavía no existía una cultura del grafiti, había pintadas políticas o de bandas de rock and roll pero no había grafiti como si pasaba en Nueva York. La cultura de skate por otro lado si existía, era el ambiente del punk/skate. Cuando llegué a Barcelona, seguí andando en skate y fue ahí que comencé a hacer tags y letras que eran realmente malas ya que en Barcelona quienes andaban en skate también hacían grafitis.

Mina Hamada: Yo nunca había pintado en la calle antes de mudarme a Barcelona. Antes, cuando vivía en Japón, no sabía nada acerca de murales. Solía dibujar todo el tiempo y escribía historias y poemas que luego ilustraba. Después, cuando me mudé a Barcelona en el 2009 conocí a miles de personas que se dedicaban a pintar en la calle. Salía yo con ellos e íbamos a fiestas o a pintar. Al principio, me daba vergüenza, estaba nerviosa porque no sabía cómo usar el aerosol pero aún así lo hice y lo disfruté mucho.

Zosen: Actualmente, pintar en la calle en Barcelona es absolutamente ilegal. Podes tener serios problemas si te llegan a ver, entonces, a la hora de elegir un lugar para pintar hay que ser cuidadoso así las paredes duran más tiempo y no las sacan de forma inmediata. En Latinoamérica, sin embargo, se puede pintar donde uno quiera.

Mina Hamada: Cuando empecé pintaba en lugares abandonados en Barcelona. Pero pintar en Latinoamérica es más divertido, lo único que tenes que hacer es hablar con los dueños de la casa y si pegan buena onda, si te llevas bien con ellos, podes pintar. Pintar en Buenos Aires es mucho más fácil.

Zosen: Antes, ya había pintado algunas paredes en Buenos Aires. Una cerca de Parque Chacabuco y otra junto a Mart y los chicos cerca del estadio de River Plate, de esa todavía queda una parte. En aquel entonces, artistas como Blu todavía no habían venido acá así que nadie sabía cómo pintar la parte más alta de las paredes, la gente solo pintaba hasta donde alcanzaban con el brazo. Al haber estado en Europa yo sabía que se podía hacer por eso pintamos la parte superior. Eso fue en el 2006 y cuando volvimos en diciembre todavía estaba.

Zosen: Barracas es como si fuera un salón de la fama, hay tantas paredes. Pol Corona, Mart, Jaz, Pastel y Chu, todos pintaron ahí. Queríamos aprovechar que estábamos acá para pintar algo nosotros también. Fue así que nos invitaron a pintar una pared que está ubicada justo en frente del edificio Sullair. La casa le pertenece a una señora, cuyo nombre es Susana, que vive en el barrio hace 45 años. Todos la llaman “Abu”, ella fue increíble. Pasamos 3 días ahí, comimos en su casa, pasamos tiempo con sus nietos. La parte de Barracas en la cual estábamos trabajando es la más industrial, hay una zona que es más peligrosa que quedaba justo a la vuelta de donde nosotros estábamos. Un día, mientras estábamos pintando, vimos a un chico corriendo atrás del ladrón que lo acababa de asaltar, la policía vino… entonces te das cuenta que nos estas en Palermo, no? Las casas, la gente todo es más humilde. Pero, al mismo tiempo, pienso que eso es lo interesante de pintar en ese lugar, la gente no puede arreglar las paredes, casi pareciera que no es que estas pintando una obra en sus casas sino que les estas dando una mano de pintura fresca. Además, fue fantástico poder conocer una parte de la ciudad que no todo el mundo llega a conocer.

Pintar en Mendoza para el proyecto Muropolis fue muy divertido. Pintamos la escuela donde estudió Quino, el creador de “Mafalda”. La escuela también estaba en un barrio humilde, chicos de 15 años le pedían a Mina su número de teléfono y le pedían que dibujara los “5 puntos”. Ella no sabía a qué se referían, nos dijeron que era de un videojuego y que los chicos, hoy en día, pintan eso. Fue genial poder pintar con viejos amigos y, también, poder conocer artistas de Mendoza y a otros artistas, como por ejemplo, Lelo (https://www.facebook.com/lelo021?fref=ts) de Brasil que no conocíamos. Había 30 artistas pintando, 15 eran de Mendoza y 15 de otros lugares. Salimos, bailamos cumbia, tomamos mucho vino, fuimos a muchos asados. Incluso hicimos rafting! Fueron como unas vacaciones de verano.

La escena de arte urbano en el norte de Argentina todavía es muy reciente y mucho más chica en comparación con Buenos Aires o Córdoba. Lo que la destaca es la presencia de murales con influencia indígena. También pintamos en La Paz y en Cochabamba en Bolivia. Allí, el arte urbano es muy similar a Argentina en cuanto a la libertad que uno tiene para pintar, solo hace falta hablar con el propietario y pedir permiso. Pintamos un gran mural en un taller en diciembre, que es época de lluvias. El clima era medio tramposo, teníamos que estar constantemente viendo el pronóstico del tiempo para saber cuándo no iba a llover, levantarnos a las 5.30 am para empezar a pintar a las 7 am y parar a las 12 pm. El acrílico tarda más en secarse que la pintura en aerosol, lo cual fue problemático.

Vimos muchas artesanías en el norte. No podemos saber cuánto nos va a influenciar en nuestros futuros proyectos hasta no volver a Europa. Tres meses viajando, conociendo tanta gente… va a llevar un tiempo procesar todo y ver que surge de todo eso! Lo importante es haber compartido con gente local en todos los lugares que estuvimos esto te permite entender mejor el lugar donde estas.

Zosen: Las fotos que sacamos van a ser parte de un proyecto en el cual estoy trabajando. Cuándo viajé en el 2006 fui a Brasil, Chile y, también, vine a Argentina y empecé a escribir notas para algunas revistas, explicando un poco la realidad del arte urbano en Sudamérica para que la gente de Europa pudiera entender mejor las diferencias. Por ejemplo, en Chile mezclan las pinturas en aerosol para obtener diferentes colores y eso nunca lo verías en Europas. En Sao Paulo existen las “pichações” que, incluso, algunos lo hacen con un pequeño rodillo. Por cada ciudad que estuve, escribí un artículo entonces la idea es hacer un libro con las fotos que saqué. Tal vez, también hagamos un video pero probablemente con las fotos así podemos mostrar lugares como El Alto en Bolivia.

Entrevista con Defi Gagliardo

“Cuando encuentro el error encuentro la llave a mi próximo paso”

Defi Gagliardo repasa su carrera, la transición de las calles a las galerías, evalúa la situación del mercado del arte urbano en el país y nos adelanta de qué se trata su única muestra solo este año en UNION.

Mi formación académica se gestó en la UBA, donde fui docente durante tres años. Entonces hicimos, junto a unos amigos, la revista FASE que fue súper antiacadémica al punto que hubo docentes que la comenzaron a utilizar para enseñar. En el número 0 que se editó en blanco y negro, la idea era poner en crisis a las cátedras mediante nuestro diseño. Presentamos el contenido de cada cátedra para que cualquier estudiante eligiera qué camino seguir. Fue como una veganza contra las cátedras.

Mi paso por la universidad sirvió para que me decidiera por hacer lo contrario. Creo que la carrera de Diseño Gráfico te abre la cabeza de una forma especial que otras carreras más estéticas porque se trabaja más con el concepto. En la cátedra que elegí eso estaba muy marcado y yo choqué mucho.

Corría el año 2001 y yo pintaba un montón. Elegía las paredes…era como el muro de facebook, pero con la intención de comunicar algo, como por ejemplo el lanzamiento de algún número de la revista. Hoy creo que las redes sociales mataron la creatividad, por lo menos la mía. Hoy la gente se entera de las cosas por la computadora y no por la calle…. y esto es algo a lo que no me adapto, porque yo crecí en otro mundo.

Las pintadas en la calle dejaron de divertirme cuando empezó una carrera para ver quién es el mejor y se perdió el concepto. En la búsqueda de reemplazar las pintadas hice la transición a las galerías. Dejé de pasar tiempo pintando en la calle para pasar al estudio y luego de un tiempo la calle me pareció obsoleta. Sin embargo desde el 2004 y hasta el 2009 tuve la oportunidad de viajar mucho y pintar.

Tuve una carrera artística algo extraña porque empecé a trabajar con galerías de afuera del país antes que con las locales. Fue por el año 2008 o 2009 cuando algunos galeristas me aconsejaron sobre el modo de presentar las obras. Desde entonces para cada muestra trabajo mucho con la cabeza antes de ponerme a pintar.

La entrada del arte urbano a las galerías de arte tradicional localesfue tardía y cuando sucedió yo ya no era parte de ello. Soy conciente de que mi obra cambió durante ese proceso y se volcó al fine art. De todos modos el resultado de la llegada del movimiento de las calles a otros contextos estuvo bueno y permitió que llegara a mucha gente. Si bien es un mercado que existe en otros lugares del mundo no creo que se llegue a afianzar aquí, porque depende de una circunstancia socioeconómica que no está dada para permitirlo. En Argentina sigue siendo un nicho muy cerrado.

Mi obra no se identifica por ser una sola. Si bien obtuve un reconocimiento en la calle por los gatitos, yo era muy activo. En una época armaba exposiciones de stickers en las góndolas de los supermercados y después las anunciaba en la calle con afiches que yo pegaba “Visite la muestra el stand de galletitas”.

Llegó un momento en el que comencé a experimentar con el instante entendido como un fotograma fílmico y fue entonces cuando mi obra se diversificó y fue evolucionando en el surgimiento de las cajas donde cada una contiene una historia que se conforma a medida que voy construyendo el escenario. Las considero como una forma de acceder a la fragilidad de ese instante. Cada una lleva mucho tiempo y desde la selección de sus componentes pasando por el lijado de las maderas hasta la pequeña instalación eléctrica están integramente confeccionadas por mi.

El collage se trata de experimentar una y otra vez con los elementos hasta encontrar los que encajan. Me divierte jugar a armar rompecabezas y busco llegar a los rostros. Quizás se trate de recuerdos perdidos que conservo. Busco la expresión que me lleva a la abstracción de ese recuerdo. Además de las caras en Fuck, I missed se suman, con la misma técnica, los burritos. En cada una de mis muestras hay uno que persigue una zanahoria sería una suerte de símbolo del trabajador así como del engaño. Jugando con sus componentes llegué a ellos de casualidad.

Lo que más me importa transmitir en las telas es la explosión de la energía y todas sus capas. Hay algunas más sutiles y escondidas porque quizás dibujo algo para luego taparlo, pero siempre hay alguien que las puede leer. A mis obras abstractas las llamo “mamarrachos” y esta vez incorpore más colores a los primarios con los que suelo componerlos. En toda mi obra está el error muy marcado y cuando encuentro el error encuentro la llave a mi próximo paso.

Con Pedro (Pelerman) nos conocemos hace muchos años. Hacemos música y pintamos una obra basada en un track que hicimos. Nos entendemos muy bien a la hora de laburar, pero quería exponer algo muy distinto a lo que hemos hecho porque nuestras colaboraciones anteriores han sido en paredes, pero esta es la primera vez que pintamos un cuadro.

“Fucked, I missed” es una celebración del error así como una celebración del caos. Es trash y es armónico: Esa es la búsqueda de la obra que está atravesada por el diseño en pos del equilibrio estético al momento de su composición y es allí cuando deja de ser un “mamarracho”, el resto es instinto.

Entrevista por Ana Laura Montenegro

Galería Union

Galería Union es un nuevo proyecto liderado por Jonny Robson y Marina Charles, fundadores de graffitimundo.

Luego de su experiencia como curadores en Buenos Aires y en el exterior, la creación de un nuevo espacio artístico en la ciudad fue una evolución natural de los objetivos de graffitimundo. Union nace con el objetivo de continuar promoviendo el arte urbano argentino, así como crear un espacio que fomente nuevas oportunidades y conexiones entre artistas.

UNION abrió sus puertas en el año 2014. Emplazada en una casona antigua y restaurada de San Telmo, cuenta con varias salas donde se realizan exhibiciones temporales, cuenta con espacio para la colección permanente y espacio para talleres dictados por los artistas locales.

Para más información, visita nuestra página: www.galeriaunion.com

Entrevista con Jaz & Pastel

Luego de una colectiva ausencia cercana a los 6 meses los muralistas argentinos Jaz y Pastel están de vuelta en Buenos Aires y han colaborado para pintar dos increíbles nuevas paredes en el barrio de Barracas. Las recientes obras reúnen sus distintivos estilos y llevaron aproximadamente 8 días para ser realizados. Se trata de una inusual colaboración (donde en general los artistas suelen dividir previamente el espacio de cada artista a ser pintado) más cohesiva y holística donde ambos artistas comparten todo el largo de la pared y entrelazan sus estilos.

Ubicado bajo el puente cercano al Centro Metropolitano de Diseño, las paredes presentan una procesión de personajes mitad hombres/mitad bestias a cargo de Jaz, yuxtapuestas en un entorno floral diseñado por Pastel. Jaz toma influencias de las tradiciones culturales latinoamericanas y las combina con las tradiciones locales donde a menudo pueden apreciarse escenas violentas.

Jaz y Pastel dicen haber creado un “micro-ambiente” de Barracas bajo ese puente. Nos encontramos en el estudio que comparten en Villa Crespo para descubrir más de esta obra y de su experiencia trabajando juntos.

Graffitimundo (GM) – Hola chicos! Cuándo fue la última vez que pintaron juntos y qué pintaron?

Pastel (P) – (A Jaz) La primera y última vez?

Jaz (J) – (A Pastel) No, pintamos juntos más de una vez, pero la última vez fue por el año 2011 y ya no existe. Era en el barrio de Saavedra. Eran dos personas enfrentadas. Pastel hizo una estructura geométrica en el medio. Fue una buena obra, simple, muy linda hecha para un video, pero nunca lo vi.

P – Si..

J – para un programa del canal de la ciudad o algo así.

GM – Cuándo decidieron pintar esta obra?

J – Muy recientemente. Cuando volví de mi último viaje. Antes de volver a Buenos Aires Pol Corona me preguntó si quería pintar ese muro y me envió una foto. La primera semana a mi regreso fui a verlo y pensé que era tan grande que tal vez no me alcanzaría el tiempo. Aunque él [Pastel] aún se encontraba en el exterior le pregunté si quería pintar conmigo cuando volviera.

P – Y cambié mi vuelo y volví directamente a casa (risas).

GM – Cómo decidieron qué iban a pintar? Lo pensaron primero aquí (en el estudio), cuando Pastel aún estaba afuera, o directamente en la pared?

J – No, acá. Pastel había pintado en Barcelona con AlexisDíaz de Puerto Rico, y Alexis tuvo que irse sin poder terminar la obra, entonces Pastel comenzó a pintar alrededor de la pieza de Alexis y cuando vi la foto dije “Wow, estaría bueno hacer eso”, esa onda, entre los dos podríamos crear una trama gigante de figuras y las flores de Pastel.

GM – Si, porque esta obra se distingue de las demás. El trabajo individual no está separado como usualmente lo es. Eso fue intencional?

Ambos- Si, definitivamente.

GM – Cómo colaboraron en términos de motivos o estilos en la pared?

J – Fuimos a la pared y dijimos: Ok, hacemos esto así, eso así…

P – Quiero decir, cada uno de nosotros conoce el trabajo del otro y cómo trabaja. Nos conocemos muy bien,entonces, en pocas palabras lo teníamos. Fue muy fácil…dijimos, “hacemos a los tipos corriendo y las plantas de la zona”. Así fue realmente

J – Fui por mi cuenta un día y marqué mi parte en un lado…

P – Luego yo fui e hice lo mismo….

GM – Ustedes son buenos amigos. Les gustó pintar juntos?

J – No realmente…(risas)

P – No más, no después de pintar esta pared…(risas). Para mí, creo, Franco (Jaz) es más grande y lleva más tiempo pintando en las paredes que yo. Haber compartido el estudio por un tiempo ayuda a aprender un montón del otro. Compartir la pared fue exactamente lo mismo. Es como una extensión del estudio

J – Es raro porque hasta ahora no estábamos acostumbrados a pintar juntos. Cada uno hacía lo suyo…

GM -Por qué?

J – Porque nos aburguesamos (risas)… No, porque cada uno hace lo suyo y somos muy independientes. Dejamos de colaborar tanto. El trabajo de cada uno tiene su propio peso y puede ser difícil relacionar el propio con el de alguien más. Y además porque estamos constantemente viajando: Yo estoy por aquí, él por allá… Con Pastel sabía que no iba a ser difícil trabajar

P – También es una cuestión de escalas. Puede ser complicado compartir una pared tan grande, especialmente si no vas a usar el lenguaje tradicional del graffiti, donde cada artista tiene su parte de la pared. Quisimos hacer estas pintadas en conjunto para producir una sola obra.

GM – Y prefieren pintar de este modo o independientemente?

J – Siempre me gusta trabajar solo. Pero a veces hay un incentivo para pintar con alguien más, ya sea porque te cae bien, porque estás interesado en ver cómo resulta o porque hay una amistad. Me acuerdo que en la escena graffitera todos pintaban juntos. Pero ahora que estoy un poquito más viejo prefiero trabajar solo.

GM – Tenían permiso para pintar esta obra?

J – Fue una comisión para Sullair, la compañía de grúas. Ellos tienen un programa de distribución de la comunidad de Barracas y organizan diferentes proyectos, este es uno de ellos. Pero no nos pusieron ninguna restricción. Nos pagaron, pero fuimos totalmente libres de pintar lo que quisiéramos.

P – Lo loco es que aún teniendo la libertad para pintar lo que quisiéramos, las paredes no le pertenecen a la compañía, es un espacio público. Tampoco ellos tienen permiso para pintar ahí.

J – La realidad es que si vas a hacer algo con permiso, especialmente en ese barrio, que realmente lo necesita, perdés tres meses esperando por la autorización oficial, así que optaron por hacerlo simplemente.

GM – Tienen una buena relación con Sullair?

Ambos – Si, si.

J – Si, la mejor. Muy buena. Para ser una compañía, son muy buenos para concretar las cosas. Es grande, entonces tienen facilidades. Les importa mucho proveer a la comunidad. Arreglan cosas, cortan el pasto… muchas cosas. Es realmente impresionante lo que hiciero en el barrio

GM – Jaz, hiciste esa mezcla de materiales que usualmente usás (con nafta y brea)?

J – No. Hace un tiempo que no uso materiales raros. En Túnez lo hice, pero fue porque era una pequeña pared. La mayor parte de los grandes murales que hice últimamente han sido realizados con látex porque en su mayoría fueron trabajos comisionados o festivales en los que se trata puramente de muralismo donde generalmente no se busca el trabajo efímero, sino algo que dure. Trato de utilizar esos (extraños) materiales cuando estoy haciendo algo para mi mismo o un pequeño proyecto que es, generalmente, una intervención.

P – Pintar en los festivales con esa clase de materiales es una clase de contradicción también, usando materiales básicos cuando podés contar con el lujo de pintar con lo que quieras.

GM – Pastel, vos siempre utilizás látex?

P – Yo uso látex, y también un montón de tinta para los detalles, porque tiene una textura diferente, una consistencia fluida.

GM – Ambos han pintado murales enormes alrededor del mundo recientemente. Tuvo alguna influencia en lo que pintaron en Barracas?

J – Bueno, en comparación de las obras que pinté en el exterior esta es bastante pequeña. Es muy larga, pero es fácil. Está a resguardo de la lluvia y el sol, no es un lugar remoto.

P – Tiene una proporción razonable, no es tan alta. Pero si la giraras 90 grados sería un edificio de 9 pisos. Eso es grande. Sin embargo estamos acostumbrados a trabajar en esta escala. Se puede trabajar cerca de la pared como de los materiales, es mucho más dinámico.

GM – Jaz, comenzaste a trabajar con el collage. Hay alguna influencia de esta etapa en el muro?

J – No realmente en estas paredes, más que nada en lo que estoy haciendo para mi trabajo destinado a las galerías. Eventualmente me gustaría llevarlo a la calle, pero ahí necesitas un método de trabajo completamente distinto al que hice hasta ahora. Nunca intenté llevar el papel a las calles, así que nos abría cómo empezar. De hacerlo debería comenzar por formatos pequeños, fáciles, sencillos, en las cercanías…. Quería usar papel en uno de los muros de Barracas, pero por el tamaño y la textura porosa de la pared no hubiera durado nada, tal vez un mes como mucho. Por otro lado el uso del papel hubiera conectado a la idea del arte efímero y en este caso era una comisión.

GM – Pastel, siempre hay un contexto profundo en tus obras ya sea histórica o geográfica. Hay algún elemento de este tipo en Barracas?

P – Si. Generalmente trato de crear una relación con el contexto o el entorno. La historia, geografía, la gente, la sociedad, la naturaleza, su flora y su fauna. También busco crear el la sensación de identidad del área y el sentido de pertenencia del mural. Generalmente esto se traduce al uso de la vegetación salvaje, pequeñas plantas que represento en el mural. Puede parecer sólo una trama, algo decorativo, pero detrás de eso hay una búsqueda de la particular identidad de ese lugar.

GM – Entonces escogiste flores de las cercanías del puente de Barracas?

P – Si, siempre elijo flores y plantas de la parte de abajo de la pared, pero aquí hay un montón de vegetación sobre el puente, cerca de las vías del tren Elegí 4 o 5 plantas de ahí para crear mi composición.

GM – Usaste puntas de flechas que suelen aparecer en tus obras?

P – No, esta vez no hay ninguna. Uso las flechas como un estudio de la historia argentina, Particularmente de las batallas libradas sobre todo en Misiones, de donde mi familia es oriunda. Pero las puntas de flecha tienen un significado más fuerte y permanente, más violento desde cierto punto de vista, que cuenta otra parte de la historia, un costado más difícil que simboliza la defensa en tiempos de guerra.

GM – Jaz, tus criaturas en esta obra tienen las caras negras, hay algún simbolismo allí?

J – Trato de no darles identidad, pero al mismo tiempo darles una historia. para este mural en particular se trató de una manada de animales, pero irreconocibles. Son chatos, pero obviamente animales. Su identidad se revela en otros detalles: los tatuajes, la vestimenta, sus zapatos. Todo eso es directamente del barrio. Obviamente no puedo replicarlos exactamente, no se lo que significan para estas personas, pero es una referencia. Un tatuaje es una marca de pertenencia, es tribal. La identidad está expuesta a través de estas cosas, la iconografía local.Pero sus cabezas son una forma de quitar esas identidades de quitar los rostros de las personas. Es por eso que me preguntan “por qué tienen cabezas de animales?” Allí radica el mayor miedo: “Pero qué son…??”

P – Son anónimos

J – Exacto, son anónimos, pero no al mismo tiempo.

GM – Qué tipo de animales son?

J – Todos los tipos. En la primera pared elegí animales y se me ocurrió preguntarle a las personas presentes cuáles querían ellos. Para la segunda pared pinté los animales que me fueron sugeridos.: Un oso, un perro… animales y nombres de las personas de allí.

Todos los tatuajes, todas las prendas de vestir llevan los nombres de las personas del barrio. De esa forma asimilan el mural y se apropian de el. Eso fue loco, estuvimos ahí todos los días allí pintando, pero si no fuera por eso no estaríamos ahí 10 minutos. Es un barrio peligroso. Pero ellos nos aceptaron, nos cuidaron, nos contaron sus historias y de esa forma te involucras en la situación. Y te das cuenta la variedad de sociedades que existen en la misma ciudad. De alguna forma accedes a ellas, incluso con las inmensas diferencias.

P – Otra cosa loca es que más allá de nuestro trabajo en en pos de retratar una identidad, mientras que estás ahí, de alguna forma, te convertís en parte de esa sociedad por un rato. Eso va más allá de la pared. Hay un reconocimiento al final del día, vos sabés cómo son las cosas… Es complicado.

J – Si, realmente muy pesadas. La policía está ahí todo el tiempo, las personas ebrias..

P – Pero al mismo tiempo, estaban muy atentos a nosotros, nos ofrecieron cosas para tomar, nos preguntaban si teníamos hambre y nos proveyeron de todo lo que necesitáramos…

J – Y te hablan de su familia, te muestran las cicatrices que se hicieron en prisión, te cuentan cómo fue estar ahí dentro. Hay situaciones insólitas, pero y al mismo tiempo interesantes. Normalmente no estamos expuestos a eso.

P – Un día alguien se nos acercó y nos dijo “Tenés idea la cantidad de gente que se quiso meter con ustedes? Nosotros les dijimos: No se acerquen a los chicos que están pintando”

J – Nos estaban cuidando y también a los que vienieron a sacarnos fotos o filmar, porque ellos “nos estaban ayudando””

P – “Están pintando para nosotros…”

J – Para alguien que es de clase media, que fue a la universidad, que pueda ver cómo viven otras personas estos lugares… te hace pensar. Estamos haciendo un mural, no cambiando sus vidas. Pero al menos creamos un diálogo. Fue muy divertido.

P – Pero si lo consideras desde otro punto de vista en este barrio (Villa Crespo), al ver algún cartonero tal vez tengas una sensación similar a lo que nos pasó en Barracas, pero invertido, sabés?: El individuo contra las masas. Y desafortunadamente en los barrios de clase media o de clase media-alta la diferencia entre lo individual y la unidad crea marginalidad.

GM – Pastel, recientemente en España usaste una paleta de colores basada en los colores del lugar. Hay algo similar en esta obra?

P – No esta vez. Haz tuvo más. que ver con la elección de colores

J – En el barrio hay dos clubs de fútbol. Barracas Central y Deportivo de Barracas. Uno tiene camiseta blanca y otro blanco y rojo. Eso disparó la idea, que fue cambiando en el paso de los días. Si bien comenzamos con esos colores, expandimos la paleta. Actualmente, del otro lado del riachuelo, están Indpendiente y Racing, que usan esos colores. El barrio tiene mucha influencia de esos equipos. Muchos de estos fanáticos son parte de las barras de esos equipos Ellos comenzaron a notar algunsas cosas sobre el uso de esos colores, así que a veces fue un tanto complicado cómo ingeniarse para usarlos. Pero así fue cómo empezó.

GM – Creen volver a pintar juntos?

Ambos – No, nunca (risas)

J – No, no lo se. Me voy pronto y no se cuándo voy a volver…

P – Algún día, cuando seamos viejos…

Sorcha O’Higgins